Erwin Olaf.

2011.07.24

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/

ESCRITO POR JUAN DARÍO GÓMEZ

Hay una parte del texto que he suprimido, donde se dan las fechas de una exposición que se realizó en la Galería Espacio Mínimo hace unos años.

DESDE COMIENZOS DE SU CARRERA, EL TRABAJO DE ERWIN OLAF, DESTACÓ EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO POR SU INUSUAL Y SOFISTICADA CONCEPCIÓN DE LA BELLEZA QUE NADA TIENE QUE VER CON EL EXPLOTADÍSIMO IDEAL AL QUE EL FASHION SYSTEM NOS TIENE ACOSTUMBRADO.

Fiel aliado del humor, del erotismo y de sus propios fantasmas, este holandés sabe bien como dar vida a su universo, y evocar en él, diferentes facetas del ser humano. A través de su obra Olaf explora la sociedad contemporánea y para ello elige siempre, como protagonistas, a personajes estetizantes que dan vida de manera satírica y provocadora las diferentes obsesiones del artista, entre los cuales fomenta la sensualidad, violencia y el exceso de consumo.

En muchas de tus fotos se respira una atmósfera de fantasía, pero el tipo de fantasía que se vuelve perversa, como en aquellas películas clásicas de terror que me gustaba mirar cuando era niño… Observando tu trabajo podría casi asegurar que eras un tímido chaval al que todo le daba miedo. ¡Pues sí! Has acertado. ¡He sido un niño muy miedoso y con dientes enormes! Pero a pesar de eso puedes creerme, ¡era un niño muy guapo! (Risas)

Ludwing + 1886, 2000.

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Magia instantánea. Polaroid.

2011.07.18

TEXTO LITERAL DEL SUPLEMENTO “YO DONA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/yodona/
ESCRITO POR CRISTINA DÍAZ: http://www.cristinadiaz.net/

Pese a la firme intención de Polaroid de dejar de fabricar su legendaria película, sus admiradores han puesto en marcha una autentica revolución, certificada por la revista `C-Photo´, que da nuevos bríos al más pop de los formatos fotográficos.

Con el aséptico brillo y perfección de los formatos digitales plenamente instalados en nuestras vidas, son muchos los inventos que han desaparecido, más que con discreción, directamente cabizbajos y por la puerta de atrás. Cacharros de nuestra infancia, como el disquete (que almacenaba la friolera de… ¡1,4 megas!) o la cinta VHS (que hizo temer el fin del cine y, lejos de eso, consiguió popularizar el porno), dejaron de fabricarse el pasado año. Estos ingenios, llamados a cambiarmos la vida, se esfumaron sin que soltáramos una lágrima. Nada que ver con los ríos de tinta (y bits) que hizo correr el anuncio en febrero del fin de la mítica Polaroid. Paradojas de la vida moderna, la noticia provocó que los aficionados se lanzaran ávidos a aprovisionarse de la conocida película instantánea (fans del mundo, respirad tranquilos: se rumorea que otra empresa tomará el relevo en la producción de los cartuchos).

Iman (1987), de Peter Beard.

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Andrés Serrano. Hablando de lo único.

2011.07.07

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Andrés Serrano se dio a conocer masivamente por aquello que se encuentra más alejado del arte: la censura. El escándalo propiciado por una fotografía considerada obscena le catapultó por todo el panorama internacional. Serrano demostró que no sólo era un provocador, sino que la categoría de sus imágenes iba más allá del mero escándalo. Sus posteriores trabajos le han posicionado en uno de los lugares de privilegio del arte actual y su obra ha ido adquiriendo una consistencia y profundidad que hacen de ella un clásico de la fotografía contemporánea, lo cual no es una contradicción aunque suene como tal.

