Fotografiar pájaros.

2011.08.22

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

Pájaros: Fotografiar pájaros puede ser muy complicado, ya que sus movimientos en el suelo y en el aire pueden ser impredecibles. Obviamente, puede practicar siguiendo a las diferentes especies que pueda ver en su jardín o terraza, tanto desde la casa como desde un escondite, pero si quiere algo más exótico puede encontrar muchas especies atractivas en el zoo o en un centro de aves. En el zoo, intente ir a espectáculos en los que saquen a los pájaros de la jaulas, así podrá capturarlos más fácilmente. Durante las exhibiciones de vuelo, seleccione una velocidad de obturación rápida y practique haciendo panorámicas por delante del pájaro mientras se mueva por el aire, para capturar imágenes dinámicas repletas de movimiento.

Fotografía de Paula Juan Altemir.

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La Bicicleta perdida de Marcel Duchamp.

2011.08.21

TEXTO LITERAL DEL Nº 13 DE LA REVISTA EASY_50

ARTISTA MARCEL DUCHAMP: http://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp

ESCRITO POR RICARDO BADUELL: http://refinerialiteraria.wordpress.com/

En Nueva York, en un rincón del MoMA, se encuentra detenida fa rueda de bicicleta que Marcel Duchamp, entre las dos Guerras Mundiales, plantó invertida sobre un banquito para sorpresa, deleite o desconcierto de sus contemporáneos. Poco antes de la Caída de las Torres, yo mismo me encontraba en Nueva York y en el MoMA, ante esa rueda que otros turistas, a su vez, rodeaban. Bueno, no esa rueda exactamente, sino otra, igual de redonda, explicó la guía, aunque casi seguro no la otra, pensé yo, de la misma bicicleta, sino otra, otra cualquiera, con la que el mismo Duchamp, artesano, rehizo su invención una vez que el original, perdido, hubo rodado fuera de su alcance. Existen fotografías que muestran a una de las dos piezas en la desordenada habitación de Duchamp, compartiendo el azaroso momento con otros adornos, herramientas y objetos de uso diario. Pregunté a la guía del grupo sí la rueda giraba y ella, con la sonrisa de las maestras que han logrado abrir el pico de uno de sus polluelos, giró hacia mí y nos informó a todos que efectivamente ésa era la intención: cuando la rueda se expuso por primera vez se esperaba, contrariamente a lo habitual en este tipo de eventos, que los visitantes se acercaran a la obra y “participasen” poniéndola en acción; algo común en fos tiempos que corren,  ya aturdidos por el concepto de “interactividad”, pero no entonces, cuando empezaba a comprenderse que a los impresionistas había que mirarlos de lejos; de todos modos, en la actuafidad toda participación estaba prohibida, debido al deterioro que el contacto,

Retrato de Marcel Duchamp realizado por Irving Penn.

inevitablemente excesivo, terminaría acarreando al ready-made. Pensé que Duchamp no había reparado el Gran Vidrio, que cualquier obrero manual al menos tan calificado como él (aunque no tan renombrado) podría reconstruir o reponer lo que ya había sido repuesto y, halagado por el anterior reconocimiento de mí perspicacia, observé que aquí la conservación del objeto iba en contra del sentido de la obra. Sin una palabra, con una sonrisa china que la convirtió inmediatamente para mí en la curadora ideal de cualquier muestra, la guia dejó en suspenso ese sentido y en perfecto equilibrio el trabajo def artista y el del museo: crear y animar signos, proteger el legado cultural. Todo había sido dicho entre nosotros: en su estado latente, la rueda giraba; pero era demasiado tarde para que los visitantes, de hecho, la hiciésemos girar. El museo, ya cerrado en este sentido, protegía su propiedad, cuyo valor de reventa jamás podría restituir el hipotético obrero que la actitud de Duchamp autorizaba. Obra sin firma, fa firma le era adjudicada por el establishment cultural y la arrebataba así a las masas, no sólo una vez sino a lo largo de todo el tiempo. Ante esta forma sutil de la censura, sólo cabe la ironia para ponerse a un lado e interpretar a la autoridad. Pues aquí, como en las religiones, la obra, por inalcanzable, pierde su cuerpo para dejar el sitio a una imagen, la del objeto que no puede tocarse, y a un mito, su creador insustituible, que cierran el paso a lo anunciado. ¿Qué oculta y a la vez muestra el movimiento detenido, en la quietud consagrada del orden previsto, sino el paso del tiempo y con él, en su seno, el ascenso de lo pequeño que crece y la caída de Aquello que ya no se sostiene?

