Zoran Lucic. ‘SUCKER FOR SOCCER’.

2013.03.28

DE  FÚTBOL Y VINTAGE.
EL ILUSTRADOR BOSNIO, ZORAN LUCIC, COMPARTE CON LOS LECTORES DE LA REVISTA GQ SU ESPECTACULAR PROYECTO ‘SUCKER FOR SOCCER’. UNA SERIE DE POSTERS ESTILO ‘VINTAGE’ EN LOS QUE SE HOMENAJEA A LOS GRANDES MITOS DEL DEPORTE MÁS POPULAR DEL PLANETA. GOLES, HÉROES Y NOSTALGIA.

EL AUTOR
Se llama Zoran Lucic, es diseñador gráfico y reside en Bosnia, donde trabaja como freelance. De pequeño quería ser escultor, pero encontró su vocación dibujando camisetas para sus amigos. Su proyecto más reciente es este Sucker for soccers, un homenaje a los grandes mitos del balompié. “Nunca he entendido por qué deporte y diseño no puede ir de la mano”, cuenta el propio Lucic. “Quería colgar algún póster chulo sobre fútbol en mi habitación, pero no encontraba ninguno; así que decidí hacer una serie completa yo mismo. Como aficionado, me gusta mucho este deporte, pero también me interesa su estética y su dimensión como fenómeno pop. Creo que artísticamente, está desaprovechado. Rock y diseño, por ejemplo, sí que saben caminar juntos. ¿Porque no podemos hacer lo mismo con el fútbol? Sus héroes pueden resultar muy inspiradores”. Para terminar, le preguntamos pos su jugador preferido de todos los tiempos. “Sin duda, Zinedine Zidane“, afirma. “Era pura elegancia; su forma de entender el juego hizo que este deporte encontrara una nueva dimensión… Por ciento, enhorabuena por el gran avance que ha experimentando el fútbol español en los últimos tiempos. Me encanta vuestro juego de toque… Ahora que lo pienso, debería hacer algún póster de Xavi e Iniesta“.

Ver más información del artículo

Y tú, ¿Qué quieres ser?

2012.12.14

TÍTULO: Y tú, ¿Que quieres ser?, de la editorial Océano Ambar en castellano.

La periodista valenciana Irene Claver es la cordinadora de redacción de revistas como Woman e Integral y ahora nos presenta ahora el libro; “Y tú, ¿Que quieres ser?.

Si tu ilusión es ser estilista, fotógrafo, modelo… encuentra la respuesta en esta guía de Irene Claver dirigida a los profesionales creativos. ¿Lo mejor? Las ilustraciones de Berto Martínez y las opiniones de las profesionales más reconocidas.
En este libro encontrarás consejos, datos y secretos que necesitas para prepararte en los distintos campos de la moda, arte, escritura, música… La Escritora Irene Claver entrevista a diferentes profesionales de cada segmento, como la escritora Care Santos, la modelo Vanessa Lorenzo, actriz Natalia Verbeke y muchas más que aportan su grano de arena en esta montaña de oportunidades.
Cada capítulo esta dedicado a una profesión, lleva su introducción y se desglosa por partes lo que interesa. Hay un capítulo en la página 172, que lo dedica a la fotografía y habla con las fotógrafas Alicia Aguilera y Leila Méndez, analizando lo analógico versus digital. ¡Léelo y haz tus sueños realidad!

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Takashi Murakami.

2012.07.27

TEXTO DE REVISTA VIEW OF THE TIMES: http://www.viewofthetimes.com/

FOTOGRAFÍAS DE ANTONIO MACARRO: http://www.antoniomacarrostudio.com

TAKASHI MURAKAMI: http://www.takashimurakami.com/

ESCRITO POR JOSÉ GANGA.

 Este artículo no está completo porque está escrito en el 2009, cuando Murakami hizo una exposición en el museo Guggenheim de Bilbao. Hablar de una exposición ya pasada no tenía mucho sentido.

Takashi Murakami es uno de los artistas que más vende en la actualidad. Su nombre está asociado a marcas de lujo, como Louis Vuitton. Y con la genialidad. Pinta, esculpe y genera merchandising a partes iguales.

