Mitologías de Manuel Vilariño.

2014.02.13

PARTE DE UN TEXTO DE LA PUBLICACIÓN REVISTART: http://www.revistart.com/
ESCRITO POR JORDI GARRIDO.

Mitología f. Dícese del conjunto de mitos de un pueblo o de una cultura, a través de los susodichos tratan de dar una explicación coherente al universo.

BAJO EL MISTERIOSO título “Mitologías”, Manuel Vilariño, nacido en La Coruña en 1952, Premio Nacional de Fotografía y poeta, presenta en el Museo de Arte Contemporáneo de su tierra natal la primera gran exposición antológica del fotógrafo en tierras gallegas en los últimos diez años.
En esta muestra podremos constatar, mediante el medio centenar de obras expuestas, la particular concepción del arte del propio Vilariño, adentrándonos en un mundo que se aleja de los cánones  habituales para cambiarlos por un único mandato válido: la estética. Una estética muy particular caracterizada por una estructura rizomática→ (modelo arbóreo o jerárquico tradicional de organización del conocimiento) de luto, drama, pulsiones freudianas (principalmente la de Tánatos→ personalización de la muerte) y una difícilmente perceptible esperanza de que algo suceda en ese taciturno entorno en el que deambula su arte.
Habitualmente se define a Manuel Vilariño como un maestro de la ‘still-life’, la naturaleza muerta. Sin embargo, a lo largo de su carrera ha mostrado su particular punto de vista a través de la mira de su cámara con respecto al retrato femenino, el paisaje, a los animales en su impactante serie “Bestias involuntarias”. En ésta, bajo la constante sombra de la muerte, relacionó animales con herramientas en una reflexión filosófica sobre el ser imaginario y la bestia entendidos como mitos abstractos, como una exploración de la naturaleza del objeto en sí, en una divagación que bien nos puede remitir al pensamiento de Heidegger en su “Origen de al Obra de Arte”. Paraíso Fragmentando.
No obstante, el talante lúgubre y tanático que la obra de Vilariño adquiere encuentra una explicación en el título de esta muestra antológica: ‘Mitologías’. En absoluto pretende trazar una mitología víctima de la añoranza grecorromana, así Ver más información del artículo

Chema Madoz. Ars combinatoria.

2013.08.14

PARTE DE UN TEXTO DE LA PUBLICACIÓN REVISTART: http://www.revistart.com/
ESCRTO POR FERRAN ROIG.

La sensibilidad por el arte del lector se presupone, la reflexión y el cúmulo de significados posibles que capturan a una libertad capaz de ser presa bajo llave, quizás no. Tampoco se le exige.

Un taller donde trabajar, como una tienda de juguetes, que viste estanterías y rincones de objetos con múltiples utilidades y tan solo una finalidad: la fantasía construida foto a fofo. Una suerte de múltiples realidades encontradas y buscadas en la común, plasmadas con la silueta elegante del blanco y negro. “Imágenes icónicas de gran fuerza y sugerencia” que tratan de no perder la ironía, sin dejar que esta sea fin sino parte.
Cuando la humildad de quién, a través de metáforas, se aproxima a la realidad con “pocos aciertos y muchos errores”, en ocasiones uno se descubre esperando el movimiento siguiente que el cuadro podría realizar si la fantasía se tornarse realidad. Quieres ver asomar aquello que haría de la metáfora pictórica un gesto curioso y divertido, que seguiría alimentando el mundo posible que tienes delante y que te ha absorbido sin avisar.
 Sin título, 1998 © Chema Madoz.
La naturaleza muerta se torna vida en tan solo una imagen y la fusión de conceptos te lleva por la moqueta de la sala. Entonces, una soga perlada es capaz de desprender el glamour de grandes citas, las que se acompañan con champan francés o las que son consecuencia de la falta de tacto. La falsa libertad que pronostican, que prometen ambas Ver más información del artículo

La soledad tiene rostro.

2013.05.05

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR ALBERTO MARTÍN.

Erwin Olaf es el Hitchcock de la fotografía. Misterioso, crítico, ambiguo. Sus interiores fríos esconden secretos inconfesables, atmósferas, como las del pintor Edward Hopper, sin aire.

↑ EN LA CONSULTA. ‘The practice’, de la serie ‘Hope’ (2006). La atmósfera opresiva de la escena remite directamente a las películas de Douglas Sirk.

La obra del fotógrafo holandés Erwin Olaf no suele dejar indiferente a casi nadie. Genera grandes adhesiones y también fuertes rechazos, estos últimos debidos sobre todo a su manera directa y explícita de abordar temas como el sexo, el deseo, la belleza y la violencia, una libertad y desinhibición que en su caso siempre han ido acompañadas de una incisiva crítica de la Ver más información del artículo

García-Alix. Desnudo radical.

