Mitologías de Manuel Vilariño.

2014.02.13

PARTE DE UN TEXTO DE LA PUBLICACIÓN REVISTART: http://www.revistart.com/
ESCRITO POR JORDI GARRIDO.

Mitología f. Dícese del conjunto de mitos de un pueblo o de una cultura, a través de los susodichos tratan de dar una explicación coherente al universo.

BAJO EL MISTERIOSO título “Mitologías”, Manuel Vilariño, nacido en La Coruña en 1952, Premio Nacional de Fotografía y poeta, presenta en el Museo de Arte Contemporáneo de su tierra natal la primera gran exposición antológica del fotógrafo en tierras gallegas en los últimos diez años.
En esta muestra podremos constatar, mediante el medio centenar de obras expuestas, la particular concepción del arte del propio Vilariño, adentrándonos en un mundo que se aleja de los cánones  habituales para cambiarlos por un único mandato válido: la estética. Una estética muy particular caracterizada por una estructura rizomática→ (modelo arbóreo o jerárquico tradicional de organización del conocimiento) de luto, drama, pulsiones freudianas (principalmente la de Tánatos→ personalización de la muerte) y una difícilmente perceptible esperanza de que algo suceda en ese taciturno entorno en el que deambula su arte.
Habitualmente se define a Manuel Vilariño como un maestro de la ‘still-life’, la naturaleza muerta. Sin embargo, a lo largo de su carrera ha mostrado su particular punto de vista a través de la mira de su cámara con respecto al retrato femenino, el paisaje, a los animales en su impactante serie “Bestias involuntarias”. En ésta, bajo la constante sombra de la muerte, relacionó animales con herramientas en una reflexión filosófica sobre el ser imaginario y la bestia entendidos como mitos abstractos, como una exploración de la naturaleza del objeto en sí, en una divagación que bien nos puede remitir al pensamiento de Heidegger en su “Origen de al Obra de Arte”. Paraíso Fragmentando.
No obstante, el talante lúgubre y tanático que la obra de Vilariño adquiere encuentra una explicación en el título de esta muestra antológica: ‘Mitologías’. En absoluto pretende trazar una mitología víctima de la añoranza grecorromana, así Ver más información del artículo

Luigi Ghirri. La simplicidad con el color.

2013.10.31

Autorretrato.

Luigi Ghirri es un fotógrafo que nació en Scandiano en 1943 y falleció en Regio Emilia en 1992. El comenzó a tomar fotografías de su entorno en la década de 1970.  A sus veinte años se trasladó a la ciudad de Módena, donde realizó sus primeras exposiciones y desarrolló una gran pasión por este medio. Por aquel entonces era un fotógrafo desconocido y no importaba cual era su trabajo, e iba a luchar para que sus imágenes fueran vistas y oídas en su contexto cultural más amplio. Produjo imágenes en color con los pioneros del paisaje y la arquitectura en el entorno del arte conceptual de la época. Luigi buscó paisajes naturales con signos humanos y artificiales como pueden ser carteles y pancartas.
Fotografía de Luigi Ghirri “Marina di Ravenna” en 1986.
Sus paisajes no son realistas en cierto sentido metafísico porque a menudo están carentes de figuras humanas, pero nunca sin Ver más información del artículo

Chema Madoz. Ars combinatoria.

2013.08.14

PARTE DE UN TEXTO DE LA PUBLICACIÓN REVISTART: http://www.revistart.com/
ESCRTO POR FERRAN ROIG.

La sensibilidad por el arte del lector se presupone, la reflexión y el cúmulo de significados posibles que capturan a una libertad capaz de ser presa bajo llave, quizás no. Tampoco se le exige.

Un taller donde trabajar, como una tienda de juguetes, que viste estanterías y rincones de objetos con múltiples utilidades y tan solo una finalidad: la fantasía construida foto a fofo. Una suerte de múltiples realidades encontradas y buscadas en la común, plasmadas con la silueta elegante del blanco y negro. “Imágenes icónicas de gran fuerza y sugerencia” que tratan de no perder la ironía, sin dejar que esta sea fin sino parte.
Cuando la humildad de quién, a través de metáforas, se aproxima a la realidad con “pocos aciertos y muchos errores”, en ocasiones uno se descubre esperando el movimiento siguiente que el cuadro podría realizar si la fantasía se tornarse realidad. Quieres ver asomar aquello que haría de la metáfora pictórica un gesto curioso y divertido, que seguiría alimentando el mundo posible que tienes delante y que te ha absorbido sin avisar.
 Sin título, 1998 © Chema Madoz.
La naturaleza muerta se torna vida en tan solo una imagen y la fusión de conceptos te lleva por la moqueta de la sala. Entonces, una soga perlada es capaz de desprender el glamour de grandes citas, las que se acompañan con champan francés o las que son consecuencia de la falta de tacto. La falsa libertad que pronostican, que prometen ambas Ver más información del artículo

La fotógrafa Nan Goldin.