Casi se podría componer un texto sin cruzar media palabra con el artista. Únicamente con las informaciones y comentarios aparecidos en todos los medios habidos y por haber.

La afluencia de prensa ante la presencia de Mr. Murakami es considerable y nos ha asignado turnos. Cada medio cuenta con unos escritos veinte minutos para charlar con el gran Takashi. Llegado nuestro momento, en la sala presidida por una mesa de madera de unos tres metros por tres metros cuadrados, debaten en japonés y entre risas Murakami, la asistente del artista, Marika, y la traductora. Marika, su asistente personal, es una estilosa japonesa con lentillas azules y pelo azabache que le coloca bien la camisa antes de las fotos. Por su parte, Murakami habla con los ojos cerrados (ojos que se encuentran bajo unas gafas redondas y doradas) y bebe té compulsivamente. Marika sonríe y asiente tras cada comentario y se afana por dejar constancia con su cámara digital de todos detalles del encuentro con la prensa. Parece que está ablando de restaurantes o eso es lo que asegura Marika cuando se le pregunta.

¿Que decir de Murakami que no se haya dicho ya? ¿Como arrojar más luz sobre uno de los artistas más mediáticos de la actualidad? ¿Del mundialmente conocido como el “Andy Warhol japonés”? ¿Del colaborador de Luis Vuitton, y juez y parte de lo que el todopoderoso crítico de arte Fermando Castro Flórez se ha afanado en denominar (no sin razón) como “la Santísima Trinidad de la era de la Demolición post-traumática”, que completan, además del japonés, Jeff Koons y Damian Hirst?

Ver más información del artículo

Las ilustraciones de Takashi Murakami.

2012.04.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA  50_EASY, Nº13: http://www.welovecolophon.com

TEXTO DE ITZIAR BADÍA.

Contemplar la obra de Takasshi Murakami lleva acompañada una sonrisa de forma inevitable, una sensación de placer naif que logra despertar al niño adormecido que flota en nuestro interior. Gozamos al ver como se despereza y se frota los ojos incrédulo ante semejante despliegue mágico de formas y colores. Ganas de adentrarse en este nuevo universo inanimado, repleto de flores que cantan a nuestro paso y buscar refugio bajo una de las setas que danzan en espirar acompañando este festival de colores y figuras.

Takashi Murakami es uno de los principales representantes del denominado “nuevo arte japonés” que ha elevado el mundo de dibujos animados (maga en japonés), al rango de delicada perfección y material de culto. La belleza de sus dibujos es el resultado de una formidable integración de pintura tradicional japonesa (figuras y colores planos) con los códigos y posibilidades de animación que introdujo la tecnología digital. Es esta personal sublimación y renovación de la herencia artística lo que define la obra Murakami.

Su nombre está directamente ligado al término otaku, bajo el cual se identifican en versión nipona todos los genuinos freaks de la animación y videojuegos de estética japonesa. Como criatura y alter ego de Murakami es imprescindible conocer a Mr. Bob, un personaje entre cándido y monstruoso, según el gesto que se le antoje. Hay motivos que se repiten una y otra vez en la obra tanto pictórica como escultórica de Mirkami: setas, ojos, globos, y ante todo flores. ¿De dónde proviene esta debilidad floral del artista japonés? Según sus propias palabras “Las flores son preciosas, y a la vez tiene un fuerte componente sexual. Tienen el mismo poder de sección que el rostro humano. Es más, he considerado más de una vez crear un personaje que combine en su rostro rasgos humanos y florales”. Sencillamente habrá que esperarlo. Y es probable que salga de su Hiropon Factory, una escuela de arte creada por el propio Murakami con sede en Tokio y Brooklin, inspirada directamente en el mítico Studio 54 de sello Warhol. La Hiropon Factory es a su vez el centro comercial desde el que se distribuyen todo tipo de productos y fetiches aptos para auténticos otaku.