La obra artística de Serrano cabalga siempre entre la dualidad y ello es resultado de la mezcla de sangres y culturas. Nacido en el neoyorkino barrio de Brooklyn, creció en la zona italiana de Williamsburg, hijo de afrocubana y hondureño, su difícil niñez, —ya que rara vez vio a su padre, embarcado continuamente en un barco mercante—  a lo que hay que unir las dificultades de su madre, que jamás llegó a hablar inglés, están presentes a lo largo de todo su trabajo artístico. Su cultura visual, eminentemente latina, y su desarraigo pueden ser la causa de su iconografia religiosa y transgresora.

“Pieta” Andrés Serrano 1985.

Su estilo es una suerte de violencia y de imágenes que recurrentemente tratan sobre la muerte, el cuerpo y sus fluidos en una trama desasosegante que tritura nuestras miradas buscando herir la sensibilidad. Serrano es un artista de color que evita el blanqueamiento de las imágenes. La violencia está ahí y él nos la presenta sin un ápice de obviedad. Las escenas de morgue, de suicidados, su trabajo sobre Budapest son escenas llenas de inmovilidad que se transforman, una vez captadas por su cámara, en parte de representación de pequeñas obras teatrales brúscamente paralizadas como en los planos de Andrei Rublev.

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Margot Quan Knight. Mecenazgo del arte.

2011.06.10

Esta publicación es de hace unos años, ahora la página web citada <www.fabrica.it> ya no es existe. Para qué promover la cultura en estos tiempos.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/
ARTISTA MARGOT QUAN KNIGHT: http://margotknight.com/

Margot Quan Knight (Seattle,77) fotografo, ha sido una de las artistas privilegiadas que ha pasado por La Fábrica. Esta institución pertenece al grupo Benetton, y actualmente es una de las canteras de jóvenes artistas más importante. Desde 1994, La Fábrica selecciona artistas de todo el mundo, para que, durante un periodo aproximado de 18 meses, desarrollen allí sus proyectos. <www.fabrica. it>

Explica cómo te las arreglaste para entrar en Fábrica. ¿qué tendría que hacer otro joven creador para ingresar en ella? Primero envié un dossier. Luego esperé durante un largo tiempo hasta que Fábrica me invitó para una prueba de dos semanas. ¡Llegué a ltalia para la prueba y trabajé como una loca! Al final de la prueba me ofrecieron una beca de un año en la Fábrica (aunque primero debía volver a casa a coger mi visa). Mi consejo es: haz tus tareas asegurándote de que la Fábrica es la experiencia adecuada para ti y en el momento adecuado de tu vida. Incluso si un vestido es muy bonito, te gusta asegurarte de que te vale antes de comprarlo.

1.Button / 2.Eggrock / 3.Meatfeet / 4.Blackdress / 5.Muscletree /

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La pista perfecta de Giasco Bertoli.

2011.05.10

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

FOTOGRAFÍAS DE GIASCO BERTOLI: http://giascobertoli.com/

ESCRITO POR LOLA FERNÁNDEZ.

La otra cara de la Caja Mágica. Una mirada nostálgica a las primeras canchas de tenis.

↑ Es posible que, al alcanzar la perfección, ésta deje de ejercer su atractivo. Que cumplido el objetivo, demostrado posible, busquemos reconfortarnos en los espacios que aún abrían una y mil posibilidades. Mucha nostalgia y cierto gusto por lo decadente recorre las instantáneas de Giasco Bertoli (Cevio, Suiza, 1965), fotógrafo afincado en París y asiduo de publicaciones de vanguardia comoPurple , autor de un recorrido ciertamente melancólico por canchas de tenis dejadas de la mano del hombre, arrinconadas durante las estanciones frías o, simplemente, desiertas. Una colección de fotografías que se publican como libro bajo el título Tennis Courts y que, con la retina aún maravillada por la perfección formal y funcional de la madrileña Caja Mágica, logra seducirnos tanto o más que la que ya se considera la mejor instalación del mundo.

↑ Las canchas de tenis proceden en su mayoría del sur de Suiza, París, Normandía, Londres, Nueva York o Egipto.

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Natalie Shau. La imaginación gótica.

2011.05.04

NATALIE SHAU: http://natalieshau.carbonmade.com/

Natalie Shau es una artista lituana que realiza un 80% de fotografías e ilustraciones góticas.

