TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte II.

2012.09.08

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR FERNANDO DE MADARIAGA.

Este artículo está escrito hace muchos años, por eso se habla desde un punto de vista analógico nombrando la película y revelado. Lo que se explica en esta entrada o post es perfectamente aplicable en la fotografía digital.

Antes puedes leer el artículos relacionados “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte I” y “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte III”.

Dos contrastes

Hay dos clases distintas de contrastes en fotografía en blanco y negro. Uno esta ligado a la luz y otro al tono. El primero es conocido como contraste lumínico, el segundo como contraste local. El contraste lumínico es un viejo conocido de los fotógrafos de estudio, consiste en la diferencia en puntos de diafragma entre la luz principal y la de relleno o cuando existe una fuente de iluminación única, en esa misma diferencia entre las partes iluminadas y las que se encuentran en sombra, lo normal en exteriores. El contraste local se define como el número de valores tonales o de grises distintos y claramente separados en una copia blanco y negro. Lógicamente no hay ningún problema en denominar a cada valor o gris, zona. Así que a más zonas, mayor contraste local y a menos zonas, contraste local más bajo.
  Fotografía “Maniquí 01” de Paula Juan Altemir.
Sin embargo, un contraste local alto no significa que también sea elevado el contraste lumínico: una escena puede tener muchos tonos y su iluminación ser suave, difusa y sin apenas diferncia en el contraste entre luces; o también, poseer muy pocos tonos y una iluminación excepcionalmente dura con una fuerte diferencia entre la luz y la sombra.
Contraste local y lumínico son entidades independientes; cuando se determina el contraste de la escena contando los brillos o niveles de la luz reflejada del sujeto, aunque normalmente se acierta, se están mezclando y uniendo dos elementos distintos: la gama tonal y la diferencia en el nivel de la iluminación. Esta distinción va más allá de su importancia teórica porque el contraste lumínico alto tiene un claro efecto sobre la gama tonal al llevar a las películas a su límite de reproducción; a partir de 2 puntos de contraste lumínico, la escala de grises empieza empieza a notar los efectos de las medidas correctoras necesarias (más exposición y menos relevado) para una gama de valores de brillo tan amplia quepa en una escala de 7 pasos entre el blanco y negro, al meter más valores de luz reflejada en el mismo “espacio” de reproducción el nivel de separación entre tonos adyacentes se hace más estrecho, más pobre y deprimido. Lo que se interpreta son distintas gamas tonales con independencia de la separación que haya entre la luces y sombras.

 
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August Sander. Del mirar con concepto.

2012.09.07
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
August Sander ha pasado a la historia de ia fotografía por sus retratos psicológicos, por su manera de captar la realidad documentando retratos de gente corriente. Nacido en Herdorf de Sieg en 1876 al este de la ciudad de Colonia, hijo de un carpintero de minas ya desde pequeño demostró que poseía un innato sentido artístico, sus dibujos así lo demostraron. El azar de servir de guía a un fotógrafo que documentaba las minas hizo que su interés se desviase hacia esta nueva manifestación artística. Su familia aceptará que siga estudios de fotografía y un pariente con fortuna se encargará de pagárselos.
Los retratos que acumula a lo largo de su vida no son sino la historia de una nación y sus hombres. Desde la simplicidad los retratos que toma Sander se vuelven tan complejos que aún hoy tratamos en vano de averiguar la manera tan profunda de mirar que poseía que, posiblemente le venía de su antiguo oficio de minero, y de introducirse en las profundidades de la tierra para encontrar aquello que no se ve desde la superficie.
 En 1918 los alemanes acaban de Perder la guerra y Sander en su estudio de Colonia tiene largas colas esperando hacerse retratos para los carnés de identidad exigidos por las fuerzas de ocupación. Así, de esta manera tan prosaica, no tiene otro sistema que adaptarse a la ingente demanda y comienza a fotografiarlos en grupos para luego cortar individualmente. Acelerando el proceso puede dedicarse a preparar para lograr un trabajo de calidad.

Atrápalos si puedes.

2012.09.05

TEXTO LITRAL DE LA REVISTA DIGITAL CAMERA: http://digitalcamera.es/default.php

KAI PFAFFENBACH: http://www.kai-oliver-pfaffenbach.com/

Capturar momentos triunfales siguiendo la acción.

