Chema Madoz. La belleza de la confusión.

2012.04.05

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

CHEMA MADOZ: http://www.chemamadoz.com/

BORRAR LAS FRONTERAS, establecer nuevos códigos, romper con lo útil, hacer visibles los sueños y romper las reglas establecidas es una de las posibilidades del arte. Seguros de nosotros, nombramos y reconocemos las cosas porque anteriormente otros les dieron nombres.
Chema Madoz reconvierte los objetos para ofrecérnoslos nuevos a nuestros ojos. Si tienen algo en común es su inutilidad después de que hayan sido reciclados. Puede que Chema Madoz sea un fotógrafo puro, un neosurrealista o un artista conceptual, pero de lo que no cabe duda es que es un artista fronterizo, un irónico sin cinismo que recoge varios estilos para mezclarlos con su fantasía y convocar a la gente entre las orillas. Realidad e irrealidad son su juego; ambigüedad y belleza su resultado.
Existen objetos que por su excesiva presencia ya no los vemos, se nos presentan demasiado obvios, demasiado cotidianos. Este fotógrafo, con cosas comúnes crea esculturas, demostrando que la verdad entera siempre genera un exceso, una situación que con violencia resume todo, acerca de cualquier cosa Las cosas no son como son, sino como nosotros las vemos o como nos las hacen ver. Lo auténtico raramente es verdad y raramente existe. lnventamos y soñamos para vivir. El inventar, el repensar objetos son actos que devienen gestos para desmentir lo que simplemente existe.

Votar otra foto! Gracias!

2012.03.05

Tranquilos que sólo hay dos fotografías, es para el concurso de arte de los 40 Principales. Si pincháis en el enlace todos los días y le dais en la palabra votar en un sólo ordenador os lo agradecería muchísimo. Sólo hasta el 15 de Marzo. También tengo otra foto en la entrada o post de abajo. ¡MUCHAS GRACIAS!.

http://www.arte40.es/home.html?Galeria-4-1641889

Votar por mi fotografía! Gracias!

2012.03.04

¡Hacerme un favor! Tenéis que mirar en este enlace y votar mi foto. Es para un concurso de arte de los 40 Principales. Se puede hacer un voto por día desde un ordenador, ¡así que toda la semana a darle! Es hasta el 15 de Marzo. ¡MUCHAS GRACIAS!
http://www.arte40.es/home.html?Galeria-4-1641890

 

Moda & surrealismo.

2012.01.21

TEXTO LITERAL REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

ESCRITO POR LAURENT DOMBROWICZ Y FOTOS, D.R.

La moda escapa de la rutina y se adentra en el subconsciente siguiendo la estela de Bretón, Dalí y Elsa Schiaparelli. Una tendencia que desafía la lógica.

Si la magia opera de forma cíclica, la moda se muestra más brillante cuando escapa a las reglas de la elegancia y, a veces, del buen gusto. De esta forma, en el momento en que la creación textil se asoció al surrealismo, la varita de las tendencias dio a la luz a una pareja de gran longevidad y creatividad. El movimiento surrealista, nacido en los años 20 de la mano de André Bréton y de un círculo de espíritus iluminados, identificó claramente este vínculo. Los intercambios entre moda y surrealismo fueron en ambos sentidos. La palabra clave: escapar a lo cotidiano, a la rutina, al modelo burgués. ¿Las formas de llegar allí? La insurrección perpetua, la puesta en duda de la razón y el cuerpo y la celebración de azar y de la ilusión.

A la izquierda, paisaje de un cuadro de Salvador Dalí y abrigo de ocho cajones de Elsa Schiaparelli, fotografiado por Cecil Beaton en 1936. A la derecha, todo el espíritu del subrrealismo de Schiaparelli en este sombrero Mystère con un broche de diamantes de Van Cleef & Arpels a modo de ceja (1949)

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Museo de Fotografía de Ámsterdam FOAM.

2011.12.30

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

ESCRITO POR NURIA CORTÉS Y FOTOGRAFÍA DE ALBERTO PAREDES.

Este texto es de otoño de 2011. Lo comento por el tema de las fechas. A pesar de todo me ha parecido interesante copiarlo.

Una cita para los amantes de la instantánea.

