Obsesión postal.

2013.11.22

TEXTO LITERAL REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

ESCRITO POR L.F.

El fotógrafo estadounidense Walker Evans amasó una de las mayores colecciones de postales del siglo XX.

Imagen de artista desconocido del archivo de Walker Evans de 1994. Future New York, The City of Skyscrapers de un archivo Walker Evans, (alrededor de 1910).

En 1994, el Metropolitan Museum de Nueva York compró la vastísima colección de fotografías y documentos del archivo del estadounidense Walker Evans (1903-1975), quizá el mejor retratista de la depresión capitalista y de la América rural desde la impresiones en gelatina de plata de sus más conocidas instantáneas. Casi seis décadas de actividad, desde una primitiva Laica hasta la Polaroid que usaba en 1974, que le convirtieron en un maestro de lo documental por su estilo frío, severo e imparcial, en total oposición al fuerte (y hegemónico en la época) simbolismo y esteticismo de Alfred Stieglitz y Edward Steichen. Su contundencia y sobriedad mostraron el camino a la fotografía contemporánea, ya fuera retratando a los granjeros arrendarios de Alabama o los seductores carteles publicitarios de la gran ciudad. En su archivo, además de 30.000 negativos de blanco y negro y 10.000 diapositivas de color, se reservaba una enorme variedad de objetos: diarios, relatos breves, recortes de la revista Fortune, medio siglo de correspondencia (las cartas recibidas y copias en carboncillo de las enviadas) y 9.000 postales. No resulta extraño que Evans se viera atraído por esta manifestación sencilla pero tremendamente expresiva de los tópicos de su país. Sus instantáneas supieron revelar la poesía oculta en los escenarios más prosaicos, desde las repetitivas calles de las ciudades provincianas del medio Oeste, hasta las minas de carbón o los vagones de metro. Y estas postales, fechadas entre 1.900 y 1.920, suponen su particular reconstrucción de toda una época iniciada en su misma infancia —entonces el formato era una novedad— y proseguida cuando aún no había tomado la cámara y tratada de sobrevivir como editor de la revista Fortune (1945-1964) o en los últimos años de su vida. Un imaginario atesorado lámina a lámina durante sesenta años, que Evans conservaba con extremo mimo, superior al que dedicaba a otras colecciones (como la de Ver más información del artículo

Luigi Ghirri. La simplicidad con el color.

2013.10.31

Autorretrato.

Luigi Ghirri es un fotógrafo que nació en Scandiano en 1943 y falleció en Regio Emilia en 1992. El comenzó a tomar fotografías de su entorno en la década de 1970.  A sus veinte años se trasladó a la ciudad de Módena, donde realizó sus primeras exposiciones y desarrolló una gran pasión por este medio. Por aquel entonces era un fotógrafo desconocido y no importaba cual era su trabajo, e iba a luchar para que sus imágenes fueran vistas y oídas en su contexto cultural más amplio. Produjo imágenes en color con los pioneros del paisaje y la arquitectura en el entorno del arte conceptual de la época. Luigi buscó paisajes naturales con signos humanos y artificiales como pueden ser carteles y pancartas.
Fotografía de Luigi Ghirri “Marina di Ravenna” en 1986.
Sus paisajes no son realistas en cierto sentido metafísico porque a menudo están carentes de figuras humanas, pero nunca sin Ver más información del artículo

Miroslav Tichý, el fotógrafo vagabundo.

2012.12.22

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/

El artista checo Miroslav Tichý, introvertido y excéntrico, fue encarcelado y tomado por loco por el régimen comunista. Marginado por propia voluntad, se dedicó luego durante 30 años a retratar a las mujeres de su pueblo con cámaras artesanales.

