Reflexiones de Martin Parr.

2012.08.30

EXTRAÍDO DE UNA FOTOCOPIA QUE ME DIO EL FOTÓGRAFO Y PROFESOR ARMANDO GRACÍA EN UN SEMINARIO.

Retrato a Paco Elvira.

Reflexiones resumidas Paco Elvira en la web The Photographer’s Company. Barcelona, diciembre 2009

  1. El fotoperiodismo tradicional en que revistas y magazines enviaban a fotógrafos por todo el mundo se ha terminado. Muchos fotógrafos son unos nostálgicos. Se ve en Visa pour I’Image. Es como una tribu de la extinción aferrándose a un sistema que ya no existe.
  2. Todavía hay muchos fotógrafos que no se han dado cuenta del cambio y continúan echando la culpa a los otros, cuando lo que tendrán que hacer es espabilarse ellos mismos.
  3. La gran mayoría de fotógrafos documentalistas son unos nostálgicos, fotografían lo que está a punto de desaparecer. Yo fotografío las cosas que nacen: el mundo actual.
  4. El mercado ya no nos quiere.
  5. Sin embargo, nunca la fotografía ha tenido tanto público como hoy en día. Sólo hay que ver, por ejemplo, como está esta sala.
  6. El fotógrafo, hoy en día, debería fotografiar un tema en el que esté interesado y luego promocionarlo y buscar el mismo la salida. (Libro, exposición, Internet…) Ver más información del artículo

SOMOS UNO. Un homenaje a los publos indígenas.

2012.07.11

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: “Somos Uno. Un homenaje alos pueblos indígenas“, de la editorial BLUME  en castellano.

AUTORA: La periodista Joanna Eede.

“Todos somos uno” es el argumento conductor de este libro que reúne fotografías y textos que muestran la diversidad de las culturas indígenas de nuestro planeta. Página a página vamos recorriendo los rituales, lenguas, creencias, festivales y el día a día de estos pueblos que en la actualidad son amenazados y oprimidos.

El volumen recoge declaraciones de los propios protagonistas, estudios de expertos, extractos literarios… pero sempre acompañados por un periodismo gráfico. Todo esto a sido publicado coincidiendo con el 40 aniversario de la ONG Survival defensora de los derechos de estas culturas.

Arundhati Roy, Levi-Strauss, Eduardo Galeano, Noam Chomsky, Richard Gere… son algunos de los escritores y artistas que podrán encontrar en este homenaje. Entre los reporteros gráficos destacan Sebastião Salgado, Kate Eshelby, Mike Goldwater, Steve McCurry, Mirella Ricciardi, y Carol Beckwith.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

 

 

La fotografía del dolor. Sylvia Plachy.

2012.07.05

TEXTO ADAPTADO PARA EL BLOG EXTRAÍDO DE LA PUBLICACIÓN: http://www.elmundo.es/yodona/

SYLVIA PLACHY: http://www.sylviaplachy.com/

Richard Avedón dijo de ella: «Me hace reír y me rompe el corazón. Es todo lo que un fotógrafo debería ser». Sylvia Plachy ha sabido imponer su humanidad y sentido moral en una obra marcada por el sufrimiento, una ejemplar restricción que la ha convertido en maestra. Espido Freire habla con la autora.

Sylvia Plachy (Budapest, 1943) es una de las más destacadas fotógrafas del panorama actual. Afincada en Nueva York desde hace años, sus testimonios de las atrocidades cometidas en los países bajo el Talón de Acero y la visión intima, y al mismo tiempo testimonial, del dolor humano, la han convertido en una figura de referencia. Es madre de  Adrian Brody, Oscar al Mejor Actor por El pianista (Roman Polanski, 2002).

«El mejor hecho de tomar una fotografía supone una espera interminable. La espera interminable por el instante en el que la composición, la forma, el significado se unirán de manera repentina.» Sylvia Plachy parece hablar como si inventara la palabras y les diera un significado distinto. Como si tradujera de múltiples idiomas antes de elegir las frases y uno de esos idiomas fuera, precisamente, su complejidad emocional.