TEXTO DE ADAN DE HAVENON

El arte de Takashi Murakami es, sin duda lindo, pero a punto de desmayarse no confía en su primer instinto. Hay mucho más en su rica imaginería visual de lo que parece. Afortunadamente, su popularidad ha crecido como en los últimos años que los museos han empezado a montar exposiciones. El trabajo de Murakami se basa en la animación japonesa estilo cómico en un “Libro de Otaku y Manga”, la molestia de los padres de todo el país del sol naciente. Lejos de ser una copia más, Murakami explora el legado de adultos de su adolescente intensa obsesión. Los lienzos con colores monocromáticos y figuras juguetonas son emblemas de la cultura pop, pero Murakami les lleva fuera de contexto y de una exageración lúdica, a veces incluso hasta el punto del ridículo. Warhol piensa leer cómics en Tokio.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Ana Juan. Snowhite ya tiene mamá.

2012.01.07

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA GLAMOUR: http://www.glamour.es/

ESCRITO POR ELENA MANDACEN.

FOTOGRAFÍAS DE LAURA M. LOMBARDÍA, D.R.

Este artículo es del mes de noviembre del 2011 y aunque habla de una exposición realizada en aquella fecha, no he querido pasar por alto el poder descubrir a esta fantástica ilustradora. Acabo de ver que está hasta el 15 de enero. http://www.museoabc.es/es/exposicion/93

La ilustradora que diseña portadas para The New Yorker expone a finales de mes en Madrid su adaptación libre del cuento de de Blancanieves, con personajes malvados y solitarios. ¡Que tiemblen los hermanos Grimm!

De izquierda a derecha, Madrastra, de Snowhite y La Caja Secreta de Snowhite.

Arriba, retrato de Snowhite con Julius. Abajo a la izquierda, un boceto del jardín y, a la derecha, la Madrastra enfurecida.

Su pasión por el dibujo se remonta a su niñez, a todos esos libros que leía y que la llevaron a se una de las mejores ilustradoras  que tenemos actualmente en España. Ana Juan, Premio nacional de Ilustración 2010, se caracteriza por tener un universo muy personal en el que dominan las historias sugerentes, transgresoras y abiertas a la fantasía. Algo que la ha hecho única.

Ver más información del artículo

Directamente desde la nostalgia. Erika Simmons.

2011.12.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN GQ: http://www.revistagq.com/
ESCRITO POR IAGO DAVILA.
WEB DE ERIKA SIMMONS: http://www.iri5.com/

De aquellas ‘Cassettes’…

… estos retratos. Y también los hace con cintas VHS. Erika Simmons inmortaliza a los mitos con las entrañas de los soportes de ayer.

Las esencias más refinadas se guardan en frascos pequeños. ¿Pero dónde se guarda la esencia de Jimi Hendrix? ¿Que envase puede contener la grandeza de Alfred Hichcock? Erika Simmons lo sabe. Esta artista norteamericana residente en Princeton lleva unos cuantos años recuperando del interior de casettes, cintas de VHS o rrollos de película la figura de algunos de los nombres más influyentes de la cultura de nuestro tiempo. Los mencionados Hitchcock y Hendrix, Lennon, Dylan, Debbie Harry… todos han vuelto a la vida o han quedado inmortalizados en forma de retrato gracias a su maña.

Conocida en el circuito artístico como Iris5, Simmons comenzó hace unos años la serie Ghost in the Machine en su afán por crear metáforas visuales. “Acababa de terminar los estudios y no tenía dinero para materiales, así que pensé utilizar objetos reciclados”, recuerda.

Esta obra recrea la mítica portada del álbum LondonCalling de The Clash, en la que Paul Simmonon destroza una guitarra contra el suelo.

En este sentido, aparte de los soportes audiovisuales, experimenta con otros materiales como pelotas de béisbol, reproducciones de cuadros famosos o partituras musicales (impresionante su busto de Mozart elaborado a partir del libreto de las Danzas Alemanas para piano). La primera creación de la serie fue Jimi Hendrix que acompaña estas líneas: “Su pelo me recordaba a la textura de la cinta de las casettes y me atraía la idea de que su fantasma surgiese como el eco de una era psicodélica. Intenté hacer algo que creo que habría sido de su agrado”, nos cuenta la artista.

Entre los espectros que rescata de los materiales de desecho abundan los rockeros, aunque matiza  que  sus gustos musicales son diversos: “Aparte del rock escucho electro, clásica, industrial… De los personajes a los que he retratado a quien más admiro es a Trent Reznor [de Nine Inch Nails]”. Ver más información del artículo

Greg Simkins y los animales.

