Moholy-Nagy. El artista pluridisciplinar.

2012.02.04

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

László Moholy-Nager nació en Bácsborsód (Hungría) en el año 1895. Cursa estudios de Derecho en la universidad de Budapest y durante esos mismos años escribe en diversas revista de vanguardia, varios poemas titulados Licht-Visión. Es herido en el frente ruso y durante su convalecencia en Odessa en 1919, decide consagrarse definitivamente a la actividad artística. Se adhiere al grupo húngaro de vanguardia MA. Deja su país y se instala en Viena en 1921 y allí conoce a Hannan Höch. Esta le regala un fotomontaje hecho por ella, lo que le llevará a interesarse por esta técnica innovadora. Más tarde abandona Viena y se instala en Berlín donde se muestra fascinado por la tecnología, por el constructivismo y el dadá. Sus primeros collages y pinturas geométricas datan de esta época berlinesa.
Contrae matrimonio con la fotógrafa Lucía Schultz que es quien le inicia en la fotografía y comienza a realizar sus primeros fotomontajes.
Cuando se crea la República de Wéimar, Walter Gropius, el cual dirige la célebre escuela de Bauhaus, le llama como profesor y es allí, en 1925, donde se publica el mítico Pintura, fotografía y film que marcará un hito en estas disciplinas artísticas. A partir de ese momento determinado abandona la Bauhaus para dedicarse al collage y a la decoración teatral en Berlín, en el célebre teatro Piscator.
Es el inventor del término cinetismo y en ese momento realizar alrededor de ocho filmes. Cuando se traslada a vivir ala ciudad de Amsterdam comienza a probar el uso del color tanto en cine como en fotografía. Su sed de aprendizaje y causas de diversa índole hacen de Moholy-Nagy el eterno exiliado, las residencias en diferentes ciudades sesuceden y recala en Londres, ciudad en la que trabaja como grafista en películas y hace ilustración para algunos reportajes. En 1946 emigra a los Estados Unidos donde volverá a la enseñanza en la nueva Bauhaus que se crea en Chicago y cuando ésta se cierra, crea su propia escuela, School of Design of Chicago, con la ayuda de su segunda esposa, Sibyl. Es en estos años en los que se consagra a escirbir su gran obra teórica: Vision in Motion, que aparecerá después de morir de leucemia en esa ciudad norteamericana.
Para Moholy-Nagy, “no existe imagen más sorprendente ni más simple que la secuencia fotográfica natural y orgánica. (…) Por el sentido de sus partes, separadas pero inseparables, una secuencia fotográfica adquiere al mismo tiempo la fuerza de un arma y el lirismo de la ternura”.
Moholy-Nagy es el proptotipo de artista de los años 20, años del regreso del Orden, de las búsquedas y alianzas entre el arte y la industria.

En armonía o contraste. Mario Testino.

2012.02.02

PUBLICACIÓN VOGUE (ESPAÑA): http://www.vogue.es

FOTÓGRAFO MARIO TESTINO: http://www.mariotestino.com/

ESTILISTA PAUL CABACO: http://models.com/people/paul-cavaco

MAQUILLAJE TOM PECHEUX, PELUQUERÍA ORIBE , MODELOS EDITA VILKEVICUITE Y SESSILEE LOPEZ.

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Técnica y acercamiento. Neil Snape.

2012.01.31

ENTREVISTA REALIZADA POR REVISTA DIGITALFOTO.

FOTÓGRAFO NEIL SNAPE: http://www.neilsnape.com/

DF: Usted captura tanto imágenes de belleza como naturalezas muertas y productos, ¿en que se diferencia  su acercamiento a la iluminación en cada caso? NS: En belleza, la iluminación tiene que mantener unas sombras definidas, mientras que en las naturalezas muertas hay que trabajar más con los reflejos y las superficies de las texturas desiguales.

DF: ¿Cuales son sus principales preocupaciones al captura una imagen de belleza? NS: La solución más fácil es colocar una luz amplia en relación al modelo, pero eso es también lo menos interesante porque de ese tipo de iluminación no surge nada mágico. Yo intento siempre intento usar primero fuentes circulares, incluso ortogonales. Después de colocar la fuente circular principal pueden añadir luces desnudas. Para mantener la sombras espectaculares se coloca un disco embellecedor lo suficientemente alto como para ajustar las sombras, pero siempre al borde de los ojos.