Una lata de tomate usada. Un trozo de plexiglás abandonado. Un paquete de cigarrillos vacío. Que con desechos de ese tipo se pueden fabricar cámaras fotográficas es algo de por sí sorprendente. Que con el transcurrir del tiempo las imágenes capturadas —todas de mujeres de un pueblo perdido de Chequia— con semejantes cámaras acaben expuestas en museos y galerías de arte de Berlín, Zúrich y Nueva York, y estén cotizadas entre 4.000 y 8.000 euros cada una, parece algo imposible. Si a esto se añade que el autor se desinteresa del éxito y es una especie de eremita de la época moderna —un octogenario que en 1948 decidió aislarse de la represora sociedad comunista en el poder en su país, y que pagó por ello con una quincena de años de cárceles y hospitales psiquiátricos—, entonces la historia ya suena a ciencia ficción. Sin embargo, es real. Se trata de la vida y el arte de Miroslav Tichý, un hombre considerado un demente sin techo por la gente de su pueblo de origen. En realidad, un hombre quizá menos loco que la sociedad que le rodeaba.
Su historia comienza el 24 de febrero de 1948. Ese día, el golpe de Estado de los comunistas checoslovacos derrumba el Gobierno democrático en el poder y, a la vez, cambia el rumbo de la inestable vida de Miroslav Tichý. En aquel entonces, Tichý era un excéntrico y dotado alumno de la Academia de Bellas Artes de Praga, y la pasión de su vida era la pintura. Esa fecha supone también el nacimiento de la barba y el pelo largos que envolverían su rostro durante medio siglo, el inicio de su marginación de una sociedad que le horrorizaba y de su alejamiento de los cánones de la normalidad burguesa.
Aunque la única ambición de este hombre extraño era, fundamentalmente, mantener su libertad, muy pronto su actitud fue interpretada como una forma de disidencia por las autoridades comunistas, que empezaron a controlarle, a impedirle ejercer la pintura y a acosarle hasta encerrarle en cárceles y hospitales psiquiátricos durante tres lustros, el tiempo que tardarían en enterarse de que se trataba de un hombre pacífico, sin intención de animar rebeliones. Una vez libre, Tichý se instaló en una infravivienda en su pueblo natal, Kyjov. Se trataba, sin embargo, de una libertad limitada, ya que le estaba prohibido pintar. Fue entonces, en los años sesenta, cuendo decidió dedicarse a la fotografía. Así empezó el romántico e increíble recorrido de un hombre decidido no sólo a no depender de una sociedad represora, sino también a buscar y atrapar la belleza evidente o escondida de las mujeres que le rodeaban. El resultado es un sorprendente y conmovedor monumento a la elegancia y sensualidad femeninas. Ver más información del artículo

Expresión Urbana. Markus Hartel.

2012.11.26

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com
FOTÓGRAFO MARKUS HARTEL: http://www.markushartel.com/

La propensión de la humanidad a esconder la tierra entre el hormigón puede animar a muchos fotógrafos a escaparse a zonas vírgenes, pero eso no significa que todo lo que hemos creado sea una monstruosidad. Es cierto que la mayoría de entornos urbanos no pueden competir con un paisaje natural impresionante, pero algunos tienen mucho que ofrecer, tanto elementos antiguos como modernos, así que es probable que encuentre algo que valga la pena capturar. Además de los propios edificios está la gente que los habita. Esas personas, de todas las clases sociales, es lo que fascina al diseñador gráfico y fotógrafo callejero de Nueva York Markus Hartel. Cuando se prepara para pasar un día en la calle. Markus reduce su equipo a lo esencial y se fija en qué tiempo hace. Nos explica: “Normalmente capturo sólo con un cuerpo y un objetivo fijo, preferiblemente un 28mm. Intento evitar la luz directa del sol, así que salgo tarde o llevo un flash para usar una luz de relleno ligera. Si llueve, tengo una bolsa con cremallera para proteger la cámara. Cuando salgo a pasar todo el día fuera, llevo dos o tres cámara diferentes, objetivos, varias tarjetas de memoria y un flash. Es fundamental llevar unos zapatos cómodos, y es buena idea utilizar varias tarjetas de memoria pequeñas, ¡en lugar de jugárselo todo a una carta!”. Ver más información del artículo

Bendita Movida. Pablo Pérez-Mínguez.

2012.11.24

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR IKER SEISDEDOS.

EL SANTO . Millán Salcedo, de Martes y Trece, en una imagen titulada ‘Pantocrator’.