Ver más información del artículo

Eugène Atget. El viejo París.

2012.06.21

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO DIGITAL: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR EMILIA VALENCIA.

Al parecer Eugenène Atget no se formó como fotógrafo, sino que utilizó la fotografía como un modo de ganarse la vida. Pasó a ser fotógrafo en 1888 de forma un poco casual, del mismo modo que fue actor, redactor y dibujante de una revista satírica. Se inicia en el mundo de la fotografía como fotógrafo comercial a las afueras de París, y posteriormente se instala en esta ciudad. Su carrera fotográfica se vio interrumpida por la Primera Guerra Mundial y posteriormente por la Segunda Guerra Mundial. Tras el paréntesis que le produjo el estallido de estas dos guerras, no abandonó el trabajo de fotógrafo hasta su muerte en 1927. Al término de la Segunda Guerra Mundial, fue en EEUU donde se le reconoció como un gran maestro de la fotografía. Él mismo se definía como un fotógrafo que vende documentos para artistas. Paisajes, primeros planos, y escenas de género son algunos de los temas que utilizaron ciertos artistas para la realización de sus obras. Hacía 1888 Atget toma como punto de referencia para componer sus fotografías las calles de París, un hecho que interesa especialmente al Museo Carnavalet y la Bibliothéque Nationale de París, los cuales fueron desde entonces sus principales clientes. Desde el punto de vista estético y documentalista, estas fotografías realizadas en París son las más representativas del autor francés. Estas imágenes del viejo París fueron tomadas en las zonas que no se vieron afectadas por el proyecto de renovación, modernización y demolición arquitectónica acometido por el Barón Haussmann.

Ver más información del artículo

La imagen de la costumbre fútil de pactar la realidad.

2012.06.10

PARTE DE UN TEXTO DE LA REVISTA REVISTART: http://www.revistart.com/

MIKI KRATSMAN COMENZÓ como fotógrafo de prensa, todavía se considera un fotógrafo de prensa, pero mientras llevaba a cabo su trabajo, se dio cuenta de la rutina difícil de que la vida cotidiana era el problema, aunque fuese visualmente menos impactante, de ahí que este secundario dramatismo visual se convirtiese para él en algo aún más importante de fotografiar. Fruto de ello son las series “Territory” (2005) y “Targeted Killing” (2010). Fotógrafo especializado en los territorios ocupados de Cisjordania. Así, las imágenes de Kratsman que han sido publicadas en diversas ocasiones se repiten también otras tantas en su archivo.

↑ Territory 3001-1 2005. Fotografía B/N, 90 x 90 cm, cortesía del artista y Chelouche Gallery, Tel Aviv.

El trabajo de Kratsman está pensado para ser visto en Israel, para él, si bien es importante, no es algo crucial ofrecerlo más allá de sus fronteras, sino que su verdadero objetivo es mostrar a su gente lo que está haciendo. Lo que convierte  esto en un hecho ciertamente transcendental ya que él, como israelí, al tomar esas fotografías impele a la sociedad israelí a decir que tienen que hacer algo al respeto. No en vano, Kartsman es un fotógrafo que considera cuidadosamente la posición desde la que aprieta el disparador de la cámara en su búsqueda de replicar la relación de poder desigual entre los palestinos e israelíes. La posición del fotógrafo es más importante a considerar, según él, porque crea un punto de vista, lo que consigue que sus obras sean ejemplos de ética más que la estética.

Ver más información del artículo

Asociación “Ruido Photo”.

2012.06.08

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

WEB: http://www.ruidophoto.com/

Ruido Photo. Unidos por la fotografía documental digital independiente.