DF: ¿En qué se diferencia esta iluminación de la de sus naturalezas muerta y productos? NS: Las naturalezas muertas suelen centrarse en los reflejos de las luces, así que hay que pensar mucho en el modificador. Para conseguir colores puros hay que usar un foco duro, pero que no cambie la apariencia de la sombras, ni de los reflejos.

DF: ¿Que consejos le daría a alguien que quiera mejorar sus fotografías? NS: ¡Saque siempre la tapa del objetivo para capturar! Es broma. Para iluminar imágenes de belleza en el estudio, empiece con un foco bastante grande, y juegue con una iluminación corta con el clásico claro sobre oscuro y oscuro sobre claro. Eso es lo que debía hacer al empezar, la mayoría de las fotografías sencillas pero impactantes son las capturadas con esa técnica de iluminación simple y transparente.

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The Frozen Fountain.

2012.01.29

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

ESCRITO POR NURIA CORTÉS Y FOTOGRAFÍA DE ALBERTO PAREDES.

Diseño holandés para llevarse de vuelta a casa.

Si buscas un recuerdo con estilo que llevarte de Ámsterdam, lo suyo es acercarse al número 654 de Prinsengracht, donde se encuentra The Frozen Fountain. Más de 25 años lleva la tienda ofreciendo lo mejor del diseño nacional, ya sea el trabajo de las nuevas promesas que salen de las academias de arte del país, como el de creadores reconocidos de la talla de Piet Hein Eek o Marcel Wanders. En los dos edificios que ocupa se pueden encontrar desde objetos puramente decorativos hasta muebles, arte contemporáneo y accesorios de vestimenta. Aunque también ofrece diseño internacional, con marcas como Zonnotta, Cappellini o Vitra, su oferta más interesante lleva el sello holandés.

En su oferta, desde los característicos armarios, sillas y cómodas de Piet Hein Eek a los originales diseños del también holandés Marcel Wanders, cuya Knotted Chair o Silla tejida le trajo el reconocimiento internacional. En la tienda, donde convive el diseño minimalista con candelabros revirados y asientos de estilo rococó, también hay un espacio predominante para la fotografía, pudiéndose encontrar trabajos de reputados fotógrafos como Anton Corbijn o Teun Hocks. Ofrecen una colección única de mantelería con diseños de Guido Geelen, Hella Jongerius y Studio Job entre otros, además de las salidas del Museo Textil de Holanda, con quien la tienda tiene exclusividad. WWW.FROZENFOUNTAIN.NL

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El ferrotipo.

2012.01.27

El ferrotipo era un sistema de positivado directo que se comenzó a desarrollar en un principio en Francia sobre 1853, por el fotógrafo y profesor Adolph Alexandre Martin (1924-1825), a partir del proceso del colodión. En Estados Unidos, el profesor L. Hamilton Smith (1819-1903), recogió la idea de Martin y experimentó con la toma de fotografías positivas de colodión, que resultaría posteriormente el llamado ferrotipo patentándolo en 1956.

Este proceso antiguo estuvo comercialmente en uso hasta 1920, aunque desde 1915 entró en declive.

Las llamadas Hidden Mothers (Madres ocultas) crearon todo un género en los albores de la fotografía con los ferrotipos.

El ferrotipo es una variante del proceso del colodión húmedo y al igual que el daguerrotipo, la imagen se fijaba en una placa de metal expuesta en la cámara, pero el metal era acero (hojalata) o hierro en lugar de cobre. Esta placa se lacada por ambas caras con barniz japonés negro o café en lugar de plata. Luego se sensibilizaba con colodión y nitrato de plata justo antes de la exposición en la cámara oscura. El ferrotipo era un negativo en su formación química y aparecía como positivo debido a la placa negra.

Dos empresas estadounidenses empezaron la producción de placas de metal lacada. Peter Neff obtuvo la patente del profesor Smith, llamando a su producto “melainotype” (del término griego melanio que significa oscuro o negro) y su rival, Victor Griswold, lo llamó ferrotipo (del término latín ferro que significa hierro).

Las imágenes obtenidas eran bastante planas predominando los tonos grisáceos y pocos contrastados. En ocasiones se barnizaban para aumenta el grado de protección y darle cierto brillo.

Con frecuencia reproduce el sistema “paquete daguerriano” (una especie de estuche) hasta el año 1865, llegándose a confundir con los ambrotipos que se mostraban de esta forma. Después era habitual su presentación en una especie de ventana recortada de papel, con formato de carta de visita y en ocasiones insertos en álbumes de estilo modernista.