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We love LaChapelle.

2011.04.26

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN “24-k MAGAZINE”

ESCRITO POR EVA ROY.

DAVID LACHAPELLE: http://www.lachapellestudio.com/

Madonna, David Bowie, Kylie Minogue, Pamela Anderson, Kim Basinger, Drew Barrymore, Bjórk, Jim Carrey, Cameron Díaz, David Beckham… todo el que es alguien se ha dejado fotografiar por David LaChapelle o ha pagado lo que no está escrito para que le monte un set personalizado para conseguir un retrato único.

Recientemente se han emitido en España su documental Rize y Las cinco caras de David LaChapelle, y la editorial Taschen ha comercializado su espectacular libro Artists and Prostitutes, motivos suficientes para que le dediquemos unas páginas al osado y ambicioso fotógrafo, para muchos el mejor de los últimos diez años. La revista Photo, en sus ediciones francesa y americana, así lo afirma desde 1995. El mismísimo Helmut Newton, que no solía impresionarse por casi nada en lo que respecta a la fotografía actual, afirmaba en The New York Times: “Hay muchas imágenes pornográficas hechas por jóvenes hoy día… Y mucha desnudez es gratuita, pero hay alguien que me hace reír, y es David LaChapelle. Creo que su trabajo es brillante, muy divertido y bueno”. Y Richard Avedon, otro de los fotógrafos de los que habría que escribir con mayúsculas, dijo en su día que “de todos los fotógrafos que inventan imágenes surrealistas, es LaChapelle quien tiene el potencial de ser un genio del género”.

David LaChapelle ha trabajado como realizador de vídeos musicales memorables para grandes estrellas. Todas las Lolitas de la MTV lucen como top models gracias a su ojo misericorde y hábil. Recordaréis a Gwen Stefani, fabulada como pirata, o ese archipremiado It’s My Life que grabó para No Doubt, en el que ella se carga asu novio echando el secador de pelo en bañera, David ha posibilitado que Christina Aguilera pareciera fina en The Voice Within, para luego echarla a la calle en Can’t Hold Us Down y despelotarla en Dirrty. David LaChapelle vacila a la audiencia. Bueno, la sorprende. Por ejemplo, metiendo a una sencilla Norah Jones con look de principiante en un oscuro karaoke; o utilizando a Cristina Ricci en un espeluznante clip para Moby (ganador, con siete millones de votos, en los MTV Awards como mejor vídeo del año); o fabricando, a base de referencias cargadas de simbolismo, un fondo perfecto para los Dandy Warhols…

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Grete Stern. Una vanguardista de corazón.

2011.03.31

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Quizá sea en el arte de la fotografía en el que más mujeres han destacado. El medio fotográfico cuenta con un grupo que ha entrado por derecho propio en su historia. En el año 2000 perdimos a una que fue pionera en la utilización de collages y una de las grandes fotógrafas del siglo. Grete Stern, alemana de origen judío y nacionalizada argentina, murió a los 94 años en Buenos Aires después de una dilatada y fructífera carrera. Nacida en Eberfeld (Alemania), sus primeros estudios fueron los de grafismo en Stuttgart con el conocido Scheidler.

En 1930, recién acabados sus estudios secundarios, su interés por el diseño y la publicidad le llevan a estudiar en la mítica Bauhaus, trabajando en el departamento de fotografía con W. Peterhans. Es en esa escuela donde conocerá a todos los grandes de la vanguardia alemana. Escuela pionera en la integración y desarrollo entre las diversas artes, su contacto y estudios en ella marcarán toda su obra posterior. Para Crete Stern, la fotografía siempre fue un medio de expresión artística. lnfluida por el pensamiento de Peterhans, que además era matemático, y por las fotografías de Umbo, la mirada de Stern sobre las cosas no era otra que la composición desde la cabeza. Hasta la llegada de Ellen Aurbach, era la única alumna de esa disciplina en Bauhaus y con ella abre en Berlín su primer estudio especializado en fotografía publicitaria de vanguardia. El estudio, con el curioso nombre de Ringl und Pitt (nombres con los que eran llamadas en su infancia), recibe en 1931 un premio internacional en Bruselas. Con la incipiente llegada del nazismo se instala en Londres, donde trabajará en el retrato y la publicidad hasta que conoce al fotógrafo argentino Horacio Coppola, con el que acabará casándose y emigrando a Argentina en 1936, lugar que convierte en su segunda patria y en la que marcará su estilo renovando los esterotipados retratos argentinos de la época.