Que la fotografía documental está en crisis es algo que nadie duda, y no es precisamente porque no haya gente que se dedique a ello. Actualmente hay más fotógrafos documentales que en ningún otro momento de la historia de la fotografía, pero lo que no hay son plataformas o revistas en las que publicar el gran número de trabajos de calidad producidos anualmente. Los famosos llenan desde hace años las páginas de todos los dominicales españoles y poco espacio queda para la denuncia social. Y cuando hay poco espacio es para publicar trabajos de Sebastiao Salgado, Kim Manresa o Navia, lo cual es fantástico, pero y ¿el resto? RuidoPhoto es una asociación de Fotoperiodista Autónomos de Barcelona fundada en 2004 e integrada por un equipo que entiende la fotografía documental independiente como un motor de transformación imprescindible para conseguir cambios importantes en la sociedad que nos rodea. Toni Arnau, Anna Bosch, Pau Cool, Carola Pagani, Edu Ponces y Eduardo Soteras son ex alumnos del IEFC y su pasión común por la fotografía documental les llevó a crear esta asociación. Su apuesta principal se basa en desarrollar “proyectos colectivos en los que se trabaja de forma extensa y comprometida abordando temáticas que difícilmente podrían ser abordadas de forma individual y construyendo, a partir  de la diversidad de miradas, un marco de visión y análisis más amplio”. Además ofrecen cursos de laboratorio, tratamiento digital, fotografía básica y fotorreportaje, entre otros. ¿Que les parece?

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Tags :     

Estilo indirecto: En el Bòlit, Centre d’Art Contemporani de Girona.

2012.05.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA REVISTART: http://www.revistart.com/

Aunque ya ha pasado la fecha de la exposición, este artículo es muy interesantes para conocer trabajos de varios fotógrafos.

Bajo la proposición de que el presente impone ciertas limitaciones al futuro, el comisario Martí Peran representa en el Bònit “Estilo indirecto”, una muestra que reúne la obra de ocho artistas contemporáneos: Jordi Colomer, Adrià Julià, David Maljkovic, Chris Mottalini, Javier Peñafiel, Peter Piller, Thomas Steinert y Eve Sussman/ Rufus Corporation.

Adrià Julià. Indicios para otro lugar, trabajo de 2008.

LA MODERNIDAD FUE una época de grandes y numerosas promesas. Sin embargo, las posmodernidad después y la modernidad líquida ahora, han confirmado que el futuro es un concepto “no-pensable” en términos proféticos. Ello no significa que no sea necesario considerar los instantes más próximos que continúan en nuestro presente a través de una mirada optimista, si cabe, del pasado. Para ello, para proyectar al futuro distintos episodios del pasado, cargados todavía de esperanza y posibilidades, se han servido los artistas del medio fotográfico expresado a través de un “estilo indirecto”, una modalidad narrativa en la que el narrador se apropia de la voz de los personajes, para editarla de manera subordinada a su propia posición. El estilo indirecto implica siempre la existencia de la selección de la información por parte del narrador mientras hace de nosotros, los espectadores, un narratorio (el lector implícito creado por el narrador) que no tiene ningún rastro textual. Sin embargo, podríamos precisar que, aunque no “estemos”, compartimos con el narrador la no implicación en la historia, lo que nos convierte en espectadores (lectores) extra-heterodiegéticos. Un todo, eficaz instrumento, que experimenta esta “impaciente (re)construcción política de nuevos horizontes”. Cada uno de los ocho trabajos fotográficos dan cuenta de la tensión entre la memoria y la predicción desde dos puntos de vista diferentes pero convergentes: la revisión del pasado por un lado y la historia revisitada por otro.

