Eugenio Ampudia: Operario de ideas devoradoras.

2011.12.26

PARTE DE UN TEXTO DE LA PUBLICACIÓN “24-k MAGAZINE”

ESCRITO POR GUILLERMO ESPINOSA

Eugenio Ampudia comenzó a exhibir su trabajo allá por 1987 y, sin embargo, hoy se le vincula más con una generación posterior, posiblemente por su postura tecnológicamente avanzada y su particular mirada. El propio artista, siempre muy crítico con los entresijos del mundo del arte y también con el propio proceso de creación y sus vinculaciones, confiesa sentirse hoy sorprendidamente mimado por las instituciones españolas. Escultor, pintor, videocreador, instalador, artista digital y comisario (su capacitación tecnológica lo ha impulsado a ello: fue uno de los pioneros del net-art y el arte en formato digital de este país), Ampudia también es fundador de Operariodeideas, colectivo de comisarios que llevan una década avanzando en este país el porvenir del arte contemporáneo.
Eugenio es, además, uno de los artistas que más utiliza la yuxtaposición de representaciones de la realidad y simulacros a través de imágenes proyectadas. Igual coloca un cielo en una mesa que incendia cualquier espacio. Todo visto bajo una percepción ambivalente de la imagen. Y el resultado, sí, aumenta cualquier temperatura: real y puramente intelectual.

Tu trabaio ha hablado muchas veces del propio proceso artístico, de la relación obra de arte-espectador y del sistema del mundo del arte. ¿Ha cambiado esta relación desde que empezaste enlos 80? El aumento de oferta, con la creación de nuevos museos y centros de arte, ha especializado al espectador. Ahora es más avezado y está mucho más implicado. También hay grandes cambios en la producción de las obras, en su exhibición y en las estrategias de los artistas. Aunque sigue dándose un mensaje predominante, una mirada antigua.
Pero, ¿el arte conceptual ha logrado finalmente llegar al público o todavía no? El público ya forma parte del concepto.
¿Qué te interesa del arte emergente hoy? ¿Se han abierto nuevas vías? Me interesa, sobre todo, cómo han cambiado tanto el sistema referencial como el iconográfico con la incorporación de la realidad inmediata al mundo del arte.
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Adrien Rovero.

2011.12.24

PARTE DE UN TEXTO E  IMAGEN DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/magazine/

EDITADO POR JAVIER ABIO Y TEXTO DE TACHY MORA.

DISEÑADOR ADRIEN ROVERO: http://www.adrienrovero.com/

De dónde es: Eclépens (Suiza). Dónde trabaja: Rennens (Suiza). Que ha estudiado y dónde: Diseño de interiores en la ECAL, Ecole cantonale d’art de Lausanne (Suiza). Le concedemos de: Sus exposiciones en la galería Kreo de París y sus colaboraciones con el equipo suizo de diseño Big Game para el Salone Satellite de Mián. Sus curros: Arriba, mesitas de centro Barrel inspiradas en las barricas. A la derecha, taburete Particule, un asiento realizado con astillas de madera apelmazadas y adheridas con resina natural Tanino. Las tres patas, que a su vez configuran el asiento, están hechas con solo un molde. Abajo Saving Grace, una serie de lámparas diseñadas para las bombillas de bajo consumo buscando que la bombilla realce la tulipa y viceversa. La pega trabajar con: Cappellini, Hay, Muuto, Moooi y Luceplan.

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Retro 1965. Polaroid Swinger.

2011.12.18

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA STUFF: http://www.fhm.es/stuff/

Precio en eBay desde 10 €.

¿Cual es la historia?

Si salieras hoy a comprar una cámara con un presupuesto de unos 10 euros volverías con un modelo más adecuado para apalancar puertas que para sacar fotos. Pero en 1965 te hubiera llegado para Swinger, una de las cámaras más vendidas de todos los tiempos.

¿Por qué debería querer una?

Fue la primera cámara instantánea que empleó la película agitable de Polaroid que se revelaba ante tus ojos. Además, su diseño extravagante llamaba la atención de cualquier hipster en un radio de un Kilómetro. Incluso tiene una preciosa ventanita en la parte superior que muestra la palabra “YES” cuando la apertura está preparada para dejar que entre la luz suficiente. Gracias a la actual popularidad de Hipstamatic, Swankolab y otras aplicaciones lomográficas, comprar una Swinger es poder captar la vibraciones de una cámara retro, aunque tiene algunos inconvenientes.

¿Qué tengo que buscar?

Polaroid dejó de fabricar hace mucho el rollo de película 20-Series que usaba la Swinger, o sea que si te compras una quizá se quede en accesorio de moda o decorativo. La batería se integraba en la película, así que si no tiene, ni siquiera se encenderá. Algunos frikis de la fotografía que hay por internet afirman que se puede modificar para que acepte películas de 600 y 120, pero Hipstamatic solo cuesta 1,59 €, así que si lo haces es por amor al arte, no por ser un chollo.