Si quieres fotografiar un evento deportivo, lleva un teleobjetivo con zoom. Para deportes es mejor usar una D-SLR con factor de recorte, porque amplía el alcance del zoom.
El fotógrafo deportivo Kai Pfaffenbach nos da algunos consejos: “Para conseguir una foto buena en un evento deportivo, lo importante es esperar lo inesperado. Hay que intentar predecir qué va a pasar, pero también hay que ser flexible. Por ejemplo, en una final de los 100 metros lisos nadie espera que gane el corredor de la calle uno u ocho, porque los favoritos siempre están en las cuatro, cinco y seis, pero en el Campeonato del Mundo de 2003 ganó Kim Collins, quien corria por la calle uno”.
Kai hizo la foto inferior en las Olimpiadas del Londres del 2011. Generó el desenfoque de movimiento haciendo una panorámica: “Probé con varias velocidades de disparo entre 1/30 y 1/10 segundos. Ajusté la estabilización de imagen de mi objetivo Canon 70-200 mm f/2,8 al Modo 2, así solo corrige los temblores en el plano vertical. Como la velocidad de disparo era lenta, los atletas se ven movidos, lo que transmite una sensación de velocidad.

Fotografía de Kai Pfaffenbach el día 8 en las Olimpiadas 2012.

Pruébalo ahora mismo…

  • Cambia al modo Prioridad de disparo (S o Tv). Si quieres hacer una panorámica, ajustada la velocidad a unos 1/30 segundos. Si prefieres congelar a los corredores, aumenta a 1/500 segundos, más o menos.
  • Es importante predecir qué va a pasar, tienes que saber dónde es mejor colocarse y hacía dónde apuntar con la cámara.
  • Hay deportes en todas partes, no hace falta ir a las Olimpiadas. En España hay cientos de eventos deportivos durante todo el año. Si te interesa el atletismo, consulta la web de la federación de tu comunidad autónoma.
 

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La moda rara del fotógrafo Benjamin Lennox.

2012.09.04

He encontrado por casualidad en un “ME GUSTA” de facebook a Benjamin Lennox. Es tan bueno que no le hace falta ni tener su web en condiciones. Me imagino que cuando lo llaman la grandes marcas e importantes publicaciones lo tienen de los primeros en su lista de contactos. ¿Que destacar de este fotógrafo? El dominio de la luz. ¡Claro! que siendo de la profesión es evidente. Utiliza luces duras que provocan grandes contrastes colocándolas desde cualquier punto. Todo vale y no parece importarle que el modelo salga poco favorecido. También juega mucho con el movimiento combinándolo con el flash y de esta forma provoca espectros hasta tal punto que algunas imágenes no se ve ni la prenda. Pero… ¿a quién le importa? ni a las marcas de esas prendas parece importarles porque es una fotografía realizada por Benjamin Lennox.

Ver más información del artículo

Jugar con las texturas en las fotografías.

2012.09.01

Fui a un taller de Rebeca Saray y aunque estuve my interesada en ver como realizaba sus fotografías, todos sus trucos y destrezas que aplicaba con el Photoshop, no las he llegado nunca a aplicar. No paré de escribir todo lo que decía, sin descanso y para que no se me perdiera ningún detalle. Como persona que doy ponencias o charlas de Photoshop y que es mi herramienta de trabajo diaria, vi que realizaba las cosas de forma muy diferente a las mías, para llegar en ocasiones al mismo camino. Eso no es malo, sino que tiene un punto de vista muy distinto a la hora de resolver un retoque y un fotomontaje. Además no quedan muy muy bien con el tipo de fotografías que yo realizo. Aquí podéis ver mi web: http://www.paulajuan.com/.

Fotografía de Paula Juan Altemir.

Saqué de provecho de ese taller el uso que hacía Rebeca Saray de las texturas y como las aplicaba e insertaba en sus imágenes. Lo demás ha sido experimentar con Photoshop, convirtiéndolas en capas, colocándolas encima de la imagen y transformandolas en diferentes modos de fusión.
Voy a abrir una nueva sección de texturas y os ofrezco una textura escaneada a gran tamaño. I will open a new section of textures and I offer a texture scanned at large.

Textura Encaje 1. Texture Lace 1. Click→ textura encaje 1.jpg

 

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Temperatura de color.