El collage del fotógrafo Paolo Roversi.

2011.08.18

LAS FOTOS SON DE LA PUBLICACIÓN VOGUE (ESPAÑA): http://www.vogue.es

FOTÓGRAFO PAOLO ROVERSI: http://www.paoloroversi.com/

PELUQUERÍA LUKE HERSHESON (salón Daniel Hersheson) Y MAQUILLAJE HANNAH MURRAY.

MODELO SASHA PIVOVAROVA.

Paolo Roversi es un fotógrafo nacido en Ravenna en 1947. Su interés por la fotografía surgió cuando era adolescente cuando estaba de vacaciones con una familia en España en 1964. De vuelta a su casa se puso un cuarto oscuro en un sótano como cualquier aficionado y comenzó a desarrollar e imprimir su propio trabajo en blanco y negro. El encuentro con un fotógrafo local llamado Nevio Natali fue muy importante. En el estudio de su colega, Paolo pasó muchas horas realizando un aprendizaje importante, así como una amistad fuerte y duradera.

En 1970 empezó a colaborar con la agencia Associated Press. En su primer encargo A.P. envió a Paolo para cubrir los funerales del poeta Ezra Pound en Venecia. Durante el mismo año abrió con su amigo Giancarlo Gramantieri, su estudio de retrato situado en Via Cavour de Ravenna. Allí fotografió a las celebridades locales y sus familias. En 1971 se conocieron en la misma ciudad, Peter Kanapp, el legendario director de arte de la revista Elle. Por invitación de Kanapp, Paolo visitó  París en noviembre de 1973 y nunca lo ha dejado.

En París, Paolo comenzó a trabajar como reportero de la Agencia Huppert, pero poco a poco, a través de sus amigos comenzó a acercarse a la fotografía de moda. En aquel momento le interesaba el reportaje y no sabía mucho acerca de la fotografía de moda. Más tarde descubrió la obra de Avedon, Penn, Newton, Bourdin y muchos otros.

El fotógrafo británico Lawrence Sackmann en 1974 tomó como asistente a Paolo durante nueve meses. Después inició pequeños trabajos aquí y allá para revistas como Elley Depeche Mode hasta que Marie Claire publicó su primera historia de moda más importantes.

Un “beuty” (fotografía de belleza) de la campaña de Crhistian Dior le llevó un reconocimiento más amplio en 1980, año en que comenzó con el formato de Polaroid de 8 x 10″ (20,4 x 25,4 cm), que se convertiría en su marca registrada. No sólo fue la cámara de gran formato, Paolo siempre ha preferido el trabajo en el estudio. En sus primero años en París, el estudio fue muy a menudo una habitación de su propio apartamento, hasta hasta que encontró en 1981 el estudio ubicado en la calle Paul Fort donde sigue trabajando.

A mediados de los años 80 la industria de la moda tenía muchas ganas de producir catálogos que permitían a los fotógrafos expresar un trabajo creativo y personal. Paolo tuvo esa oportunidad con los diseñadores Comme Des Garçons, Yohji Yamamoto, Romeo Gigli…. Durante sus viajes a la India, Yemen… Paolo hizo muchos retratos, donde se pueden ver algunos de ellos en sus libros Angeli y Al Moukalla (libro de la India que está en preparación). Paolo también ha realizado algunos anuncios. Desde mediados de los 80´s su trabajo ha sido objeto de muchas exposiciones y libros. También numerosos premios han reconocido su trabajo y hoy Paolo tiene una colaboración regular con la moda en revistas y diseñadores.

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Tokio. La personal visión de Jacob Aue Sobol.

2011.08.16

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: Tokio, de la editorial Lunwerg en Castellano.