TOP CUATRO Nuestras cámaras instantáneas favoritas

Polaroid Two o Polaroid PoGo™ Tecnológica vuelta de tuerca a la fotografía instantánea: funciona calentando un papel especial sin tinta, por lo que las fotos de 5 x 8 cm están listas nada más salir desde el lateral.

Fuji Instax 210 Wide Quizá no sea la cámara más bonita del mundo, pero sus fotos super panorámicas, el panel de control LCD y los modos de disparo doble lo compensan.

Lomo LC-A Instant Back+ El genial complemento Instant Back+ se acopla a la parte posterior de tu LC-A y la convierte en una cámara instantánea. También disponible para otros modelos lomo.

Polaroid 300 Barata, jovial y aparatosa, la 300 emplea la clásica película Plaroid para lanzar fotos tamaño tarjeta de visita antes de lo que tardas en decir “pero cómo las subo a facebook”.

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Introducción a la fotografía callejera.

2011.12.16

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “LA FOTOGRAFÍA CALLEJERA Y LA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

UN POCO DE HISTORIA.

La fotografía callejera es un género ilustre. La mayoría de los fotográfos que se dedicaron a este género trabajaron entre el principio y la segunda mitad del siglo XX, como consecuencia de la aparición de las cámaras portátiles.

HENRI CARTIER-BRESSON Henri Cartier-Bresson es posiblemente el reportero gráfico más famoso, el padre de la teoría del momento decisivo: el instante exacto en el que un momento antes o después la fotografía perdería su significado. En sus comienzos fue pintor y más adelante asistente de dirección; Cartier-Bresson descubrió relativamente tarde su vocación por la fotografía, después de haber adquirido una Leica de telémetro que se convertiría en su compañera de fatigas durante muchos años. Después de militar en la resistencia francesa trabajó en el cine y fundó, junto a Robert Capa y David Seymour, la famosa agencia Magnum. Viajó mucho, siempre regalando al mundo sus imágenes frescas e inéditas. A finales de los sesenta comenzó a reducir su actividad de reportero para dedicarse a su primer amor: la pintura. Murió en el año 2004.

… Y LOS DEMÁS Junto a Cartier-Bresson, considerado el padre del periodismo gráfico por convención, podemos recordar —por citar sólo algunos nombres— a Robert Frank, Alfred Eisenstaedt, William Eugene Smith, William Eggleston, Brassaï, Willy Ronis, Robert Doisneau, Garry Winogrand y Weegee.

Alfred Eisenstaedt, El beso en Time Square entre el marine y la enfermera mientras se celebra la victoria de los Estados Unidos sobre Japón, Nueva York 1945.

Weegee, como otros reporteros americanos coetáneos suyos, utilizaba aparatos de gran formato que se accionaban con una sola mano: con su Graflex Graphic, equipada con un flash de bulbo gigantesco, inmortalizaba personajes famosos y criminales, sucesos de la calle y delitos, dibujando una imagen de la sociedad de la época desencantada y quizás cínica, pero todavía viva y actual.

Brassaï, húngaro asentado en París, inmortalizado la capital francesa en todos sus aspectos: también de noche o bajo la lluvia, merodeando por las villas, los jardines, los bulevares junto al Sena y las callejuelas de los barrios antiguos.

También Doisneau dedicó su obra a París: sus imágenes, sobre todo las de niños, retratan con ironía y a veces con verdadero humor a la sociedad sencilla y auténtica de la periferia de una gran ciudad.

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Objetos de deseo.

2011.12.14

PUBLICACIÓN GQ: http://www.revistagq.com/

FOTÓGRAFO J.C. DE MARCOS: http://www.jcdemarcos.com/

ESTILISTA JESÚS CICERO: ttp://koalissimo.com/

MODELO OLIVER BAGGERMAN.

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Bar Refaeli.

2011.12.12

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

FOTOGRAFÍA DE  GUY AROCH/TRUNKARCHIVE.COM/

ESCRITO POR GUILLERMO GARCÍA.

Este artículo es del año 2011. Lo digo por el dato de la edad de Bar Rafaeli.

Lleva 10 años entre las modelos más cotizadas del mundo y sólo tiene 26. En su profesión se vive muy deprisa, pero aquí se toma una pausa para que podamos admirarla con el detalle que se merece.

Ver más información del artículo

Directamente desde la nostalgia. Erika Simmons.

2011.12.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN GQ: http://www.revistagq.com/
ESCRITO POR IAGO DAVILA.
WEB DE ERIKA SIMMONS: http://www.iri5.com/

De aquellas ‘Cassettes’…

… estos retratos. Y también los hace con cintas VHS. Erika Simmons inmortaliza a los mitos con las entrañas de los soportes de ayer.