Ámsterdan no es sólo la sede de la organización World Press Photo, conocida por montar anualmente el más prestigioso certamen de fotografía de prensa del mundo, sino que cuenta desde hace 10 años con uno de los mejores museos dedicados a esta disciplina. Localizado en una casa de 150 años de antigüedad, en el número 609 del canal Keizersgracht, el FOAM es uno de los espacios culturales más interesantes de la ciudad. Las exposiciones de su amplia programación anual rotan cada dos, tres cuatro o meses, incluyendo tanto los últimos proyectos de autores ya destacados, como la celebrada el pasado verano sobre Anton Corbijn, como pare de una serie de propuestas de jóvenes fotógrafos que comienzan a despuntar. Una visita obligatoria para los aficionados al arte. Desde el próximo 5 de noviembre y hasta el 7 de diciembre, el FOAM mostrará la exposición What’s next?, con la que quiere hacer una reflexión sobre hacia dónde se dirige la fotografía, la forma de exponer la misma y el propio papel del museo. Si se quiere recibir información extra sobre ésta o futuras exposiciones, se puede visitar el museo el último jueves de mes, cuando se ofrecen visitas gratuitas. WWW.FOAM.ORG

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Stefan Heilemann.

2011.11.01

WEB DE STEFAN HEILEMANN: http://www.heilemania.de/

Stefan nació en 1974 en Bietigheim-Bissingen (Alemania). Fue durante muchos años director de arte, en distintas actividades de agencias publicitarias. Desde 2001 es independiente y trabaja como diseñador gráfico. Durante cinco años se emplea intensamente con la fotografía, creando su propio estilo que cada vez es más perfeccionado.

“Are you strong enough to be mine” de Stefan Heilemann.

Las fotografías del artista alemán forman una relación simbólica entre la fantasía, la realidad y la locura. Con gran ingenuidad conduce al espectador con sus imágenes, lo hasta ahora nuca visto, lo extraño, que recuerda a los cuentos de hadas y a las pesadillas. Stefan va en un contante equilibrio entre la ironía y la morbilidad, a través de su estilo emergente donde las obras de belleza inquietante, son por lo general en medio de los intestinos.

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Warhol en 26 letras.

2011.10.27

TEXTO LITERAL REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

ESCRITO POR CÉCILE GUILBERT.

20 años después, el arte de Andy Warhol es tan difícil de describir como su propia personalidad. Este abecedario es un intento de clarificarlo.

A — ARTE: Coleccionista frenético que, a través de su arte liquidó a la pintura, no le tenía miedo a las paradojas: “Creo que poseer la tierra y no maltratarla es el arte más bello que podamos desear tener”.

B — BUSINESS: Pasión derivada de este hombre de origen humilde convertido en ilustrador, pintor, fotógrafo, cineasta, productor, grafista, escritor, periodista, editor, director artístico, actor, modelo, presentador de televisión. Él sí que transformaba en oro todo lo que tocaba.

C — CASTIDAD: Régimen autoimpuesto después de una primera y última experiencia sexual a los 25 años. Warhol no conoció más que el amor platónico. A los 53 años aseguraba que seguía siendo virgen al tiempo que confesaba su gusto por la pornografía.

D — DANDISMO: “Después del Maquillaje, es la ropa lo que hace al hombre”, decía una persona que jamás separaba su vida de su arte y que hizo de su peluca seña de identidad.

E — EGO: Estaba desprovisto de él a pesar de su legendario deseo de fama: Explica su tendencia a delegar en asistentes, socias, robots o marionetas, y su gusto por el anonimato (se quería llamar Juan Nadie o Señor X. Incluso llegó a registrarse en un hospital como Bob Roberts).

F — FRIALDAD: Cualidad central de su arte y de su personalidad, lo mismo que superficialidad, anestesia, neutralidad, impersonalidad, tautología, banalidad, pasteurización, artificialidad y otras.

G — GLAMOUR: Parecía fascinarle aún más que la belleza, la riqueza o la fama. Tal vez porque, en definitiva, las reúne a todas. De ahí el subtítulo de su revista Interview: The Monthly Glamour Gazette.

H — HUMOR: “Las personas raras son las únicas que verdaderamente me interesan. Cuando dejan de ser raras, las personas me aburren”.

I — INTERVIEW: Revista de cine underground que creó en 1969, fue la precursora en un futuro en el que las celebridades se entrevistaban unas a otras. Además fue una empresa estratégica que se convirtió en un vivero constantemente renovado de retratos de famosos.

J — JET SET: Constelación de ricos y famosos transatlánticos inclasablemente frecuentados (AW´s Party´s Book), fotografiados (Interview) y criticados (Journal). ¿(Falsos) amigos?

K — KARL (LAGERFEELD): Compañero durante muchos años de la jet set y su mejor discípulo. Este mercenario multimarca es a las tendencias lo que Warhol fue al arte: lo toca todo, se multiplica, está en todas partes creando una moda de la que luego recoge dividendos planetarios.