La poca fragilidad del metal que soporta la imagen, la facilidad para la toma, así como su precio asequible, le dieron popularidad a este proceso fotográfico e hicieron posible que a diferencia de otros “positivos directos de cámara”, su uso comercial se prolongase hasta las primeras décadas del S. XX. Durante la guerra civil norteamericana fue la forma de reproducción más demandada. Era un soporte muy ligero por ser una lámina muy fina y aguantaba los golpes y maltratos del correo. Por eso miles de soldados se hacen un retrato para sus familiares.

El ferrotipo nunca alcanzó la calidad de la imagen que se obtenía con el daguerrotipo.

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Barros y piedras con Richard Burbrigge.

2012.01.27

FOTOS DE UN REPORTAJE DE LA REVISTA VOGUE (ESPAÑA): http://www.vogue.es/

FOTÓGRAFO RICHARD BURBRIGGE: http://www.artandcommerce.com/

Richard es un maestro técnicamente ambicioso que explora el medio de la alquimia fotográfica, transformando a su manera los temas, siendo un fotógrafo experimental, elegante y audaz en las imágenes de belleza (beauty). Su inventivo trabajo editorial aparece en Self-Service, Vogue Italia, i-D y V. Burbrigge realiza retratos de las principales figuras del arte, literatura y entretenimiento con su distinto estilo fotográfico.

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La exposición y la creatividad.

2012.01.25

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “HAGA, RETOQUE  Y COMPARTA EN INTERNET SUS FOTOS Y VÍDEOS” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/ Y PEQUEÑO APUNTE  EXPLICATIVO MIO.

↓ Fotografía de Paula Juan Altemir.

La fotografía de paisaje es quizás el género más practicado por los fotógrafos aficionados. No hay viaje, no hay excursión que no cuente con una toma del ambiente. Aunque no se trata de un género precisamente fácil: la banalidad siempre está acechando y riesgo de llevarse a casa una insignificante postal (quizás técnicamente correcta pero incapaz de transmitir la emoción experimentada frente a la grandeza de la naturaleza) siempre está pendiente. En este manual las emociones técnicas básicas estarán acompañadas por sugerencias útiles y consejos para transformar un simple toma de un paisaje en en una fotografía digna de admirar.

Algunos fotógrafos afirman que fotografiar el paisaje es como ir a pescar. Hay que quedarse tranquilos, esperar la luz adecuada, considerar con calma el encuadre, enfocar con precisión, usar focales fijas que garanticen una calidad mejor respecto a los zoom. Empleando un trípode se puede utilizar una sensibilidad baja (ya sea con película o en digital) garantizando la máxima nitidez.

A pesar de eso, a menudo ocurre que gran parte de las fotografías de paisaje tomadas por principiantes resultan banales, bastante alejadas escena. El problema es al mismo tiempo técnico y de composición.

Reconozco que esta foto es mía y hago autocrítica. Aunque no soy fotógrafa aficionada, no voy ha dar muchos paseos para retratar paisajes porque no es un género que me fascine, notándose mi desentreno. Cuando cita este artículo “la banalidad”, reconozco que una ría con su barca puede ser muy recurrente, pero por lo menos no he realizado un atardecer. Pero en lo que falla es que esta foto, la toma, se realizada muy lejos de la escena sin transmitir nada de emoción. También dicho en el anterior párrafo. Fotografía de Paula Juan en Cantabría.

La gestión de la luz en el paisaje no es sencilla: cuando están presentes contrastes elevados es fácil quemar las luces altas o “tapar” las sombras, y a menudo esto ocurre porque el principiante no conoce a fondo el principio de la exposición.

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Harold Davis. Iluminación creativa.

2012.01.23

Aprenda a sacarle el máximo provecho a la luz natural.

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: Iluminación creativa, de la editorial Anaya Multimedia en castellano.

AUTOR: Harold Davis

El fotógrafo manipula o crea, hasta cierto punto, la luz de una escena. Por lo tanto, una de sus habilidades más importantes pasa por interpretar la luz de un modo preciso y creativo. Si no estimula y entrena esta cualidad no llegará a dominar la técnica de la iluminación. En fotografía es importante, tanto la exposición como la iluminación. Su rango de participación oscila entre ninguna o completa.