2012.08.30

¿Que color sale en tus fotografías con un fluorescente o de una bombilla común de casa?

Originalmente, era un término empleado para describir la “blancura” de la luz en las lámparas incandescentes. La temperatura de color está directamente relacionado con la temperatura física del filamento dentro de las lámparas incandescentes, por eso se utiliza la escala de temperatura de Kelvin (absoluta) para describir la temperatura de color. En el caso de las lámparas de descarga, donde no hay filamentos involucrados, se utiliza el término “temperatura de color correlacionada” para indicar que la luz aparece “como si” la lámpara de descarga estuviera operando con una temperatura de color determinada. Más recientemente, se han estado utilizando el término “cromaticidad” en lugar de la temperatura de color. La cromaticidad se expresa tanto en grados Kelvin (°K) como en coordenadas “x” y “y” en el diagrama de cromaticidad Estándar CIE. Aunque tal vez no parezca sensible, la temperatura de color más alta (°K) describe una fuente de color visualmente más fría y más azul. Las temperaturas de color comunes son 2800 °K (incandescentes), 3000 °K (halógenas), 4100 °K (blanco frío o fluorescentes SPX41), y 5000 °K (colores fluorescentes simuladores de la luz del día, como el Chroma 50, SP50 y SPX50).

Imagen extraída del blog de Gelmert Finol.

Faltaba en la tabla anterior las lámparas fluorescentes. Quiero recordar que son valores aproximados.

Tabla extraída de la web de Carlos Laszlo.

 

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Reflexiones de Martin Parr.

2012.08.30

EXTRAÍDO DE UNA FOTOCOPIA QUE ME DIO EL FOTÓGRAFO Y PROFESOR ARMANDO GRACÍA EN UN SEMINARIO.

Retrato a Paco Elvira.

Reflexiones resumidas Paco Elvira en la web The Photographer’s Company. Barcelona, diciembre 2009

  1. El fotoperiodismo tradicional en que revistas y magazines enviaban a fotógrafos por todo el mundo se ha terminado. Muchos fotógrafos son unos nostálgicos. Se ve en Visa pour I’Image. Es como una tribu de la extinción aferrándose a un sistema que ya no existe.
  2. Todavía hay muchos fotógrafos que no se han dado cuenta del cambio y continúan echando la culpa a los otros, cuando lo que tendrán que hacer es espabilarse ellos mismos.
  3. La gran mayoría de fotógrafos documentalistas son unos nostálgicos, fotografían lo que está a punto de desaparecer. Yo fotografío las cosas que nacen: el mundo actual.
  4. El mercado ya no nos quiere.
  5. Sin embargo, nunca la fotografía ha tenido tanto público como hoy en día. Sólo hay que ver, por ejemplo, como está esta sala.
  6. El fotógrafo, hoy en día, debería fotografiar un tema en el que esté interesado y luego promocionarlo y buscar el mismo la salida. (Libro, exposición, Internet…) Ver más información del artículo

Vender bonito.

2012.08.29

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR EUGENIA DE LA TORRIENTE.

Un escaparate con alguno de los anuncios contemporáneos más espectaculares del mundo. Punto de partida para la publicidad se enfrente a un debate sobre la primacía de palabra o imagen. Y a su realidad cambiante: consumidores inmunes y el imparable empuje de la creatividad no anglosajona.

Si, pero estamos hablando de ello”, dice con tono triunfal mientras alcanza la última croqueta. El silencio le contesta mientras cada comensal se reprocha a sí mismo haber vuelto a caer. Ser tan previsible como para estar hablando de un funesto anuncio en una cena. Y quien dice funesto, dice incomprensible, feo, absurdo. Notorio, a fin y al cabo. Significativo, seguramente. La publicidad nos habla tanto de lo que somos como de lo que queremos ser, de nuestros anhelos y de nuestros miedos. Una idea que preside el macrorrecorrido del libro Adversting now! por las más espectaculares campañas gráficas contemporáneas de 40 países. Más un catálogo de ambiciones y pulsiones que de productos.

‘LAVAME’. La agencia Lowe Hunt, de Australia, realizó este anuncio del gel de baño Lynx para la empresa Unilever Australasia en el año 2005. El director creativo mundial de la agencia es el sudaficano Matthew Bull; el del anuncio, Adam Lance, y el fotógrafo, Sean Izzard.