2013.04.21

PARTE DE UN TEXTO DE LA PUBLICACIÓN REVISTART: http://www.revistart.com/
ESCRTO POR FERRAN ROIG.

Este este artículo es del mes de Abril de 2013, con motivo de la exposición que se está realizando desde el 7 de febrero de 2013 hasta el 5 de mayo de 2013 en La Virreina Centre de la Imatge en Barcelona.

Podría y quizás debería, empezar a juntar letras, mientras repaso, explico o enumero algunos de los hechos más destacados de la vida artística del autor que me ocupa. De alguna manera, esto situaría al lector. Aunque no haga falta. Formalismos.

EMPEZARÍA EXPLICANDO QUE Alberto García-Alix consiguió el Premio Nacional de Fotografía (1999) mientras lograba exponer su obra en más lugares de los que puedo relatar en dos páginas, sin dejar de lado el contenido en sí del artículo.
Mi lado femenino, 2002 ©Alberto García-Alix.
Mientras tanto, podría mencionar sus raíces en León (1956) y sus andaduras por el Madrid de la de la Movida: “yo estaba allí” y fotografié mi entorno y mis amigos”. Pasearía por sus affaires (asuntos ilícitos) con el abismo, tan políticamente destructivos como angustiosamente reales, desde el desconocimiento de un curioso.
Eso, esto, sería comenzar con la gentileza del profano. Con la mirada de quién, tras la visita al monográfico “García-Alix”. Autorretrato” expuesto en La Virreina Centre de la Imatge en Barcelona, ha quedado abrumado de sensaciones, viéndose forzado a tomar un café en el primer bar que le ha parecido amigo y escribir para tratar de no dejarlas escapar. El leonés se muestra ante la cámara de forma excepcional. Como excepción, y a su vez, con brillante normalidad, con su “desnudo radical” del que era, pero que ya no es.
Un joven García-Alix da la bienvenida con un aire más de guaperas de barrio que del rockero de mi imaginario. Ni bravucón ni descolgado. Apuesto y en su sitio, un seductor del objetivo.
No es “La primera vez” (1977) la obra que nos introduce en el mundo de las drogas. Un mundo donde, como primerizo, deja que unas manos jóvenes y femeninas inyecten el veneno de finales de los 70′. Es el “Autorretrato con Teresa” (1978) el que nos Ver más información del artículo

Actividad en el CDAN por Paula Juan.

2013.03.09

Autorretrato de Paula Juan Altemir.

Hola a todos, he realizado una proyección digital de mis fotografías, con una charla coloquio, en el CDAN (Centro de Arte y Naturaleza) de la ciudad de Huesca. Es la Fundación Beulas. Si, es un museo de arte contemporáneo, lo que da mucho prestigio. Pero en realidad es uno de tantos edificios inútiles que se construyeron en época de bonanza porque se le ocurrió al político de turno. Ha sido el día 8 de Marzo, justo con la celebración del día de la mujer trabajadora. Valla tontería de día porque trabajamos los 365. Pero debieron de pensar que trabajaba bastante, aunque no hace falta que me lo recuerden esa fecha. Estuve hablando durante dos horas sin parar, de como empecé, de lo que hago ahora y de proyectos futuros. Todo esto, sin ningún botellín de agua para refrescarme o para hacer una pausa. Tanto tiempo sólo lo aguanta al que le gusta la fotografía. Ya sé que son muchos minutos, pero hay que comprenderlo. Por suerte o por desgracia, menos una amiga que estudió la carrera de Bellas Artes, no tengo a mi alrededor a nadie QUE VEA DE DIARIO que le interese la fotografía, ni el mundo creativo de ninguna índole. Por eso fue como un desahogo, conté todas mis vivencias, experiencia y sentimientos. Ya sabéis que todo artista, que yo lo soy al ser una bohemia romántica con poca remuneración, es egocéntrico y narcisista. Siempre necesita la aprobación y la admiración de sus obras. Ver más información del artículo

El libro “Natura”.

2013.01.27

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: Natura, de la editorial Editions Altus en francés.

AUTOR: Colectivo Portfolio Natural.

Una magnífica recopilación de fotografías de naturaleza.