Abre la puerta, y la vista se va a la medalla del Señor de los Milagros que cuelga sobre la camiseta ajada con un loro serigrafiado que dice: “Pto. Villarta”. “Todo Vale”, reza un cartel entre la marejada de fotografías de la pared. Pablo Pérez-Mínguez —dueño de la puerta, la camiseta y el copyright—, expansivo y de verbo ultraligero, masculla un “sígueme” y desaparece por la habitación del fondo. Allí, el televisor emite el vídeo casero grabado en este mismo escenario una noche de 1982. Almodovar, camisa a cuadros, mira a cámara: “¡Vídeo, vete! Déjame en la soledad de mi deterioro”. Nadie, ni entonces ni ahora, contiene la risa. Almodóvar canta las frases de un artículo de ¡Hola! sobre el veraneo de las infantas en Maivent. Bernardo Bonezzi, jovencísimo cantante de los Zombies, toca la guitarra. Fanny McNmara simula abrirse la cabeza con un taladro.
pablo Pérez-Mínguez —en adelante, PPM (“pobre, pero mítico”, se mofa a sus 59 años)—, camarógrafo aquella noche de 1982, no aparta sus ojos de 2006 de la tele. “Ya entonces, todos éstos renegaban de la movida. Yo, que soy muy de movimientos culturales, ya sostenía que vivíamos uno de los grandes del siglo XX. ‘Nosé dónde acabarán todos estos justos’, me decía, ‘sólo sé que los voy a retratar a todos”. Ver más información del artículo

SOMOS UNO. Un homenaje a los publos indígenas.

2012.07.11

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: “Somos Uno. Un homenaje alos pueblos indígenas“, de la editorial BLUME  en castellano.

AUTORA: La periodista Joanna Eede.

“Todos somos uno” es el argumento conductor de este libro que reúne fotografías y textos que muestran la diversidad de las culturas indígenas de nuestro planeta. Página a página vamos recorriendo los rituales, lenguas, creencias, festivales y el día a día de estos pueblos que en la actualidad son amenazados y oprimidos.

El volumen recoge declaraciones de los propios protagonistas, estudios de expertos, extractos literarios… pero sempre acompañados por un periodismo gráfico. Todo esto a sido publicado coincidiendo con el 40 aniversario de la ONG Survival defensora de los derechos de estas culturas.

Arundhati Roy, Levi-Strauss, Eduardo Galeano, Noam Chomsky, Richard Gere… son algunos de los escritores y artistas que podrán encontrar en este homenaje. Entre los reporteros gráficos destacan Sebastião Salgado, Kate Eshelby, Mike Goldwater, Steve McCurry, Mirella Ricciardi, y Carol Beckwith.

 

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Philippe González. Blog Instagramers.

2012.04.06

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

TEXTO NOELIA SASTRE Y FOTO LUIS DE LAS SALAS.

Creador del blog y la comunidad instagramers: “instagram manejará la información gráfica mundial”

Los dos chicos que crearon Instagram en San Francisco en 2010 consiguieron 100.000 seguidores el primer fin de semana. Enamorados de la fotografía vintage, encontraron la formula perfecta para crear la Polaroid de las redes sociales. Sacas la foto, la filtras, le pones un título y en cuestión de segundos pueden verla miles de personas en el mundo. Hoy tiene millones de usuarios que suben 50 fotos por segundo. Y España está entre los cinco países más activos. Philippe González se enganchó desde el minuto uno. Tanto le gustó que en enero de 2011 creó instagramers.com, con tutoriales y todas las claves para triunfar en esta aplicación para iPhone. La primera quedada de instagramers surgió en Barcelona. Hoy su blog es una referencia con más de 270 grupos en el planeta, de Filipinas a Sudáfrica.

¿Que tiene instagram que con sólo un año y medio de vida ha conseguido 25 millones de usuarios? Es gratuita y muy sencilla. Sacas una foto, la filtras, la subes, la compartes con todo el mundo ¡y nunca falla! Eso es muy importante. Es el Twitter  de las fotos. Además los filtros vintage están muy de moda. Recuerdan a la Polaroid de nuestros padres. A diferencia de otras aplicacines como Hipstamatic, Instagram dio el salto a lo social y esa fue la clave.

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Joni Sternbach y sus surferos.

2012.03.21

http://www.jonisternbach.com/

Casualidades de la vida. Mirando Google para encontrar información sobre el colodión húmedo, encontré a la fotógrafa Joni Sternbach. Utiliza una cámara antigua de gran formato y realiza las fotografías con este proceso antiguo, para retratar a surferos. Esto hace que te rompa esos los esquemas encasillados que todos tenemos. Es toda una artesana.

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Dogs. El libro de Catherine Johnson.

2011.04.29

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: Dogs, de la editorial Phaidon en inglés.

