Fotografiar zapatillas.

2012.04.23

Os dejo once anuncios de zapatillas para que veáis los deferentes planteamientos que tienen las distintas marcas a la hora de mostrar el calzado deportivo.

http://www.lottoleggenda.it/

http://www.ray-ban.com/spain

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Tamaño y resolución de imagen.

2012.04.21

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

El tamaño de imagen se puede medir en píxeles o en pulgadas. La resolución puede significar el número de píxeles de la fotografía, o el número de pulgada cuando imprime la fotografía. Si lo une todo, tiene una masa de números que atonta el cerebro con medidas confusas. ¿Por donde empezar?

Las fotografías se componen de píxeles

Esto es muy obvio, pero queremos empezar por lo básico en lugar de saltarnos media explicación. Si examina las fotografías digitales de cerca, verá que se componen de una cuadrícula de bloques de color, pero si tienes bastantes, y mira la imagen desde la distancia suficiente, se integran y parecen colores continuos que cambian sutilmente – entonces tienes una fotografía. Una réflex digital típica de seis megapíxeles produce una imagen de 3008 y 2000 píxeles con 6’1 megapíxeles o millones de píxeles. De ahí es donde salen las medidas de megapíxeles de las cámaras. Con todos estos píxeles, cuando se ve una fotografía en pantalla, no los ve individualmente. Si hace un zoom de 100% o incluso a 400% los verá más claramente. Puede imprimir cualquier fotografía al tamaño que quiera, pero obviamente llegará a un punto en el que esos píxeles empezarán a verse. De hecho, incluso si no se ven directamente, es posible ver que los detalles de la imagen empiezan a romperse.

Tamaños de impresión máximos

Puede imaginarse cuándo empezará a pasar con un poco de matemática simple (no se rinda ahora, de verdad que es matemática simple). Digamos que hace una impresión de 6×4 pulgadas a partir de una imagen de una réflex de seis megapíxeles. ¿Recuerda que la imagen mide 3008 píxeles de ancho? Si dibide el número de píxeles (3008) por ancho de la impresión (en pulgadas), le da 500 píxeles por pulgada (más o menos – no vamos a preocuparnos por un píxel). Esta es la resolución de la impresión, que es otro tema y no algo en lo que tengamos que pensar aquí. Con todos esos píxeles por pulgada va ha conseguir una fotografía muy definida y no podrá ver los píxeles individuales. De hecho, la mayoría de expertos en fotografía consideran que una resolución de impresión de 300 píxeles por pulgada es la ideal para las impresiones fotográficas. (Se ha convertido en una práctica en común denominandolo puntos por pulgada). Un par de minutos con una calculadora nos dice que nuestra fotografía de seis megapíxeles impresa a 300 ppp producirá una una impresión de 10×6’7 pulgadas. Ver más información del artículo

Joel-Peter Witkin.

2012.04.18

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

ESCRITO POR JAVIER CASADO.

Texto extraído en Abril de 2012. Es por contextualizar la entrevista.

Crea imágenes muy inquietantes con modelos poco habituales: gente con deformidades físicas, enanos, transexuales, aficionados al sadomaso y, lo que más jaleo provoca, cadáveres o partes de ellos.

>Nació en Nueva York en 1939>Fue fotógrafo militar entre 1961 y 1964>Solo utiliza métodos de la fotografía tradicional>Se declara católico.

Joel-Peter Witkin tiene seis años sale de casa con su madre y su hermano gemelo Joreome para ir a misa. Brutalmente, tres coches cargados con otras tantas familias chocan enfrente de ellos y una niña resulta decapitada. Su cabeza rueda por la calle hasta los pies de Joel-Peter, que en vez de salir corriendo se agacha para tocarla e intenta hablarle, pero alguien le agarra y se lo lleva de allí. Estamos en Brooklyn y Estados Unidos acaba de despachar la II guerra mundial soltando dos bombas atómicas sobre Japón.

Ese niño se ha convertido en un autor clásico de la fotografía del siglo XX, que sigue sorprendiendo en el XXI con el romanticismo macabro y fascinante de sus obras. Su obra puede verse ahora en París, en una muestra que recoge la Biblioteca Nacional de Francia hasta el 1 de julio. Hablamos con el autor cuando está en su casa en Nuevo México, positivando día y noche las imágenes para la exposición. Soy uno de los pocos fotógrafos que hace sus propias impresiones”, dice.

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Human.

2012.04.17

Un libro antológico sobre la obra de Jorge Rueda.

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: Human, de la editorial Lugwerg en castellano.