2011.08.09

GREG SIMKINS: http://www.imscared.com/

Greg es un ilustrador que nació en el estado de California en el sur de Los Ángeles en 1975. Creció con una colección de animales donde había un gran número de conejos. Estos aparecen en muchos de sus cuadros.

Greg Simkins comenzó a dibujar a los tres años y su inspiración venía de los dibujos animados y de ciertos libros. Estos eran Watership Down de Richard Adams, Las Crónicas de Narnia de C.S. Lewis y The Phantom Tollbooth  por Norton Juster. El arte de Simkins continuó avanzando a la edad de 18 años, cuando comenzó hacer gaffitis con el seudónimo de “Craola“. El graffiti se convirtió en un impulso creativo y le dio la confianza necesaria para pintar obras de gran tamaño. Además le enseñó la perspectiva, la teoría del color y desarrolló habilidades artísticas, que más tarde se traduce en su trabajo con el acrílico. Después de recibir su Licenciatura de Arte en la Universidad Estatal de California de Long Beach en 1999, trabajó como ilustrador para empresas de vestir. Más tarde se dedicó al mundo de los videojuegos. En 2005, Simking realizó su deseo de pintar a tiempo completo. Desde entonces a presentado numerosas exposiciones colectivas e individuales con gran éxito. Sus dibujos aparecen actualmente en zapatillas Converse y Vans, como en juguetes para Mattel y Disney. En sus ilustraciones aparece la cultura pop, los viejos maestros, la naturaleza, el carnaval kitsch y su imaginación retorcida. Creg es un pintor surrealista muy buscado que aparece en galerías por todo el mundo.

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Catalina estrada. Modernismo Pop.

2011.07.05

PUBLICACIÓN WENDY & RITA

CATALINA ESTRADA:http://www.katika.net/

BIENVENIDOS A UN DISEÑO DONDE LA NATURALEZA Y EL AMOR SE UNEN PARA SUMERGIDOS EN FANTASÍAS SURREALISTAS, FORMAS ORGÁNICAS Y PERSONAS CON TINTES MANGA. EVASIÓN Y COLOR PARA DAR ENTRADA A UNA SERIE DE ILUSTRACIONES QUE PREFIEREN VER EL LADO AMABLE DE LA VIDA Y, NO POR ELLO, MENOS REAL.

En un planeta automatizado que agota sus recursos y languidece hacia un final no tan lejano, reivindicar el amor hacia el ser humano y, en especial, a la naturaleza es nadar a contra corriente. la globalización impone modas y modos pero ignora que otros estilos de vida son exportables y, a la larga, inteligentes. Disfrutar de lo que nos rodea: un viaje, un paseo, el cariño de tu pareja, un ser vivo… son la fuente de

Piezas personales seleccionadas para la Feria Internacional de Arte Contemporáneo SWAB, Barcelona.

La ilustración de la derecha es personal.

Ilustración para botella de edición limitada y el poster de la derecha para campaña de Pascua. Cliente: COCA-COLA, Australia.

inspiración de esta artista colombiana, afincada en Barcelona. Su trayectoria la ha llevado a publicar desde Japón a Australia, abanderando una serie de creaciones que recuperan las ideas que aglutinaron a una cantera de artistas. A principios del siglo XX, un grupo de creadores profetizaron que mecanizar la sociedad era desposeerla de su verdadera alma: El Art Nouveau, El Modernismo, El Movimiento Arts & Crafts… incidieron en la importancia de convivir con los elementos e integrar, en una sociedad  capitalista, la naturaleza como principal preocupación. Con estas bazas ha conseguido esta ilustradora fascinar a publicaciones como Competer Arts en Inglaterra, Casa Viva en España y 1001 Nights en Alemania.

Sus influencias recuperan la tradición popular de su Colombia natal, la fuerza de Frida Khalo y la plasticidad de la heroínas manga de principios de los ochenta. Observar es su principal herramienta: las diferentes culturas en una gran urbe, los contrastes de un país, la música, la cultura y, en especial, el color, su fuente constante de inspiración. Wendy & Rita te presentan algunas de sus obras para que el optimismo te invada esta primavera.