2013.07.21

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA VANIDAD: http://www.vanidad.es/

ESCRITO POR MARIO CANAL.

El tiempo pasa y como dice ella misma, “mi amistad es más tierna y cariñosa, menos conflictiva. La vida que llevo es más calmada porque yo me he calmado. Quizá por esto hay más esperanza en las fotos y una nueva luz”. Una iluminación más natural que huye de los espacios cerrados, donde se refugiaba con sus amigos —la amistad como motor indiscutible de su trabajo, que no es otra cosa que su vida—, en su primera época como fotógrafa, y de la que salió rompiendo el cristal que la alejaba de la naturaleza: rehabilitándose y disfrutando de los paisajes europeos. Pero en la entrevista que nos facilita Scalo —ella hace tiempo que se niega a explicar nada—, dice más cosas, por ejemplo qué es una artista para ella: “Yo  me convertí en artista a principios de los 70, no durante el boom de los 80. Por ello creo que una artista no debe preocuparse por el dinero, el dinero no tiene nada que ver con el arte. En EE UU hay más gente yendo a la escuela de arte que a la de negocios porque creen que van hacer dinero. Cuando yo llegué a la escuela de arte estábamos avisados de que deberíamos tomar todo tipos de trabajos a lo largo de nuestra vida para poder salir adelante. Mis fotos se han exhibidos desde 1973, cuando yo tenía 19, pero sólo desde 1992, empecé a ganar dinero con ellas. Nunca trabajé para el mercado”. Muy interesante es lo que la fotógrafa norteamericana comenta respecto a su valor: “Mi trabajo es subjetivo. Yo continué mi propio camino. Durante mi primera estancia en Japón, donde colaboré en una exposición con Nobuyoshi Araki, me llamaron misionera de la moral porque intentaba romper los tabúes que rodeaban el SIDA y la homosexualidad y porque intentaba que los jóvenes artistas contactaran entre sí. Con mis fotos… ¿Quiero salvar al mundo? Sé que esto suena prepotente, pero intento trabajar con una conciencia ética. Realmente creo que el arte puede disolver los límites entre los individuos. Quizá ser un artista es como ser un sacerdote. El arte es algo sagrado, debemos liberarnos a él totalmente”.

 

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Tony Catany.

2013.04.13

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: Tony Catany, de la editorial Lunwerg de la colección Lunwerg Photo.

Las palabras de Gabino Diego y Alain D’Hooghe (comisario y galerista) acompañan las fotografías.

La colección Lunwerg Photo, dedicada a los grandes nombres de la fotografía española, se amplía con libros dedicados a Tony Catany y Ricky Dávila. Los dos nuevos títulos se unen a los cuatro fotógrafos que inauguraron la colección: Ramón Masats, Isabel Muñoz, Schommer y Ouka Leele. Uno de los atractivos de esta colección es el trabajo conjunto con otros personajes del mundo de la cultura. Así, el libro “Tony Catany” está acompañado por las palabras de Gabino Diego y Alian D’Hooghe. El primero presenta a Catany de esta manera: “Es sinónimo de exquisitez (…) la primera vez que fui a su casa… fue como entrar en un decorado de cine, donde lo fuera no tiene nada que ver con lo de dentro; como viajar a otra época… “Alian D’Hooghe explica: “Si no fuera fotógrafo, Catany sería pintor o escultor, bailarín de tango o pianista, poeta, cineasta o cocinero. En cualquier caso, artista, fuera cual fuere la disciplina. Pero él eligió expresamente a través de la fotografía, a menos que haya sido la fotografía quien que haya sido la fotografía quien lo haya elegido a él”.
Catany es un fotógrafo mallorquín de vocación pictórica, espíritu viajero e infinita curiosidad. En 1991 fue nombrado Caballero de la Orden de las Letras y las Artes de Francia y en 2001 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía de Ministerio de Cultura. Esta colección propone una nueva mirada al trabajo de los fotógrafos para construir un camino de múltiples diálogos entre las imágenes y el texto, que contribuirán al diálogo y al debate fotográfico.

