El fotógrafo Virgili Jubero en un solitario París.

2011.02.03

Quiero decir que la reproducción es siempre lo más exacta posible, en este caso es intencionado por la publicación o el fotógrafo el poco contraste de la imágenes. Por eso su falta de negros en ellas.

REVISTA VANIDAD: http://www.vanidad.es/
FOTÓGRAFO VIRGILI JUBERO: http://www.virgilijubero.com/
MODELO DANIELA KOCIANOVA Y ESTILISTA ANA BERGEL DURÁN
MAQUILLAJE OLIVER BAILLEPELUQUERÍA PAULINE JEANNIN

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¿La verdad está en la foto?

2011.02.02

TEXTO LITERAL DEL “NEW YORK TIMES”: http://www.nytimes.com/

Miércoles, 18 de junio de 1997     The Arizona Republic

No cuando los creadores de imágenes hacen su magia digital. Por Amy  Spindler.

Entre fotógrafos, se le llama ponerse a dieta digital al realzamiento que se utiliza en las fotos de modelos y estrellas cinematográficas para hacerlos parecer extravagantemente perfectos. Sin embargo, la misma tecnología que por mucho tiempo ha sido amiga de la persona de la foto se ha desarrollado tanto, que hoy en día algunos la consideran un enemigo. La fotografía manipulada digitalmente se encuentra tan lejos del periodismo tradicional, que Richard Avedon sugiere llamarla de modo diferente. “Realmente no existe la realidad fotográfica”, dice Avedon. “No se puede creer en una foto”. Avedon ha estado manipulando sus imágenes no en el ordenador, sino a mano, desde alrededor de 1953, cuando le alargó el cuello a Marella Agnelli, que ya Io tenía largo como un cisne, para lograr el efecto deseado.”Yo creo que, como artista, tengo el derecho a interpretar a mi sujeto. Y la fotografía es un arte”. Ese derecho está siendo cuestionado ahora por la actriz Mira Sorvino, que hizo objeciones contra las fotos de David LaChapelle, las cuales fueron alteradas digitalmente para representarla como Joan Crarvford en el número de mayo de la revista Allure. Es cierto que LaChapelle influirá el trabajo de una nueva generación de fotógrafos, de la misma manera que Avedon marcó nuevos rumbos usando técnicas que hoy en día son familiares. Sin embargo, LaChapelle es uno, entre un grupo creciente, para quienes la foto es sólo el punto de partida. Bajo la influencia de este fotógrafo, la idea de la santidad del negativo se está haciendo el asunto más importante en la fotografía moderna. El hecho de que la fotografía está siendo redefinida como invención ilustrativa, le parece espantoso a los que le creen que las fotos representan la verdad. “Ese es un concepto interesante: dónde encontrar la realidad”, dijo LaChapelle, que esta semana se encuentra en los Angeles para fotografiar a Fleetwood Mac para la portada de su álbum. “La gente solía recurrir a las fotos para encontrarla. Se dice que las fotos no mienten. Pues las mías sí lo hacen. Yo hago que mis fotos mientan”. Según Avedon, entre todos los fotógrafos que inventan imágenes surrealistas, LaChapelle es el que podría ser el “Magritte” del género. Magritte no necesitaba la complicidad de su sujeto. La independencia de los fotógrafos como LaChapelle fue puesta bien en claro por la controversia avivada por Sorvino.

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La escuela de Düsseldorf y la revolución de la fotografía.

2011.02.01

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN “EL CULTURAL”: http://www.elcultural.es/

ESCRITO POR STEFAN GRONERT.

Hilla y Bemd Becher son considerados los padres de la fotografía contemporánea. Sus instantáneas ganaron fama por salvar de la destrucción edificios industriales que aún no habían sido descubiertos como testigos de la época. Aunque el verdadero prestigio les vino por su docencia en la escuela de Düsseldorf, convertida en referente de varias generaciones de artistas fundamentales hoy.