AUTOR: Jorge Rueda.

La obra de Jorge Rueda nunca ha pasado desapercibida, y menos desde el primer momento en que vio la luz en la revista de fotografía de vanguardia ‘Nueva lente’. Dicha revista, fundada en 1950 y dirigida por el propio Rueda durante los años 75 y 79, sirvió de escaparate para difundir la creación fotográfica española de los años setenta. Siendo Jorge Rueda uno de las fotógrafos más controvertidos y provocadores de la transición española, Lunwerg ha decidido editar un libro de más de doscientas páginas en las que repasa la trayectoria artística del inclasificable Rueda. Claramente influenciado por el surrealismo, Rueda empezó trabajando en blanco y negro y pronto incluyó el fotomontaje en en su proceso creativo, en un momento en el que el Photoshop ni siquiera se había ideado. De ahí lo sorprendente de sus imágenes, quizás demasiado modernas y transgresoras para su época. Sus fotografías en color llevaron al extremo su pasión por el mal gusto estético rompieron con todo lo hecho hasta el momento en nuestro país. Si hay alguna palabra que defina con exactitud la obra de este fotógrafo que se avanzó a su tiempo esa es ‘Kitsch’, un término que hoy en día esta ya algo gastado pero que en los años 70 a penas había penetrado en el vocabulario de nuestra lengua castiza. Fiel a sus principio estéticos, Jorge Rueda nuca se ha separado se su pasado, y lo demuestran las fotografías más actuales de ‘Human’, absolutamente continuistas respecto a las producidas en los primeros años de su carrera artísticas.

 

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Un viaje de Benjamin Kaufmann en compañía de Alton Hetariki.

2012.04.13

 

 

 

REVISTA VIEW OF THE TIMES: http://www.viewofthetimes.com/

FOTÓGRAFO BENJAMIN KAUFMANN: http://www.benjaminkaufmann.com/

ESTILISTA ALTON HETARIKI: http://www.phamousartists.com/

MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA DANIEL RULL PARA CHANEL Y MODELO VICKY ANDREN.

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OUKA LEELE. 10 cosas que me hacen feliz.

2012.04.11

TEXO LITERAL DE LA REVISTA “AD ARCUITECTURAL DIGEST”: http://www.revistaad.es/

ESCRITO POR ISABEL MARGALEJO.

FOTÓGRAFA OUKA LEELE: http://www.oukaleele.com/

Detrás de la cámara y ese nombre sonoro se esconde Bárbara Allende, una fotógrafa con su mirada personalísima que traslada a toda su vida, incluida la doméstica.

1. MI CASA: Es como mi propia piel, mi cabaña. Es también mi lugar de trabajo, tan pronto estoy pelando patatas, como mezclando pinturas, recortando una foto o charlando con mi hija. Vivo en ella desde 1982. Es un ático muy tranquilo, práctico y desgastado por los animales, tres perros y dos gatos que nos animan y nos hacen disfrutar con sus ocurrencias y travesuras.

2. MI DORMITORIO. Mi cama es un colchón sobre el suelo con sábanas de colores vivos. Está en un altillo, encima del salón que tiene techos muy altos. Cuando quiero huir del mundo subo y no hay quien me saque. Leo, escribo y veo el cielo por la ventana.

3. DISFRUTO PINTANDO Y COCINANDO, y en cuanto puedo, toco el piano. El día remoto en que consigo sentarme y hacer punto es una maravilla, pero eso pasa cada diez años, más o menos.

4. LA MÚSICA. En mi casa el arte nos empacha, la vida ya es es un arte en sí. No hay obras mías —excepto algunos dibujos que pego en los dinteles o en la cocina— ni de nadie, así que nuestro mejor adorno es la música. Mi hija toca el arpa y yo tengo un piano de pared, y ambos tienen un lugar preferente en el salón.

5. El ROJO PASIÓN. Es, sin duda, mi color preferido, si pongo una tela encima del sofá no lo dudo dos veces, roja.

6. UN DISEÑO GENIAL. La silla de enea, su inventor es un genio. Pero estoy tan metida en mi trabajo que no me fijo en el diseño.

7. ¿MI DEBILIDAD? LOS LIBROS. Andan por todas partes, en estanterías, apilados en el suelo, ya no hay donde guardarlos. Tengo muchos de arte y fotografía, bastante ensayo y poquísima novela. Compro de medicina natural, que me interesa mucho.