Ver más información del artículo

Wendy & Rita. When Wendy meets Juliet.

2011.05.21

Me ha aparecido por mi apartamento una publicación de 2007 llamada Wendy & Rita. Ya no se publica, pero recuerdo que la encontré de forma gratuita en la escuela donde estudiaba un master de fotografía de moda y retrato. Era otra más de tendencias, mucha moda, mucha publicidad, con un aire excesivamente moderno-alternativo y muchos tópicos al respecto. Pero tenía en su interior unos comics redibujados con muchos detalles a partir de fotografías, que eran muy atractivos visualmente. Se notaba que había mucho trabajo detrás porque después de hacer una sesión de fotos había que darle esta estética pop que podéis ver aquí. En ellos las protagonistas eran Wendy & Rita.

Guión: Agustín Fort. Dirección de Arte y Fotografía: Christophe Decoster.

Dibujo: Sayi Solana, Christophe Decoster, Raúl Morales, María Lafau. Fondos 3D: Alex Vicente.

Estilismos: Naiara Gorordo. Belleza: Dani Moon, para Helena Rubinstein y L´Oréal Tecni-Art.

Starring: Wendy & Rita. Co-Starring: Ana Gonzalo, Toñi Moya y Mireia Hernández.

Ver más información del artículo

Santiago Ydáñez.

2011.04.22

Lo siento por Gloria Borrego pero no estoy de acuerdo con la frase que he subrayado en rosa, pero eso es un debate muy extenso. Artículo relacionado con esto que digo.

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN D-LATEX: http://www.d-latex.com/

ESCRITO POR GLORIA BORREGO.

SANTIAGO IDÁÑEZ: http://www.santiagoydanez.com/

Desde que el arte es reconocido como arte, desde los albores de la civilización humana, el hombre ha tratado de transmitir un mensaje. Pudieron pasar miles de años desde la aparición de las primeras manifestaciones artísticas: pinturas rupestres. Pudieron además ver transformarse a lo largo de los siglos la temática pictórica en función de cada época. De la misma manera fueron depurándose las técnicas paralelo al desarrollo de la tecnología. Pero por encima de toda la evolución que sufriera el arte en cuanto a sus aplicaciones, el trasfondo del mismo permanece inmutable. La pintura, el más preciado y el más logrado vehículo de expresión. Si bien la técnica fotográfica implica un fiel reflejo de la realidad, y la palabra un elemento básico para el cine sonoro, la pintura es representación, imagen, lenguaje y emoción por sí misma. Santiago Ydáñez, ejecuta su pintura partiendo por los principios constructivos de la fotografía. Este procedimiento le permite profundizar en el carácter informativo trasladado a su retrato.

Su obra recuerda la tendencia Neopop iniciada en la década de los setenta por autores como Gerard Richter, David Salle o Bruce Nauman. En idénticas líneas temáticas su obra refleja una variedad de conceptos que abarca desde “el rostro” hasta “la virilidad” o “la represión”. Subyace en su pintura un lenguaje descriptivo y narrativo marcado por el trazo de las curvas combinado con una gama de grises y tonos oscuros hasta alcanzar el negro. El autor toma como referencia la propia realidad para entablar un diálogo consigo mismo y con el propio público. Invita a la autoreflexión y nos hace partícipes de sus inquietudes. Nos sentimos cómplices de su angustia y nos contagia su patetismo excesivo. Tan excesivo como su propio arte, repleto de efectos barrocos de los que emanan sus conflictos vitales. Santiago Ydánez es un artista innovador que pone su pintura al servicio de su propia burla, haciendo que  su autorretrato se convierta en objeto de ridiculización, motivo de carcajada para él mismo y para sus espectadores. Se trata de una pugna contra su propia existencia. Una mirada hacia su interior que brota en forma de autorretrato y es reflejo del medio, del dolor, la soledad y ala patología. Es una advertencia sobre la fragilidad del ser humano. Tal vez podamos resumir la obra de Santiago Ydánez con una frase del célebre James Joyce: No es preciso hablar sobre algo, sino hablar algo.

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!