Este libro analiza el impacto de la iluminación, tanto si utiliza luz natural para fotografiar un paisaje, como si emplea unidades de flash y cajas de luz en el estudio. En cada fotografía del libro se detalla la longitud focal de la lente utilizada, la temperatura, la velocidad de obturación, el ISO y la historia que hay detrás de la imagen. Con este libro aprenderá a utilizar los parámetros de la exposición que tienen mayor impacto en la iluminación y los métodos más acertados para aprovechar la luz del ambiente. Conocerá cómo planificar sus sesiones fotográficas según el tipo de día y estación del año. Descubrirá cuáles son las mejores técnicas para captar la luz de objetos en movimientos.

Harold Davis es un reconocido fotógrafo profesional, autor de más de 30 libros de fotografía y con varios premios a sus espaldas, así como autor del blog www.photoblog2.com.

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Moda & surrealismo.

2012.01.21

TEXTO LITERAL REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

ESCRITO POR LAURENT DOMBROWICZ Y FOTOS, D.R.

La moda escapa de la rutina y se adentra en el subconsciente siguiendo la estela de Bretón, Dalí y Elsa Schiaparelli. Una tendencia que desafía la lógica.

Si la magia opera de forma cíclica, la moda se muestra más brillante cuando escapa a las reglas de la elegancia y, a veces, del buen gusto. De esta forma, en el momento en que la creación textil se asoció al surrealismo, la varita de las tendencias dio a la luz a una pareja de gran longevidad y creatividad. El movimiento surrealista, nacido en los años 20 de la mano de André Bréton y de un círculo de espíritus iluminados, identificó claramente este vínculo. Los intercambios entre moda y surrealismo fueron en ambos sentidos. La palabra clave: escapar a lo cotidiano, a la rutina, al modelo burgués. ¿Las formas de llegar allí? La insurrección perpetua, la puesta en duda de la razón y el cuerpo y la celebración de azar y de la ilusión.

A la izquierda, paisaje de un cuadro de Salvador Dalí y abrigo de ocho cajones de Elsa Schiaparelli, fotografiado por Cecil Beaton en 1936. A la derecha, todo el espíritu del subrrealismo de Schiaparelli en este sombrero Mystère con un broche de diamantes de Van Cleef & Arpels a modo de ceja (1949)

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El cielo y las estrellas.

2012.01.19

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO DIGITAL: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR BENITO R. MALLOL.

Las fotografías son de Shutterstock-Vlue.

Fotografiar las estelas de luz dejadas por las estrellas es una técnica relativamente sencilla y al alcance de todos. Sin embargo, los resultados pueden ser realmente impactantes, consiguiéndose maravillosos y atractivos diseños. El efecto en el que se basa esta técnica es también sencillo de comprender: como la Tierra gira sobre si misma, una cámara en exposición captará el movimiento circular aparente de las estrellas, con la excepción de la Estrella Polar (hemisferio Norte), que aparecerá en el fotograma prácticamente fija y en el centro de círculos los concéntricos.

PLANIFICACIÓN: La planificación juega un papel importante para conseguir imágenes interesantes con esta técnica. En primer lugar debemos comprobar que disponemos de suficiente memoria para nuestra cámara, baterías cargadas y hacernos con una buena linterna para montar correctamente la máquina y el trípode (también imprescindible) así como permitirnos volver al coche sin desagradables tropiezos.

Otro aspectos fundamental es la elección del sitio para la realización de las tomas. Para lograr unas buenas fotos tenemos que huir de los núcleos urbanos contaminados por la luz artificial y atmósfera con polución. También debemos prestar especial atención a la información meteorológica disponible para el lugar, con el fin de asegurarnos una noche clara y sin presencia de nubes. La elección de un primer plano adecuado, por otra parte, es una cuestión personal, pudiendo recurrir a motivos naturales (árboles, rocas, montañas, etc.) o artificiales (graneros, igliesas, molinos de viento, etc.).

Si entre nuestros pertrechos incorporamos una brújula nos podrá ayudar en la ubicación de la estrella Polar. Una buena planificación nos exige actuar también sin premuras. Por ello, es preferible llegar al sitio elegido con luz diurna todavía disponible, lo que nos facilitará concentrarnos, así como componer y enfocar la imagen. La robustez del trípode que usemos es esencial, dado que no podemos permitirnos el lujo de que la cámara se mueva mientras se encuentra en exposición. Algunos modelos de trípode permiten colgar en la parte inferior del mismo la bolsa de nuestro Ver más información del artículo

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