 

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Pierre Molinier. La línea de sombra.

2013.03.22
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
Todos nosotros poseemos un lado oscuro, un lado desconocido incluso para nosotros mismos. Somos, como decía Nicholas Ray, unos extraños, unos extranjeros para nosotros. Pierre Molinier fue un hombre marginal, un fronterizo, un hombre que gustaba de caminar por su línea de sombras. Autodidacta, Molinier practica desde muy joven la pintura y el dibujo. Nacido en la cíudad de Agen en 1900, se instala en Burdeos con apenas diecinueve años. Sus primeras obras son paisajes y autorretratos. Su encuentro con el pope (maestro) del surrealismo André Breton sirve para introducirle en círculos artísticos que le permiten nuevas aventuras y cultivar su reputación marginal y extraña que él se encarga de exagerar.
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Erotómano, fetichista, coleccionista de zapatos femeninos y maniquíes de moda que le sirven para cultivar su fascinación por las piernas femeninas, es un personaje que permanentemente evoca sus propios fantasmas, que sabe van más allá de las simples fantasías.
Molinier es un avanzado del arte fotográfico de nuestra época; es un travestí al que no le importa compartir sus pulsiones más íntimas. Se autorrepresenta con sus dobles atributos sexuales tanto masculinos como femeninos. El fotomontaje le permite trabajar con varios clichés para dar forma a sus más variados deseos. Sus múltiples caras, sus múltiples sexos, son igual a sus múltiples pensamientos. Ver más información del artículo

David Jiménez. Reinventando la realidad.

2013.03.10

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

WEB: http://www.muycerca.net/

Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas.

El sevillano (Alcalá de Guadaira, 1970) David Jiménez es un fotógrafo proveniente de la licenciatura de Bellas Artes y eso se nota. Se nota en sus composiciones, sus imágenes, y sobre todo en su web. Todo dotado de un toque muy personal.
Se forma en fotografía asistiendo a diversos talleres  y sobre todo trabajando en proyectos personales que desarrolla hace 20 años.
Sus trabajos en forma de libros, exposiciones y proyecciones audiovisuales, se han podido ver en diversos ligares de España y el extranjero, como Madrid, Sevilla, Tenerife, Rotterdam, Varsovia, Arles, Turín, Atenas y Bogotá.
Destaca en su trayectoria el premio Fotográfico Revelación en PhotoEspaña 99, el premio Notodofotofest 2005 y el Kaulak Villa de Madrid 2008, y la publicación de cuatro libros: infinito y estos y otros lugares en 2000, Sevilla Santa Semana en 2003 y la monografía antológica en la colección Photobolsillo en 2009.
su obra se puede encontrar en numerosas colecciones públicas y privadas españolas. Ha impartido talleres de fotografía y conferencias en diversos lugares dentro y fuera de nuestro país. Este autor entiende la fotografía como un medio que reinventa la realidad, capaz de crear mundos habitables por nuestro inconsciente, y con él construye una sutil poesía visual.
Para David Jiménez, la web ofrece muchas posibilidades, no sólo por la difusión de sus imágenes sino también por el formato.

 

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La Campaña. Colectivo Fotográfico Limbo.

2013.02.28

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MIRA FOTOGRÁFICA:
https://www.facebook.com/RevistaMiraFotografica

Alex Hernandez, Matías Alhue Osorno

Un discurso no sólo se puede dar con palabras, la imagen es un idioma universal, no necesita explicción más que su contextualización.

La serie fotográfica “La campaña” nace como un impulso de transmitir lo que habitualmente oímos y circula detrás de las caras visibles de las campañas políticas, pero que la desinformación nos hace olvidar. En este proyecto no nos importa criticar una tendencia o un color político en particular, sino, exponer cómo muchos de los políticos que hoy sonríen en los afiches (carteles) propagandísticos tienen algo escondido entre manos. Las imágenes fotográficas que se presentaron instaladas en el espacio público, en varios puntos de la ciudad de Osorno; con el fin de generar una alternancia visual dentro del caos panfletario que invadió las ciudades de Chile durante el tiempo de las elecciones municipales y persuadir al votante acerca del doble estándar de la propaganda política.

El imaginario “LIMBO fotografía” busca escudriñar bajo las capas de las superficies, de lo obvio, haciéndolas evidente en lo cotidiano.