AUTOR: Jacob Aue Sobol

Para los que no conozcan de nada a Jacob Aue Solbol, les pondremos al día rápidamente. En su meteórica y corta carrera este danés de 32 años ha publicado dos libros y ha ganado un primer premio en World Press Photo 2006. Pero esto no es todo, en 2007 fue propuesto y aceptado como nuevo miembro de la prestigiosa agencia Magnum. Muchos se preguntarán cómo se consiguen todas estas hazañas, tan aparentemente inalcanzables, en tan poco tiempo. Las respuestas probablemente sean varias, pero analizando su trabajo, uno se da cuenta que una de las más importantes probablemente  sea su peculiar estilo. Alejado de los convencionalismos de la fotografía documental del siglo XX, Jacob nos sorprende en este libro con una mirada  agresiva, unos encuadres muy cerrados y un contraste extremo. El “Tokio” de Jacob Aue Sobol es un Tokio personal, basado en las experiencias que el mismo vivió, en el submundo de una sociedad sofocante, esfixiante y llena de personajes solitarios. Al fin y al cabo, obra de Jacob refleja a la perfección el rechazo y la atracción simultánea que la ciudad ejerció sobre él durante tiempo que vivió en ella. “Tokio” fue galardonado con el Leica European Publishers Award For Photography 2008.

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Terry Richardson.

2011.08.15

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA VANIDAD:http://www.vanidad.es/

ESCRITO POR HÉCTOR CASTELLS

Le gustan los coños como uves, los ángulos raros que atrapan sexos oblicuos, el flash en la cara, el negro de fondo, los ombligos repasados con la punta de la lengua y la perversión transparente. Está asociado a una marca, Sisley, con la que en septiembre libera las fotos de la campaña otoño/invierno. Se llama Terry y es hiio de Bob.

Es uno de los fotógrafos de moda más influyentes de los 90, ha publicado en l-D, en Dazed & Confused, Harper’s Bazaar, y en casi todas las biblias de tendencias imaginables. Ha fotografiado la imagen de Gucci y desde hace dos temporadas derrama su luz más canalla para hacer lo propio con la de Sisley. Es un exhibicionista de verbo escueto. Persigue la belleza en recipientes por desflorar, adora la luz del sol, no confía en las drogas, cree que un hecho es que 1+1 es igual a 2 y si su fotografía fuera una palabra, se llamaría belleza. Su nueva campaña para Sisley está fundada sobre el negro: es el color de fondo; la pared donde rebotan sus flashazos como penetraciones. Le han convertido en la estrella del catálogo, en su auténtica marca, y ha maniobrado con ademanes monárquicos sobre los lomos sumisos y plegables de sus niños y sus niñas favoritos.

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Greg Simkins y los animales.

2011.08.09

GREG SIMKINS: http://www.imscared.com/

Greg es un ilustrador que nació en el estado de California en el sur de Los Ángeles en 1975. Creció con una colección de animales donde había un gran número de conejos. Estos aparecen en muchos de sus cuadros.

Greg Simkins comenzó a dibujar a los tres años y su inspiración venía de los dibujos animados y de ciertos libros. Estos eran Watership Down de Richard Adams, Las Crónicas de Narnia de C.S. Lewis y The Phantom Tollbooth  por Norton Juster. El arte de Simkins continuó avanzando a la edad de 18 años, cuando comenzó hacer gaffitis con el seudónimo de “Craola“. El graffiti se convirtió en un impulso creativo y le dio la confianza necesaria para pintar obras de gran tamaño. Además le enseñó la perspectiva, la teoría del color y desarrolló habilidades artísticas, que más tarde se traduce en su trabajo con el acrílico. Después de recibir su Licenciatura de Arte en la Universidad Estatal de California de Long Beach en 1999, trabajó como ilustrador para empresas de vestir. Más tarde se dedicó al mundo de los videojuegos. En 2005, Simking realizó su deseo de pintar a tiempo completo. Desde entonces a presentado numerosas exposiciones colectivas e individuales con gran éxito. Sus dibujos aparecen actualmente en zapatillas Converse y Vans, como en juguetes para Mattel y Disney. En sus ilustraciones aparece la cultura pop, los viejos maestros, la naturaleza, el carnaval kitsch y su imaginación retorcida. Creg es un pintor surrealista muy buscado que aparece en galerías por todo el mundo.

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El fotógrafo Edu Gómez. Corrección por saturación mixta.

2011.08.04

FOTÓGRAFO EDU GÓMEZ: http://www.edugomez.es/

Ver el tutorial de 5 minutos para aprender: corrección por saturación mixta.