Las esencias más refinadas se guardan en frascos pequeños. ¿Pero dónde se guarda la esencia de Jimi Hendrix? ¿Que envase puede contener la grandeza de Alfred Hichcock? Erika Simmons lo sabe. Esta artista norteamericana residente en Princeton lleva unos cuantos años recuperando del interior de casettes, cintas de VHS o rrollos de película la figura de algunos de los nombres más influyentes de la cultura de nuestro tiempo. Los mencionados Hitchcock y Hendrix, Lennon, Dylan, Debbie Harry… todos han vuelto a la vida o han quedado inmortalizados en forma de retrato gracias a su maña.

Conocida en el circuito artístico como Iris5, Simmons comenzó hace unos años la serie Ghost in the Machine en su afán por crear metáforas visuales. “Acababa de terminar los estudios y no tenía dinero para materiales, así que pensé utilizar objetos reciclados”, recuerda.

Esta obra recrea la mítica portada del álbum LondonCalling de The Clash, en la que Paul Simmonon destroza una guitarra contra el suelo.

En este sentido, aparte de los soportes audiovisuales, experimenta con otros materiales como pelotas de béisbol, reproducciones de cuadros famosos o partituras musicales (impresionante su busto de Mozart elaborado a partir del libreto de las Danzas Alemanas para piano). La primera creación de la serie fue Jimi Hendrix que acompaña estas líneas: “Su pelo me recordaba a la textura de la cinta de las casettes y me atraía la idea de que su fantasma surgiese como el eco de una era psicodélica. Intenté hacer algo que creo que habría sido de su agrado”, nos cuenta la artista.

Entre los espectros que rescata de los materiales de desecho abundan los rockeros, aunque matiza  que  sus gustos musicales son diversos: “Aparte del rock escucho electro, clásica, industrial… De los personajes a los que he retratado a quien más admiro es a Trent Reznor [de Nine Inch Nails]”. Ver más información del artículo

SBTRKT con su vídeo “Wildfire”.

2011.12.08

El vídeo musical del grupo electrónico SBTRKT es fantástico. Todo transcurre en una habitación durante 3 minutos y 36 segundos. Sus encuadres cerrados, sus primeros planos, sus imágenes macro y el centrarse en los pequeños detalles jugando con la profundidad de campo, crea un sensación angustiosa. Su estética descuidada y vintage crea una atmósfera muy particular no siendo casual que la chica sea nipona. Esto hace que sea un contrapunto.

El calor y el sudor son dos elementos muy importantes, por eso la temperatura de color es naranja. Luz muy sencilla que entra a través de la ventana lateral.

Casi parece que el protagonista es el ventilador ¿podría serlo?. Es el que parece darle un poco de aliento a la chica, aunque en realidad no sé si es así. Igual es la máscara sangrante que aparece en el vídeo.

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La sección áurea.

2011.12.07

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

Tiene que conocer las reglas antes de poder romperlas. Estudiamos los conceptos clave que debe conocer para capturar un retrato perfecto.

Existen varias ‘reglas’ que lo pueden ayudar a perfeccionar sus retratos, y sus fotografías en general, así que vale la pena tomarse un tiempo para aprenderlas.

Conocida también como ‘proporción divina’, la sección áurea es una relación definida por el número Π phi (1’618) que lleva siglos siendo usada por los humanos para cualquier cosa, desde construir pirámides hasta crear composiciones equilibradas el en arte. Lo interesante es que esta cifra está interrelacionada con cómo se proporciona el cuerpo humano, y la gente cuyas caras y cuerpos se acercan a esta relación suele ser considerada más atractiva.

La imagen (izquierda) del ejemplo muestra cómo esta relación juega un papel importante en los retratos. Componiendo la imagen con el modelo a la izquierda o la derecha del encuadre, es posible dividir la imagen en tres triángulos de proporciones similares y verá las proporciones donde se cruzan — se llaman puntos singulares— en puntos focales importantes. Intente probar lo mismo con el sujeto en el centro del encuadre, verá que los triángulos no están proporcionados y que los puntos singulares no se corresponden con los aspectos más importantes de la imagen, generalmente provocando que sea menos agradable estéticamente.

Una alternativa es usar la espiral áurea, que es ligeramente más compleja que el método anterior, pero puede ser increíblemente útil. Como en la imagen de la caravana, funciona mejor las composiciones que tienen algo que dirige al ojo hacia el centro del encuadre: en este caso la línea creada por el vehículo, que dirige al espectador hacia la modelo, está colocada descentrada y encaja con la sección áurea.

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U2 en directo.

2011.12.05

He realizado el escaneo con los textos del reportaje, así podemos ver su parte editorial y el como se deberían de colocar las imágenes.

PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/

Fotografía: Adrian Boot y Hugo Mcguinness.

Fotografía de Adrian Boot.

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