Comparada con la historia del arte, la historia de la fotografía es bastante corta: comenzó en el año 1839 con la patente de una máquina que inmediatamente fue considerada como la competidora de la pintura. Su autonomía artística no fue aceptada hasta principios del siglo XX, pero la propaganda fascista abusó de ella como medio de comunicación hasta tal punto que hubo que esperar a los años 70 para que la fotografía experimentara un verdadero renacimiento como género artístico. Hilla, nacida en 1934, y su marido Bernd Becher, nacido en 1931 y fallecido en 2007, son unos de los precursores más importantes de esta emancipación artística de la fotografía de alcance internacional.

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Juguete de diseño nipón.

2011.01.30

Varias características definen a estos juguetes de culto: su diseño es hipermoderno, su edición suele ser limitada y tienen cierto toque “destroyer”. Algunos apuntan al diseñador Michael Lau como el que puso la semilla al presentar en la Feria del Juguete de Honk Kong de 1997 sus Gi-Joes vestidos de hip-hoperos. Precisamente fue allí, además de Singapur y Japón, donde eclosionó el fenómeno. Los juguetes Lau son objeto de coleccionismo y alguno de ellos se cotizan a 10.000 dólares.

AQUÍ PODEMOS VER UNOS EJEMPLOS: http://www.kidrobot.eu

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El backstage de Bardo Fabiani.

2011.01.29

PUBLICACIÓN VOGUE (ITALIA): http://www.vogue.it/

FOTÓGRAFO BARDO FABIANI: http://www.bardofabiani.com/

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Juan de Sande. Madrid 1964 / Fotógrafo.

2011.01.27

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL DE LA REVISTA MATADOR: http://www.revistamatador.com/

SECCIÓN AUTORES / MATADOR VOLUMEN F.

Por Javier Rubio Nomblot / Crítico de arte.

El Juan de Sande que descubrimos entonces en aquellas enormes fotografías en blanco y negro se aparecía bastante a un artista romántico: amaba la noche con sus misterios y sus peligros y , en busca de la mágica y enloquecedora luz lunar, deambulaba por esos lugares desiertos que constituyen los límites últimos de la urbe, se adentraba en los parques solitarios, recorría vacías carreteras y se perdía en las calles informes de la ciudad vieja. Y, claro: lo que nos descubría su cámara (y su alrededor, que a partir de cálculos infinitos logra desvelar aquello que el ojo no alcanza a ver) eran imposibles noche-día, árboles-espectros, luces con forma, formas sin cuerpo y otros moradores de la literatura romántica cuyo nombre no puede aún pronunciarse pero que, a buen seguro, merodean también por los chiqueros -¿vacíos?- de esta terrible secuencia de imágenes.

JUAN DE SANDE: http://www.openstudios.es/juandesande/index.php

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Fotografía de niños en prensa. Cinco principios éticos.

2011.01.26

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

Ya sea para ilustrar una crisis, promover una campaña o vender un producto, diariamente vemos decenas de fotos de niños. Pero ¿nos paramos alguna vez a pensar sobre el verdadero contexto de una foto? ¿Pidió el fotógrafo permiso al niño? ¿Cuanta la foto toda la historia del momento en que fue tomada? En el caso de fotos publicadas en prensa o en revistas, ¿el contexto es fiel al verdadero significado de la foto?