8. URBANITA CONVENCIDA. Me encanta vivir en el centro de Madrid porque puedo ir a todas partes andando y hacer vida de pueblo, callejear, tiendear o ir a El Prado, mi museo preferido. Pero si me mudara me iría al campo, a un bosque o pegada a él. Los bosques son un lugar sagrado. Son mi catedral.

9. MI TERRAZA. Tengo pequeños limoneros en macetas, hamacas de lado a lado y desde ella se divisa medio Madrid.

10. ANTI-TECNOLOGÍA. Lo más high-tech que poseo es el programa Photoshop.

 

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Fotógrafos de desnudos: Algunos ejemplos.

2012.04.08

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 13 “EL RETRATO Y LA FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Desde 1847 el desnudo también ha sido objetivo de la representación fotográfica. Los primeros fotógrafos de desnudo fueron Philippe Debussy, Eugène Delacroix (el pintor usaba estas fotografías como estudio para sus cuadros), Eugène Durieu y Bruno Braquehais. Los mismos Alfred Stieglitz y Edward Weston se aplicaron en la fotografía de desnudo, llevándola claramente a altísimos niveles de perfección técnica.

VON GLOEDEN: (1856-19319 Wilhelm von Gloeden fue uno de los primeros fotógrafos de desnudo que se interesó por la representación de la desnudez masculina.

Retrato de Patti Smith realizado por Robert Mapplethorpe.

ROBERT MALPPLETHORE: Es uno de los fotógrafos más conocidos en lo que respecta la fotografía de desnudo. Su visión del cuerpo desnudo tiene un tono provocador y explícito. Sus imágenes están realizadas principalmente es estudio, con luces que tieden a esculpir los cuerpos y subrayar el aspecto material y físico del desnudo. Realizó retratos de personajes que sucesivamente se volvieron famosos (como Andy Warhol, Deborah Harry, Patti Smith), homosexuales en actitudes sadomaso. Malpplethore representa la cultura homosexual de Nueva York, realiza numerosos estudios de desnudo de género homoerótico ty una serie de imágenes que retratan la desnudez andrógina de la fisicoculturista Lisa Lyon. De este modo Mapplethorpe rompe con la tradición que veía al desnudo como representación idealizada del cuerpo humano en línea con la tradición clásica. La intención de sus fotos fue la de liberar la estética de una serie de tabúes que obstaculizaban el camino de la fotografía.

BETTINA RHEIMS: Es famosa por sus desnudos ambientados en su trabajo Chambre Close logró un éxito mundial.

HELMUT NEWTON: Un de los fotógrafos más conocidos cuando se habla de la fotografía de desnudo es Helmut Newton. Sus imágenes se caracterizan por su estilo menos provocador y más tendente a una estética endulzada y elegante. Apoyado por una gran habilidad técnica realiza desnudos perfectos y casi idealizados, donde se encuentran componentes ligeramente fetichistas, invadidos de un erotismo difuso y nunca agresivo. Su notoriedad llega con la serie Big Nudes de 1980.

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Philippe González. Blog Instagramers.

2012.04.06

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

TEXTO NOELIA SASTRE Y FOTO LUIS DE LAS SALAS.

Creador del blog y la comunidad instagramers: “instagram manejará la información gráfica mundial”

Los dos chicos que crearon Instagram en San Francisco en 2010 consiguieron 100.000 seguidores el primer fin de semana. Enamorados de la fotografía vintage, encontraron la formula perfecta para crear la Polaroid de las redes sociales. Sacas la foto, la filtras, le pones un título y en cuestión de segundos pueden verla miles de personas en el mundo. Hoy tiene millones de usuarios que suben 50 fotos por segundo. Y España está entre los cinco países más activos. Philippe González se enganchó desde el minuto uno. Tanto le gustó que en enero de 2011 creó instagramers.com, con tutoriales y todas las claves para triunfar en esta aplicación para iPhone. La primera quedada de instagramers surgió en Barcelona. Hoy su blog es una referencia con más de 270 grupos en el planeta, de Filipinas a Sudáfrica.

¿Que tiene instagram que con sólo un año y medio de vida ha conseguido 25 millones de usuarios? Es gratuita y muy sencilla. Sacas una foto, la filtras, la subes, la compartes con todo el mundo ¡y nunca falla! Eso es muy importante. Es el Twitter  de las fotos. Además los filtros vintage están muy de moda. Recuerdan a la Polaroid de nuestros padres. A diferencia de otras aplicacines como Hipstamatic, Instagram dio el salto a lo social y esa fue la clave.

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Chema Madoz. La belleza de la confusión.