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Luz graffiti. Texto (parte I) de “Estelas de luz”. Revista DigitalFoto.

2011.03.03

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

FOTOGRAFÍA DE MICHAEL BOSANKO: http://www.michaelbosanko.com

En términos sencillos, un graffiti o dibujo de luz consiste en utilizar una linterna como si fuera un lápiz o un pincel, pero en lugar de pintar sobre una superficie sólida, se pinta en el aire. Se deja la exposición de la cámara abierta, y el resultado es que el sensor captura la estela de luz con todo el movimiento de la linterna. Obviamente, el reto de pintar en el aire es que se trata de un espacio tridimensional sin ninguna huella o trazo que pueda guiarle, así que debe ser ingenioso y ser consciente del espacio. Los graffitis de luz son relativamente sencillos. Puede empezar con una hoguera nocturna con chispas que chisporroteen en el aire. Al contrario que en la pintura con luz, que consiste en iluminar la escena, en este caso hay que apuntar con la linterna hacia el objetivo. Los ajustes de la cámara son similares a los que se usan para capturar las estelas del tráfico. Utilizando un cable disparador, empiece a exponer y entre en la escena (con la linterna apagada). Si quiere puede usar el temporizador para que le dé tiempo a entrar en la composición. Cuando esté listo, encienda la linterna y empiece a crear. Para calentarse y entrar en el juego, comience con una forma simple, como un círculo. Cuando termine, apague la linterna, vuelva a la cámara y desbloquee el cable disparador. Compruebe el resultado en la LCD. Cuando tenga más confianza, intente escribir una palabra; recuerde escribir hacia atrás, como si se estuviera mirando en un espejo. Lo lejos que llegué dependerá de su creatividad e imaginación. Lo más importante es que se divierta y se ría de sus errores.

IMPLIQUE A OTRA GENTE. Si le acompaña algún amigo, haga que forme parte de su creación. Elija una estructura familiar para tener alguna referencia que indique la escala. Detalles de la imagen: Canon EOS 50D con objetivo de 10mm y f/5´6, 361 segundos, ISO 100

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Felix Fernández & Andrés Senra: esa pareja feliz.

2011.02.22

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA VANIDAD: http://www.vanidad.es/

La imagen que veis arriba pertenece al tríptico “Te quiero, no por lo que eres, sino por lo que soy cuando estoy contigo” realizado en colaboración por los artistas Félix Fernández y Andrés Senra. “La pieza surgió cuando, hablando, Andrés y yo nos dimos cuenta que teníamos muchas cosas en común y decidimos empezar a colaborar”, cuenta Félix. Queríamos hacer una pieza que hablara del principio de la creación. De cómo 2 personas podían juntarse para crear algo. Luego apareció un subtema, el del matrimonio gay. No fue intencionado, pero nos dimos cuenta que también podíamos incorporar esta referencia. “El matrimonio Arnolfini” fue el primer retrato de unos burgueses de la historia del arte. Pensamos que venía muy bien para hablar de otra novedad: la posibilidad de que los maricas nos casásemos. El perrito, que sustituimos por un niño, era en realidad una metáfora sobre el objeto de la creación, el producto o la idea que obtienes al final. Pero también habla de la adopción gay. Al final esta apropiación es una manera de comunicar más, instituída por la posmodernidad. Haciendo referencia a cosas que ya han existido das unas claves que igual de otra forma no puedes dar: aquí, la discusión entorno a un nuevo concepto de familia”. (felixfernandez.org)

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