  1. Pedir permiso. Obviamente, no siempre es posible pedir permiso antes sin correr el riesgo de perder la ocasión de hacer una foto. Dario Mitidieri, que pasó un año en la India haciendo fotos a los niños de la calle, identifica dos maneras de enfrentarse al problema: siempre que se pueda, pedir permiso antes. Y si no, hacerlo después. “Siempre intento explicar por qué hago una foto y dónde saldrá publicada”, comenta. ” Si las circunstancias me lo permiten, envío copias de las fotos a los modelos”.
  2. Estar seguro de que el uso de nuestras fotos será el correcto. A todo fotógrafo documental se le supone por principio una narración fiel o una interpretación honesta de lo que ocurría en el momento de hacer sus fotos. Dado que los niños raramente tienen voz en los medios, cuando aparecen en imágenes éstas deben ser fieles y responsables, ilustrar verdaderamente el mundo del niño. Y esto no sólo afecta al fotógrafo; los editores de fotografía también han de decidir cuidadosamente la forma en que presentan los fotos de niños a los lectores.
  3. Evitar el sensacionalismo. Las fotos son susceptibles de ser explotadas si se seleccionan imágenes sensacionalistas o desagradables para atrapar la atención del observador. Después de un duro ciclón en Bangladesh, Mitidieri afirma que “estaba rodeado de fotógrafos que tomaban imágenes de niños horriblemente mutilados. ¿Para que? Yo fotografié a los supervivientes. En una de mis fotos aparece un señor mayor transportando agua y, en el fondo, algo desenfocados, unos cadáveres de niños. Se puede mostrar el alcance de la tragedia sin caer en el sensacionalismo”.
  4. Los niños son personas. Es fácil olvidar en una foto al niño real. Unos niños andando por la calle, por ejemplo, no tienen por qué ser vagabundos. Y podrían convertirse en símbolo de los niños de la calle. Pues bien, los más pequeños gozan de los mismos derechos humanos que los adultos, incluido el derecho a la privacidad. Y en el caso de las imágenes de prensa, el cumplimiento de este derecho recae en los fotógrafos y los editores de fotografía, máxime si pensamos en que las fotos cargadas en internet pueden llegar a cualquier parte del mundo.
  5. El lado positivo. No hay que olvidar, sin embargo, que una foto es capaz de informar a los observadores sobre realidades infrahumanas que desconocían. Una foto de un niño puede cambiar vidas para mejor. Mitidieri explica que “una y otra vez ha ocurrido que una foto ha sacado temas ocultos a la luz. Las imágenes pueden utilizarse para enfrentarse a nuevos problemas o incluso solucionarlos de raíz”.

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Objetivo Moda. Peter Knapp.

2011.01.25

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

El fotógrafo Peter Knapp es el rigor suizo sumado a la exuberancia de la época pop.  Por Elise Pichelin.

Llegué al mundo de la moda por casualidad, lo que me interesaba al principio era la imagen”, explica Peter Knapp (Bäretswil, Suiza 1931). El artista, que se define ante todo como creador de imágenes, ha sido uno de los grandes protagonistas de la moda, revolucionando los códigos visuales de un universo clásico a través de sus diferentes actividades de tipografía, dirección artística y fotografía. “La imagen me interesa en todos los sentidos. Esta pluralidad de la imagen está ligada a mi curiosidad, ya que he tenido la suerte de no estar limitado por la vida material y de vivir mis experiencias. Esto me vino muy temprano, viendo películas mudas. Para Chaplin y los otros, es la imagen lo que cuenta, antes que las palabras. Chaplin es le proroxismo de la imagen”, explica. A pesar de todo, desde joven, se aproxima al mundo de la moda a través de la prensa femenina desde el principio. Primero fue propuesto por Hèléne Lazareff para el puesto de director artístico de Nouveau Fémina y años más tarde, en el seno de la revista Elle, deja volar su imaginación y comienza sus investigaciones. En esta época, la moda se democratiza con la  llegada del prê-à-porter y de cambios socio-culturales radicales. Cambios que hacen ver a la mujer con una mirada nueva. Peter Knapp ama a las mujeres y las sublima. “Creo que Hèléne Lazareff quería la visión de un hombre sobre las mujeres y la moda. Entonces modificamos su imagen. Las modelos se utilizan como simples soportes de ropa. Con nuestro punto de vista, ellas se volvieron el sujeto principal”, afirma. Con el diseñador André Courrèges, con quien colaboró durante casi veinticinco años, comparte uno de los principios de Bauhaus: la función crea la forma. En otros téminos, la forma de una prenda no puede estar pensada independientemente de su razón de ser. Inspirado por el modisto, Peter Kanapp impregna sus clichés de una voluntad futurista que alimenta la geometría. ” Con Courrègues, teníamos un pensamiento común. Creíamos comprender la moda. Para nosotros, debía simplificarse  y aproximarse a su función. Decía que no diseñaba una falda corta para enseñar las piernas, que lo hacía porque el coche era bajo o porque  facilitaba subir las escaleras. Buscaba un sentido a todo lo que hacía y sus motivaciones me convencían. Por eso cuando llegó la moda hippie supe que nunca lo entendería. ¡Y Courrègues tampoco! La moda es una sucesión de momentos y no una búsqueda de lo absoluto”. Esta toma de conciencia le aleja de la moda, aunque continua colaborando con Harper´s Bazaar, Vogue o CITIZEN K, y a partir de 1970 se dedica a una obra más personal. Hoy, Peter Kapp cuenta con gusto todos sus secretos de fotografía. Cuando le interrogamos sobre el homenaje La passion des Images en Maison Européenne de la Photographie, responde travieso: “Abrir el cajón del pasado es un juego divertido”.