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La fotografía de José Morraja.

2011.08.03

Este artículo es de hace muchos años. Me imagino que José Morraja ya no tendrá 22 años y no estará estudiando Bellas Artes.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/

FOTÓGRAFO JOSÉ MORRAJA: http://josemorraja.com.mialias.net/web/home.html

Soy fotógrafo, tengo 22 años, nací en Castellón y vivo en Valencia. Última exposición: A primeros de abril en un pueblo cerca de Castellón. Una serie de fotografías y unas proyecciones nocturnas hacia el exterior. Próxima exposición: Por el momento quiero descansar para acabar las nuevas series. Además estoy preparando las fotos de moda y un artículo para el siguiente número de la revista d(x)i. Lo vamos a presentar en Barcelona en junio. Obra: Actualmente mi trabajo pretende investigar y definir a una generación que yo denomino la “STAR GENERATION”. Fotografías y textos que muestran la levedad y superficialidad de infinitud de personas en busca de su identdad. Ser lo más de la discoteca. Llevar el mejor peinado, la mejor ropa, los mejores complementos… Un juego a doble cara donde la máscara es la protagonista. En ningún momento pretendo estar en contra de esta situación. La adoro. Simplemente juego a una autocrítica para que el espectador sea Ver más información del artículo

Eikoh Hosoe. Elogio de lo esencial.

2011.08.01

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Eikoh Hosoe forma parte fundamental de la fotografía japonesa moderna. Sus comienzos como documentalista del Japón de la posguerra devienen con rapidez en un estilo más personal, marcado por la influencia del teatro y la mitología. Sus personajes metafóricos, en los que la realidad y la ficción se mezclan, son símbolos de un mundo posnuclear y tradicional, fruto de sus colaboraciones con el escritor Mishima y el creador del “bhuto“, Tastsumi Hijikata. Esta especie de ballet da lugar, en el trabajo de Hosoe, a fotografías híbridas en las que mezcla la “performance”, la biografía y el instante fugaz. Hosoe es una figura innovadora, mezcla de artista, divulgador y embajador de una cultura artística lejana, rica y plena de hallazgos poéticos.

EIKOH HOSOE, Kazuo Ohno, 1994.

Evacuado durante los bombardeos de Tokio a la edad de doce años, en septiembre de 1945, tardará dos años en volver a su ciudad. Sus primeros trabajos, en 1947, tratan de recordar y retratar una tragedia que resolverá con un lenguaje teatral y mítico, alejado de los que fotógrafos japoneses como Ken Domon o Somei Tomatsu habían realizado hasta ese momento sobre Hirosima y Nagasaki. En una cultura en la que lo esencial forma parte del arte, el barroquismo de Hosoe sorprende. Sus posteriores trabajos consisten en documentar los bares más canallas y las prostitutas de Tokio, para dar cuenta de los cambios en una sociedad en plena evolución.

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Un toque de clase, Agyness Deyn.

2011.07.30

TEXTO LITERAL DEL SUPLEMENTO “YO DONA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/yodona/

ESCRITO POR GIUSI FERRÉ.

Aunque sus amigos la conocen por Aggy, se llama Agyness Deyn, y es la nueva pasión de la moda. Tiene el aspecto andrógino más seductor del momento, aunque también resulta hiper femenina, y presta su mirada a la publicidad de Burberry y Giorgo Armani. Pero, además de modelo, también es cantante: ha grabado su primer single, titulado Who, con Five O´Clock Heroes, una pequeña banda indie de Nueva York. La experiencia le ha gustado tanto que, en vez de seguir con el combo de la Gran Manzana, ha creado grupo propio, bautizándolo con el nombre de Gene Jacket. 25 años, apasionada por el cine, Dj a tiempo perdido es Cumbres borrascosas, de Emily Bröte, es el símbolo del estilo británico creado a base de tradición y excentricidad. Amiga de los diseñadores más rebeldes de la escena inglesa, de Gareth Pugh a Henry Holland, no duda en apoyarles en cualquiera de los eventos que organizan. Además, comparte con ellos el mismo estilismo capilar. Atrevida en exceso, ama el estilo sport-chic. Vestida de esta forma, urbana y divertida, tiene una clase verdaderamente inimitable.

Este texto es de hace años y la fecha de su edad escrito en el es anecdótico.

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