2012.04.05

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

CHEMA MADOZ: http://www.chemamadoz.com/

BORRAR LAS FRONTERAS, establecer nuevos códigos, romper con lo útil, hacer visibles los sueños y romper las reglas establecidas es una de las posibilidades del arte. Seguros de nosotros, nombramos y reconocemos las cosas porque anteriormente otros les dieron nombres.
Chema Madoz reconvierte los objetos para ofrecérnoslos nuevos a nuestros ojos. Si tienen algo en común es su inutilidad después de que hayan sido reciclados. Puede que Chema Madoz sea un fotógrafo puro, un neosurrealista o un artista conceptual, pero de lo que no cabe duda es que es un artista fronterizo, un irónico sin cinismo que recoge varios estilos para mezclarlos con su fantasía y convocar a la gente entre las orillas. Realidad e irrealidad son su juego; ambigüedad y belleza su resultado.
Existen objetos que por su excesiva presencia ya no los vemos, se nos presentan demasiado obvios, demasiado cotidianos. Este fotógrafo, con cosas comúnes crea esculturas, demostrando que la verdad entera siempre genera un exceso, una situación que con violencia resume todo, acerca de cualquier cosa Las cosas no son como son, sino como nosotros las vemos o como nos las hacen ver. Lo auténtico raramente es verdad y raramente existe. lnventamos y soñamos para vivir. El inventar, el repensar objetos son actos que devienen gestos para desmentir lo que simplemente existe.

Las ilustraciones de Takashi Murakami.

2012.04.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA  50_EASY, Nº13: http://www.welovecolophon.com

TEXTO DE ITZIAR BADÍA.

Contemplar la obra de Takasshi Murakami lleva acompañada una sonrisa de forma inevitable, una sensación de placer naif que logra despertar al niño adormecido que flota en nuestro interior. Gozamos al ver como se despereza y se frota los ojos incrédulo ante semejante despliegue mágico de formas y colores. Ganas de adentrarse en este nuevo universo inanimado, repleto de flores que cantan a nuestro paso y buscar refugio bajo una de las setas que danzan en espirar acompañando este festival de colores y figuras.

Takashi Murakami es uno de los principales representantes del denominado “nuevo arte japonés” que ha elevado el mundo de dibujos animados (maga en japonés), al rango de delicada perfección y material de culto. La belleza de sus dibujos es el resultado de una formidable integración de pintura tradicional japonesa (figuras y colores planos) con los códigos y posibilidades de animación que introdujo la tecnología digital. Es esta personal sublimación y renovación de la herencia artística lo que define la obra Murakami.

Su nombre está directamente ligado al término otaku, bajo el cual se identifican en versión nipona todos los genuinos freaks de la animación y videojuegos de estética japonesa. Como criatura y alter ego de Murakami es imprescindible conocer a Mr. Bob, un personaje entre cándido y monstruoso, según el gesto que se le antoje. Hay motivos que se repiten una y otra vez en la obra tanto pictórica como escultórica de Mirkami: setas, ojos, globos, y ante todo flores. ¿De dónde proviene esta debilidad floral del artista japonés? Según sus propias palabras “Las flores son preciosas, y a la vez tiene un fuerte componente sexual. Tienen el mismo poder de sección que el rostro humano. Es más, he considerado más de una vez crear un personaje que combine en su rostro rasgos humanos y florales”. Sencillamente habrá que esperarlo. Y es probable que salga de su Hiropon Factory, una escuela de arte creada por el propio Murakami con sede en Tokio y Brooklin, inspirada directamente en el mítico Studio 54 de sello Warhol. La Hiropon Factory es a su vez el centro comercial desde el que se distribuyen todo tipo de productos y fetiches aptos para auténticos otaku.

TEXTO DE ADAN DE HAVENON

El arte de Takashi Murakami es, sin duda lindo, pero a punto de desmayarse no confía en su primer instinto. Hay mucho más en su rica imaginería visual de lo que parece. Afortunadamente, su popularidad ha crecido como en los últimos años que los museos han empezado a montar exposiciones. El trabajo de Murakami se basa en la animación japonesa estilo cómico en un “Libro de Otaku y Manga”, la molestia de los padres de todo el país del sol naciente. Lejos de ser una copia más, Murakami explora el legado de adultos de su adolescente intensa obsesión. Los lienzos con colores monocromáticos y figuras juguetonas son emblemas de la cultura pop, pero Murakami les lleva fuera de contexto y de una exageración lúdica, a veces incluso hasta el punto del ridículo. Warhol piensa leer cómics en Tokio.

 

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