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Russell Lee. No sólo F.S.A.

2011.01.23

Russell Lee era un ingeniero químico, que acabó siendo reportero para la Farm Security Administration (F.S.A.), el proyecto patrocinado por los E.E.U.U. bajo el mando de Roy Stryker en 1939. Aunque hizo un paréntesis durante la Segunda Guerra Mundial, retomó después su actividad otra vez con Stryker. Esta vez con otros encargos como fotografiar una de las petroleras más grandes del mundo “Standard Oil de New Jersey”. En 1965 fue el primer profesor de fotografía en la Universidad de Texas, donde está una importante colección de su obra.

Fotografía de Diciembre de 1936 realizada en 35 mm. Título: Shantytown Baby. “Mrs. Charles Benning y el bebé en su cabaña en Shantytown. Spencer, Iowa”. Durante la depresión.

Fotografía de Octubre de 1937 realizada en formato medio. Título: Last Chance Texaco. “Garaje abandonado en la carretera No. 2. occidental de Dakota del Norte”. Copia de la F.S.A.

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El Estilista. ¿Que es?.

2011.01.22

ENCONTRÉ UN RECORTE DE PERIÓDICO DE HACE UNOS AÑOS, PERO NO TENGO DATOS DE SU ORIGEN.

La profesión de estilista de moda ha ido adquiriendo una enorme importancia dentro del sector promocional. Si en un principio eran los que seleccionaban las prendas a secas para rutinarias sesiones fotográficas, poco a poco se han convertido en guionistas-cómplice de los reportajes que producen, respondiendo con el fotógrafo de una puesta en escena determinada. Las tendencias sugeridas o marcadas por los diseñadores deben ser, en cualquier caso, reafirmadas por el trabajo de los estilistas.

La erótica  se ha convertido en la tónica dominante de estos reportajes en las revistas de moda, lo que no excluye otras maneras de presentación, y que en realidad sirven como soporte y complemento a las abundantes páginas de publicidad que sustentan las publicaciones especializadas. Los estilistas suelen asegurar que se sienten liberados y al margen de ese bombardeo publicitario, pero el hecho es que existe una relación entre ambas “acciones promocionales” y que muchos de ellos se debaten en un campo intermedio.

Publicaciones de gran influencia actualmente más de ámbito anglosajón, Dazed & Confused, han centrado su esfera de influencia en los estilismos, generando, valga la redundancia, un estilo particular, dirigido al segmento más joven del mercado adulto, de gran impacto visual y de cuyo vocabulario ha sido eliminada la palabra recato. Es una estética despiadada y deconstruida, que usa y abusa de los elementos tecnológicos, de la teoría y la técnica del fundido y de los más severos contrastes, para algunos, conectando con el arte de mañana o ya del ahora.

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