La editorial francesa Editions Altus tiene publicado un libro de gran calidad con 175 fotografías en color de los miembros del prestigioso colectivo fotográfico Portfolio Natural. Para los que no los conozcan, Portfolio Natural surge de un grupo de fotógrafos que apuestan por abrirse un hueco dentro del mercado de la fotografía artística fomentando el conocimiento de este tipo de imágenes en circuitos artísticos que promocionan la llamada “obra de autor”. Reconocidos autores de la talla de Isabel Diéz, Juan Carlos Muñoz, Alejandro Martínez, Miguel Puche o Iñaki Relanzón entre otros, recopilan en esta obra algunas de sus mejores imágenes de paisaje y animales, resultado de muchos años de trabajo, infinidad de viajes y originales proyectos, y que han situado a este grupo de fotógrafos entre los colectivos más valorados dentro del mundo de la fotografía de naturaleza.
Más allá de tratarse de otro libro de fotografía de naturaleza, “NATURA” es un libro de fotografías con una clara vocación artística, no en vano se hallan agrupadas según criterios creativos en los siguientes 13 capítulos: Luces, Pinturas, El agua, Salvaje, Creaciones, Texturas, Movimientos, Nieve y hielo, Geometrías, Vegetal, Abstracciones, Horizontes y Fenómenos. Un excelente libro de gran formato, que a pocos dejará indiferente tanto por el más alto nivel y originalidad de sus imágenes, como por su esmerado diseño y calidad de los materiales empleados en esta cuidada edición.

 

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David LaChapelle y el mito pop inmortal.

2012.12.03

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR CHRISTIAN GAUFFRE.

El rey del pop y la cámara más pop. Dos universos estéticos excesivos, únicos. La fusión de delirios estuvo a punto de consumarse en vida. Pero el mito murió. Y desde su granja de Hawaii, donde muta de fotógrafo de revista a artista de museo, LaChapelle se saca de la manga estos retratos post mórten,  realizados con modelos y recreación digital, del rey elevado a icono religioso. Obsesiones que impregnan su obra más reciente.

ARCÁNGEL MICHAEL. David LaChapelle convierte aquí a Michael Jackson en “un arcángel que reza por el diablo después de vencerlo y tirar su espada”.

Una eterna cita fallida… ¿o no? Durante años, el fotógrafo David LaChapelle (Connecticut, EE UU, 1963) persiguió a Miachael Jackson. Sesiones concertadas, aplazadas, anuladas… El encuentro parecía prohibido y maldito para siempre. Y entonces ocurrió. LaChapelle se saca de la manga unos misteriosos retratos de un Jackson elevado a icono religioso. El fotógrafo otorga así a este Jackson post mórten la categoría que solo él le podía dar, la de imortal. Finalmente, más allá de la vida y de la muerte, se consigue una cita con la eternidad. Ver más información del artículo

ROBERT MAPPLETHORPE. Con él llegó el escándalo.

2012.11.22
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
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Si hay algún fotógrafo que consiguió escandalizar a una manada de puritanos ése fue, sin duda, Robert Mapplethorpe. La censura de sus fotografías en una exposición celebrada en 1989 en Washington en la Corcoran Callery, titulada “The perfect Moment”, y que fue anulada, hizo más por su obra que su talento.
Nacido en Nueva York en el año 1946, sé formó en el célebre Pratt lnstitute de Brooklyn. Durante los sesenta comienza a publicar en “lnterview” (la revista editada por el “papa” del pop: Andy Warhol) una serie de retratos de personajes célebres de esa época en la que por las calles de Nueva York era posible ver al mismísimo pintor vender los números de su revista.
Involucrado en los ambientes musicales y artísticos de su ciudad, su vida es un compendio de enciclopedia de actitudes de esos medios. Asiduo de los ambientes gays del bajo Manhattan, son sus retratos homo-eróticos los que le llevan a ser conocido por el gran público.
Mapplethorpe en la época del sexo-duro, antes de la conmoción del Sida, frecuentará todos los templos del sadomasoquismo, las estrellas de los lugares más cutres, y de ellos retratará sus prácticas, sus símbolos, así como todas las figuras emblemáticas de esos lugares.
Lo que más molesta, sin duda, de ese trabajo es que retratando lo más caliente lo haga de una manera distanciada, muy localizada, sin ningún atisbo de emoción. Un hombre obsesionado con la belleza, un hombre obsesionado con el sexo. Posiblemente, un hombre obsesionado con la fama que encuentra por su calidad artística, con el éxito. Ver más información del artículo

La estética Man Ray.

2012.11.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR ALBERTO MARTÍN.

Fue un artista total. Pintó y creo con la cámara imágenes insólitas. Surrealista, vanguardista, revolucionó la moda, la publicidad y el retrato. Man Ray liberó a la fotografía de sus funciones documentales. La elevó a la categoría de arte.