AUTORA: Catherine Johnson

Contrariamente a lo que su título podría sugerir, Dogs no es un recopilatorio de fotografías de perros en un estudio, perfectamente enfocadas y con una luz estudiada al más puro estilo Annie Leibovitz. De hecho, y como evidencia su portada de estilo totalmente clásico, Dogs no solo recopila fotografías de perros y sus propietarios tomadas durante la primera mitad del siglo XX, sino que además todas ellas pertenecen a fotógrafos anónimos. Dogs es mucho más que un simple libro de fotografías encontradas y recopiladas, va mucho más allá mostrando gentes de todo tipo de clase social y su estrecha relación con su perro. Catherine Johnson es la coleccionista de todas esas imágenes con las que ha querido mostrar la relación de los perros con sus propietarios mediante instantáneas que capturan escenas varias durante los años 1900 y 1950 aproximadamente. En este libro aparecen fotografías de perros diminutos en lugares impredecibles y perros tan impresionantes y altos como chiquillos de 15 años. El libro termina con unas palabras de William Wegman, fotógrafo especialista en fotogafiar perros en situaciones inverosímiles, y con un texto de la autora y coleccionista. Catherine Johnson afirma sentirse fascinada por la relación de los hombres con los perros desde hace muchos años y asegura que colecciona imágenes desde su infancia. Catherine Johnson preside el Photography Committe of National Arts Club y su carrera fotográfica empezó cuando entró a trabajar como representante del fotógrafo británico Norman Parkinson. Además de este libro ha editado otros dos: Stieglitz and the Photo-Secession 1902 (2002) y Karl Bissinger: The Luminous Years (2003).

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¿La verdad está en la foto?

2011.02.02

TEXTO LITERAL DEL “NEW YORK TIMES”: http://www.nytimes.com/

Miércoles, 18 de junio de 1997     The Arizona Republic

No cuando los creadores de imágenes hacen su magia digital. Por Amy  Spindler.

Entre fotógrafos, se le llama ponerse a dieta digital al realzamiento que se utiliza en las fotos de modelos y estrellas cinematográficas para hacerlos parecer extravagantemente perfectos. Sin embargo, la misma tecnología que por mucho tiempo ha sido amiga de la persona de la foto se ha desarrollado tanto, que hoy en día algunos la consideran un enemigo. La fotografía manipulada digitalmente se encuentra tan lejos del periodismo tradicional, que Richard Avedon sugiere llamarla de modo diferente. “Realmente no existe la realidad fotográfica”, dice Avedon. “No se puede creer en una foto”. Avedon ha estado manipulando sus imágenes no en el ordenador, sino a mano, desde alrededor de 1953, cuando le alargó el cuello a Marella Agnelli, que ya Io tenía largo como un cisne, para lograr el efecto deseado.”Yo creo que, como artista, tengo el derecho a interpretar a mi sujeto. Y la fotografía es un arte”. Ese derecho está siendo cuestionado ahora por la actriz Mira Sorvino, que hizo objeciones contra las fotos de David LaChapelle, las cuales fueron alteradas digitalmente para representarla como Joan Crarvford en el número de mayo de la revista Allure. Es cierto que LaChapelle influirá el trabajo de una nueva generación de fotógrafos, de la misma manera que Avedon marcó nuevos rumbos usando técnicas que hoy en día son familiares. Sin embargo, LaChapelle es uno, entre un grupo creciente, para quienes la foto es sólo el punto de partida. Bajo la influencia de este fotógrafo, la idea de la santidad del negativo se está haciendo el asunto más importante en la fotografía moderna. El hecho de que la fotografía está siendo redefinida como invención ilustrativa, le parece espantoso a los que le creen que las fotos representan la verdad. “Ese es un concepto interesante: dónde encontrar la realidad”, dijo LaChapelle, que esta semana se encuentra en los Angeles para fotografiar a Fleetwood Mac para la portada de su álbum. “La gente solía recurrir a las fotos para encontrarla. Se dice que las fotos no mienten. Pues las mías sí lo hacen. Yo hago que mis fotos mientan”. Según Avedon, entre todos los fotógrafos que inventan imágenes surrealistas, LaChapelle es el que podría ser el “Magritte” del género. Magritte no necesitaba la complicidad de su sujeto. La independencia de los fotógrafos como LaChapelle fue puesta bien en claro por la controversia avivada por Sorvino.

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