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Javier Vallhonrat.

2011.10.17

Este artículo es de hace muchos años. Me imagino que Javier Vallhonrat ya expuso, en su momento, en la Fundación Telefónica y publicó sus dos libros.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/

ESCRITO POR MONGÓMERI

FOTÓGRAFO JAVIER VALLHONRAT: http://www.mfilomeno.com/

Madrileño del 53. Artista y fotógrafo. Premio nacional de fotografía. Publica en los mejores Vogue. Ha trabajado para Galliano, Comme des Garçons, Sybilla, Jill Sander, Shiseido, Lancòme, Chloe… Ha expuesto en galerías como Helga de Alvear, Gilvert Browstone, Hamiltons, Prinz Gallery… Tiene varios libros publicados. Su próximo próximo proyecto es exponer en la Fundación Telefónica de Madrid.

Acaso, 2001.

Bellas Artes: Me aportó, entre otras cosas, observar la fotografía desde la misma distancia con la que se pueden observar otras herramientas de expresión. También entender que los problemas que te puedes plantear en torno  a los usos que le des a la fotografía, estarán marcados por la especialidad de esa herramienta, y por el contexto en que la uses. Fotógrafo o artista: Soy un artista que trabaja de forma insistente con la fotografía (soy reincidente). En mi trabajo utilizo otros medios, como el vídeo, dibujos, etc… Encargos: Por supuesto que hay satisfacciones personales y creativas, pero si no me pagaran los encargos comerciales, no los haría. Trabajo personal: El desarrollo de un trabajo de artista a largo plazo, exige un compromiso total. En la medida en que las motivaciones externas no son  nunca suficientes, más que percibirlo en términos de satisfacción lo percibo en términos de algo necesario. Ver más información del artículo

La perdida de la inocencia.

2011.09.19

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

Un capítulo no muy conocido de la historia de la fotografía es el que protagonizaron los fotógrafos Mayer y Pierson. Fue gracias a ellos que la fotografía fue reconocida por primera vez de modo oficial como obra de arte. Corría el año 1863. La fotografía era un medio tan joven e “intruso”como comercialmente exitoso. Los fotógrafos más conscientes de las posibilidades expresivas del medio fotográfico se mostraban unánimes en sostener que la fotografía se relacionaba con el arte y no con la industria. Pero casi todos los artistas le negaban al nuevo medio “mecánico” la dignidad de la asimilación a la obra de arte.

Julia Margaret Cameron. Paul y Virginia, 1865.

La discusión sobre la condición “artística” o “artesanal “, incluso “mecánica” de la fotografía, que enfrentaba violentamente a artistas, artesanos y literatos contra los profesionales que no dudaban en anteponer su condición de “artistas” al oficio de fotógrafos, acabó en los tribunales. En uno de los procesos que, después de pasar por varias instancias llegó a ser célebre, el de los fotógrafos Mayer y Pierson contra Betheder y Shwabe, la justicia francesa decidió finalmente que había que reconocer la fotografía como obra de arte.

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Eikoh Hosoe. Elogio de lo esencial.

2011.08.01

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Eikoh Hosoe forma parte fundamental de la fotografía japonesa moderna. Sus comienzos como documentalista del Japón de la posguerra devienen con rapidez en un estilo más personal, marcado por la influencia del teatro y la mitología. Sus personajes metafóricos, en los que la realidad y la ficción se mezclan, son símbolos de un mundo posnuclear y tradicional, fruto de sus colaboraciones con el escritor Mishima y el creador del “bhuto“, Tastsumi Hijikata. Esta especie de ballet da lugar, en el trabajo de Hosoe, a fotografías híbridas en las que mezcla la “performance”, la biografía y el instante fugaz. Hosoe es una figura innovadora, mezcla de artista, divulgador y embajador de una cultura artística lejana, rica y plena de hallazgos poéticos.

EIKOH HOSOE, Kazuo Ohno, 1994.

Evacuado durante los bombardeos de Tokio a la edad de doce años, en septiembre de 1945, tardará dos años en volver a su ciudad. Sus primeros trabajos, en 1947, tratan de recordar y retratar una tragedia que resolverá con un lenguaje teatral y mítico, alejado de los que fotógrafos japoneses como Ken Domon o Somei Tomatsu habían realizado hasta ese momento sobre Hirosima y Nagasaki. En una cultura en la que lo esencial forma parte del arte, el barroquismo de Hosoe sorprende. Sus posteriores trabajos consisten en documentar los bares más canallas y las prostitutas de Tokio, para dar cuenta de los cambios en una sociedad en plena evolución.

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