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La fotografía conceptual

2013.02.17

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA OBJECTIU Nº71: http://www.afsarthou.net/

ESCRITO POR PEPE SÁNCHEZ

El arte conceptual, del que la fotografía es una rama y no la más importante, apareció y se desarrolló entre décadas 1960 y 1970 como rechazo al elitismo, el mercantilismo consumista del arte, las galerías y el aspecto estético de las obras tradicionales. Los artistas conceptuales se implicaban más en un contexto más amplio de preocupaciones sociales, ecológicas e intelectuales influenciados, en mi opinión, por los planteamientos de la filosofía beat que dio lugar al movimiento hippy en la segunda mitad de la década de los 60 y que exigía mayor libertad en los planteamientos y mayor implicación de las personas en todos los ámbitos de la convivencia y la creación. Aquel amplio texto dio lugar a líneas de trabajo muy diferentes: body-art, land-art, arte póvero (arte pobre), happenings, etc., manifestaciones artísticas que se integran todas ellas en el arte conceptual.

Barbara y Michael Leisgen. La descripción de las nubes, 1973.

En el arte conceptual la idea, el concepto prima sobre la realización material de la obra. Esa obra suele ser en muchas ocasiones estéticamente muy deficiente y sólo se produce para enfatizar otro de los postulados del arte conceptual: es arte lo que el artista dice que es arte y no otra cosa. Además aquella idea o concepto puede ir acompañado a la obra a través de escritos que se exponen juntos y hacen que el espectador se implique en el Ver más información del artículo

Google Book.

2013.02.16

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN TENMAG: http://www.tendenciasfashionmag.com/

TÍTULO DEL LIBRO: Vol. 1 Google Book. AUTORES: Felix Heyes y Ben West.

Si los embajadores del movimiento fluxus levantaran la cabeza rendirían un homenaje sincero a este genial disparate, tan necesario como las teclas que cada día te llevan a tu destino soñado. Ni Nan June Paik ni Joseph Beuys Hubieran podido imaginar una desmercalización del arte tan bien ejecutada, y puesta ahí al servicio de todos, a la distancia de un clik. La última hazaña creativa y corriente alternativa al gran discurso del arte bebe  de una aplicación del gigante GOOGLE. Lo que el fotógrafo Michael Wolf consiguió con una muy controvertida mención especial del WORLD PRESS PHOTO AWARD 2011 ha crecido e interesado a editores, diseñadores gráficos y artistas de diferentes países. Lo que el mismo Wolf denominó como Unfortunate Events — “altercados y accidentes, meadas y vómitos, peleas y víctimas mortales” como objeto aleatorio de la fotografía contemporánea— es la misma realidad expresándose en los cinco continentes y en diferentes usos horarios ahora con ojos que todo lo ven, el Dios tecnológico a los nueve ojos de Street View. La joven editorial francesa JEAN BOÎTE ÉDITIONS ha salido al paso para decir “esta boca es mía” lanzando al mercado The Nine Eyes of Google Street View, título del artista canadiense Jon Rafman donde se han volcado imágenes tomadas por la herramienta tecnológica que transita magia del momento y el objeto artístico menos buscado, o como el propio fotógrafo argumenta “fotografías que nadie tomó y memorias que nadie tiene”. Este no-lugar retratado ahora por satélites con manos humanas aviva la llama de un tema muy recurrido y recurrente históricamente por el arte, y lo multiplica. El voyeur o amante de la escoptofilia, aquello que Hitchcock retrató en La ventana indiscreta, la estética Blow up o la caníbal Peeping Tom de Michael Powell tienen nuevo compañero de piso. Por su parte un par de diseñadores gráficos ingleses han encontrado en el vertido indiscriminado de GOOGLE una brecha que transitar también en el mundo editorial. El Vol. 1 Google Book realizado por Felix Heyes y Ben West celebra el común denominador de la humanidad de hoy en un libro de 1.240 páginas y un solo ejemplar de momento que “es realmente una recopilación sin filtro y por fuera de la crítica del estado de la cultura humana en el 2012. Estimaría que más o menos la mitad del libro contiene fotos médicas repugnantes, porno, racismo o chistes malos”, explica Heyes, como embudo de las 21.000 palabras más buscadas en GOOGLE. Un retrato de lo que tecleamos vertido en Tumblr en papel. ¿Te gusta lo que ves de ti mismo?

 

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