“Yo creé a dadá cuando era niño y mi madre me zurraba. Yo podría proclamar que soy el autor de dáda en Nueva York”. Así se expresaba Man Ray (Filadelfia, 1890; París 1976) en un texto para el catálogo de la gran retrospectiva de dadá en Düsseldorf que aparece reproducido en su autobiografía, titulada Autorretrato. Y de hecho, en lo fundamental, y a pesar de su progresiva asimilación con el surrealismo, puede decirse que Man Ray mantuvo su espíritu dadaísta hasta el final de sus días. El carácter combativo y provocador del movimiento dadá se ajustó perfectamente a la personalidad inquieta, individualista y un tanto contradictoria de Man Ray. Quien llegaría a ser uno de los principales responsables de la toma en consideración de la fotografía como arte, publicó un famoso opúsculo (obra científica o literaria de poca extensión) con el rotundo título de La fotografía no es un arte. Preguntado años después si seguía manteniendo esa opinión, respondió que había revisado un poco su actitud, llegando a la conclusión de que “el arte no es fotografía”. Probablemente sea esa la actitud irónica y aparentemente distanciada, plagada de afirmaciones provocadoras, la que mejor defina no sólo su personalidad, sino también su trayectoria artística y la posición que ocupó en la vanguardia artística de la Europa de entreguerras.

 RETRATOS CON CÁMARA. Y retrato de la bailarina Ady Fidelin 81937), su musa.

SURREALISTA Y DADÁ. ‘Las Tres Gracias’ (1930). Fotografía de una aerografía de 1919 destruida por el propio Man Ray.

Su afán de experimentación y búsqueda había dado comienzo ya en Nueva York, sobre todo a raíz del descubrimiento de arte de vanguardia europeo en el Armory Show en 1913, y de su encuentro con Marcel Duchamp en 1915, con quien iniciaría una amistad y una colaboración que duraría el resto de sus vidas. En esa época inició una intensa militancia dadaísta y comenzó a aplicar nuevas técnicas en su trabajo, como sus pinturas aerógrafas, en las que colocaba objetos y plantillas sobre el lienzo que luego rociaba con pintura, o el método cliché-verré para hacer impresiones de dibujos hechos directamente sobre el negativo. Y sobre todo empezó a utilizar la cámara para fotografiar  objetos construidos, o descontextualizados y separados de su unción originaria gracias al pie de foto (como la famosa imagen de la batidora de huevos titulada Mujer); objetos que después surgió realizando a lo largo de casi toda una vida, y a los que llamó “objetos de mi afecto”. Toda esta evolución iniciada por Man Ray en Ver más información del artículo

Tracey Moffatt. La chica de moda.

2012.11.05
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
Este artículo está escrito en el año 1999 coincidiendo con una exposición que realizó la fotógrafa en aquella época. Pero creo que no es lo importante, ya que lo que nos ayuda este texto es a conocer a una autora muy interesante.

Hará cerca de dos años que descubrí la obra de Tracey Moffat en la DIA de Nueva York. Tengo que reconocer que, dedicándome a la fotografía, no conocía nada de esta cineasta y fotógrafa australiana: sus imágenes me fascinaron. Sus relatos estaban plenos de fuerza y cotidianidad. Su obra me pareció moderna y eficaz. Y me parece, viendo su obra por segunda vez en Barcelona, en la Fundación La Caixa, que cualquier cosa que se pueda decir es siempre más débil que la obra en sí.

Creo que existen fotografías en las obras que lo más importante es el silencio. Otras son, sin duda, muy locuaces. Las fotografías y vídeos de Moffatt hablan ahora mismo, y se dirigen a todos nosotros. Sin embargo, creo que somos las mujeres las que mejor podemos captar su sentido último. Su película “Lloros nocturnos (Una tragedia rural)” habla de algo que muchas de nosotras podemos entender. En un espacio perdido, en ningún lugar, una hija soltera cuida de su madre paralítica. Son dos mujeres que están condenadas a la inmovilidad: la madre confinada en su silla de ruedas, y la hija, confinada cuidando a su madre. Son dos seres opresivamente encadenados, una situación que lleva a pensar en algo que hemos visto antes. Tracey Moffat dice que le gusta Federico García Lorca y, efectivamente, ésta es una “Casa de Bernarda Alba” con colores de Almodóvar.

No es extraño que la propia Tracey Moffatt hable de su obra diciendo que pueden parecer estereotipos. Y es que siempre la ficción es más auténtica que la realidad. En diecisiete minutos, la película nos dice todo sobre una situación que nos lleva años poder contarla.

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