Peter Piller. Dauerhaftigkeit (Durabilidad), 2005 Gelatina de plata, 24 x30 cm © Peter Piller/VEGAP, cortesía Galería ProjecteSD, Barcelona

La revisión del pasado no es un ejercito de nostalgia, como en principio podría parecernos, sino que, en palabras de Martí Peran, “(la mirada) toma un atajo por la que se podría acelerar la llegada del futuro soñado”. Dentro de este planteamiento encontramos “Indicios para otro lugar” (2008) de Adrià Julià. En este trabajo, Julià estudia un proyecto arquitectónico de mediados del siglo XIX realizado en los Estados Unidos a partir de la aplicación en un contexto “impropio” de las ideas utópicas del francés Charles Frourier, analizando precisamente la historia y consecuencia del falansterio a través del Ver más información del artículo

Agencia Magnun

2012.03.18

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

Una web imprescindible para los amantes del reportaje puro y duro, que además ofrece Podcasts con comentarios de los propios fotógrafos sobre sus imágenes.

La agencia Magnun destaca por ser una de las agencias de fotografía más prestigiosas del mundo, y la lista de fotógrafos que la componen así lo ratifica. Ellos son los que se encargan de dar una visión muy peculiar del mundo que nos rodea, sus circunstancias. Para poder ver las imágenes de fotógrafos como Paolo Pellegrin, Cristina García Rodero, Elliott Erwitt, Steve McCurry, entre otros, agencia cuenta con una página web simple pero impactante en la que reúne miles de fotografías: www.magnumphotos.com. Pero lo que nos gustaría destacar no es únicamente su web principal sino uno de sus links, inmotion.magnumphotos.com. Magnun a tenido la brillante idea de ofrecer a todo el mundo un conjunto Podcasts en los que los propios fotógrafos explican a lo largo de un pequeño audiovisual sus experiencias vividas en los lugares donde sacaron las fotografías, cómo vivieron el momento y lo que estas fotografías significan para ellos. Oír hablar de sus fotografías, de sus propia formación, de sus trucos o de lo que la fotografía significa para genios como Elliott Erwitt es algo que hace unos años era impensable a no ser que National Geographic o programas de esta índole los entrevistaran. Aprender de los grandes maestros de la fotografía ahora es posible gracias a Magnum Inmotion. Eso sí, es imprescindible tener conocimientos de inglés, ya que no están doblados ni subtitulados.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Berenice Abbott. Las miradas cómplices.

2012.03.15

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

BERENICE ABBOTT RETRATO A EUGÈNE  ATGET un poco antes de su muerte. Este retrato, uno de los escasos que existen del gran maestro francés de la fotografía, nos presenta unos ojos inquietos, poderosos, un ser nacido para escrutar el mundo y retratar palmo a palmo las calles, las ventanas, los detalles arquitectónicos. Un coleccionista de espacios vacíos. Aquí el fotógrafo se expone literalmente, sin tapujos, ante la cámara y el ojo de una mujer que descubrió su obra desde la admiración y el respeto. Sólo una persona adicta a las vanguardias, a lo nuevo, supo ver en su obra (demasiado adelantada para su época) la profundidad y la inquietud de la que hace gala en su retrato.

Berenice Abbott es una americana de Ohio, una mujer de infancia difícil y solitaria que hará de la fotografía una forma de expresión basada en llegar al alma de los seres humanos y de su ciudad favorita: Nueva York. Estudiante de periodismo, después de acabar sus estudios aterriza en la célebre bohemia neoyorquina del Creenwich Village, en un momento en el que este celebre barrio reúne a todos los artistas e intelectuales de su tiempo. En estos años, se inclina por la escultura y conoce a Marcel Duchamp y a la célebre Djuna Barnes, así como al círculo dadaísta.

Después de la Primera Cuerra Mundial se encamina hacia Francia sin hablar su idioma y en busca de aventuras y retos. En esa época, París era foco de atención de toda una generación de los nuevos modos de narrar y de vivir.

Ver más información del artículo

Beatriz Sancho. New York 2001.

2012.02.28

FOTOGRAFÍAS DEL Nº 13 DE LA REVISTA EASY_50

FOTOGRAFÍAS DE BEATRIZ SANCHO: http://www.beasancho.com/

Ver más información del artículo