“Lo que la publicidad hace no es vender: No somos vendedores. No podemos coger un producto, ponérselo al cliente en las manos y hacer que nos dé dinero. Hay muchos pasos antes de llegar hasta ahí. La gente dice: ‘El anuncio funciona, porque estamos viendo más’. Pero ¿no podría ser porque el precio era fantástico? No siempre es gracias a la publicidad. Eso es una chorrada. Hay mucha más gente implicada en el proceso: una fábrica llena de personas elaborando el producto, gente rompiéndose la cabeza para fijar los precios o conduciendo coches baratos para recoger pedidos. La publicidad no hace nada de todo eso. Se limita a decir que el producto existe. Los clientes son los que deciden si lo compran a no”. Así define su trabajo en el libro una leyenda de la publicidad. Neil French tiene 62 años, y además de desempeñar toda clase de ocupaciones en la publicidad (en todos sus escalafones), ha sido cantante, pornógrafo, representante de grupos de rock, actor y director de cine. Un personaje atípico que hoy es director mundial de WPP, y que en su web recopila sus trabajos y da peculiares y coloristas consejos de viajes (hoteles que le gustan y los que odia, la peor compañía para alquilar un coche…). Ver más información del artículo

Retratos en clave baja.

2012.08.28

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO DIGITAL: http://www.grupov.es/

Muchas cámaras réflex digitales y algunas compactas ofrecen entre sus opciones de disparo la opción de Retrato nocturno, que combina una velocidad de obturación larga y el disparo del flash incorporado. Este modo resulta la especial utilidad cuando deseamos capturar a una persona en primer plano en un ambiente nocturno y, por ejemplo, un edificio iluminado como fondo. Sin embargo, este modo presenta algunos inconvenientes. Es más evidente que el flash “congela” (por su velocidad de disparo) al sujeto del primer plano pero, si la velocidad de obturación es lenta, el fondo (edificio) puede salirnos movido. Intentando solucionar el problema con un trípode, también corremos el riesgo de que se mueva el sujeto en ese intervalo, provocando la aparición de algunas imágenes fantasmas en la foto final. También debemos procurar que el sujeto no se mueva durante toda la exposición. Otro problema muy común en estas circunstancias es que la persona salga algo sobreexpuesta por el empleo del flash incorporado. Si ese es el caso, debemos emplear la compensación de exposición para flash (comenzando por un valor de -1) para reducir esa diferencia de brillo del primer plano con respecto al fondo.

Las dos fotografías son de shutterstock-Konrad Back.

 La foto de la izquierda: En fotografías de retrato tomadas al anochecer con velocidades de obturación bajas, debemos buscar fórmulas apropiadas para que nuestro sujeto quede lo más inmóvil posible. La foto de la derecha: En el caso de utilizar flash de apoyo para el primer plano es interesante el uso de difusor y huir de una posición frontal de la cámara y el flash con respecto al sujeto. En esta imagen, una velocidad de obturación lenta garantiza una correcta exposición del edificio iluminado al fondo.

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Los formatos.

2012.08.23

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “LA FOTOGRAFÍA CALLEJERA Y LA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

En el ámbito de la fotografía analógica, se pasa de la fotografía de 35 milímetros, cuyo fotograma tiene un área de aproximadamente 24×36 milímetros, al formato medio (película en carrete que aporta fotogramas desde el 4,5×6 al de 6×9 centímetros, además de los formatos panorámicos de 6×12 y de 6×17 centímetros), hasta el gran formato que se usa en las cámaras técnicas: películas planas o placas, de 10×12 centímetros a 20×25 centímetros, pero también más allá.

También en el digital los formatos son muy variados. Las compactas usan sensores minúsculos, en los que se amontonan millones de píxeles (con consecuencias no del todo agradables en los que se refiere al ruido electrónico y otros parámetros de calidad); las réflex utilizan generalmente sensores de varios formatos. Los dos más usados son el formato Aps-C (aproximadamente 18,6×12,7mm) o el Cuarto Tercios (13×17,3mm) que son más que suficientes para satisfacer las exigencias de calidad de fotógrafo aficionado. Los sensores “full frame”, es decir de cuadro completo 24x36mm están pensados para quienes pretendan resultados de alto nivel trabajando también con valores de velocidad ISO elevados.

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