Mujeres de Kosovo. Superviviendo al terror.

2013.06.29

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MUJER 21.
 Esta revista ya no se publica y el artículo es de octubre del año 2000. Lo comento por las fechas y los tiempos verbales de un pasado inmediato.
FOTOGRAFÍAS Y TEXTO DE QUIM ROSER: http://www.quimroser.cat/

Kosovo ha sido el último episodio bélico de los Balcanes. Una guerra especialmente cruel porque la peor parte ha recaído sobre la población civil, y en especial sobre las mujeres, sin excepción ni credos.

Albanokosovares, serbias, gitanas o goranzi. Todas ellas, junto a sus maridos, padres o hijos conformaban el Kosovo multiétnico antes de que estallara la guerra. Un sueño de diversidad que difícilmente volverá a repetirse porque el dolor, los odios, las venganzas y la deportación padecida durante el conflicto han dejado fuertes secuelas, por mucho que la zona trate de volver a toda prisa a la normalidad y esté a punto de celebrar las primeras elecciones locales -28 de octubre-. Hace más de un año -en junio de 1999- las tropas de la OTAN irrumpieron en Kosovo para poner fin a los últimos coletazos de un tratamiento que avergonzaba a medio mundo. Era el principio del fin de la Ver más información del artículo

Pierre Molinier. La línea de sombra.

2013.03.22
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
Todos nosotros poseemos un lado oscuro, un lado desconocido incluso para nosotros mismos. Somos, como decía Nicholas Ray, unos extraños, unos extranjeros para nosotros. Pierre Molinier fue un hombre marginal, un fronterizo, un hombre que gustaba de caminar por su línea de sombras. Autodidacta, Molinier practica desde muy joven la pintura y el dibujo. Nacido en la cíudad de Agen en 1900, se instala en Burdeos con apenas diecinueve años. Sus primeras obras son paisajes y autorretratos. Su encuentro con el pope (maestro) del surrealismo André Breton sirve para introducirle en círculos artísticos que le permiten nuevas aventuras y cultivar su reputación marginal y extraña que él se encarga de exagerar.
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Erotómano, fetichista, coleccionista de zapatos femeninos y maniquíes de moda que le sirven para cultivar su fascinación por las piernas femeninas, es un personaje que permanentemente evoca sus propios fantasmas, que sabe van más allá de las simples fantasías.
Molinier es un avanzado del arte fotográfico de nuestra época; es un travestí al que no le importa compartir sus pulsiones más íntimas. Se autorrepresenta con sus dobles atributos sexuales tanto masculinos como femeninos. El fotomontaje le permite trabajar con varios clichés para dar forma a sus más variados deseos. Sus múltiples caras, sus múltiples sexos, son igual a sus múltiples pensamientos. Ver más información del artículo

Penn cambió nuestro sentido del contenido del mundo.

2013.02.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR  JOHN SZARKOWSKI

Penn se compró su primera Rolleiflex con el dinero que ganó dibujando zapatos, a cinco dólares por dibujo, para el “Harper’s Bazaar“. Cuando fue a México a pasar un año, ya tenía también una cámara con soporte de 4×5, y utilizaba ambas a menudo y bién. Sin embargo, no había pensado que la fotografía podría convertirse en el centro de sus ambiciones artísticas. Después de permanecer un año en México, Penn volvió a Nueva York, insatisfecho con sus pinturas, pero amaba las bellas telas de lino donde las pintaba. Por eso no quemó sus fracasos, sino que los arrinconó y luego los lavó hasta dejarlos limpios, a fin de poder seguir admirándolos como amantes para mesitas. De aquel periodo, aproximadamente, han sobrevivido algunos dibujos sin fecha, que hacen pensar que los modelos más importantes para Penn eran De Chirico y Matta.
Al volver, Alexander Liberman, que estaba en Vogue de director artístico, contrata a Penn como ayudante Ver más información del artículo

Walker Evans. Actos de inteligencia.

2012.02.26

 Este artículo es del año 2000, lo digo porque cita una exposición en el MoMa, que evidentemente ya a pasado.

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ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Si algo caracteriza a la obra de Walker Evans es su ansia, su sed de mirar. Su primera vocación es la de escritor. Nacido en Saint Louis (Misouri), en 1903, siendo muy joven, viaja a París para seguir estudios de literatura en la Sorbona. En la capital francesa únicamente permanece un año, que le sirve para empaparse de Flaubert, Baudelaire y de la pintura francesa.  Su vocación como fotógrafo le llega por la impresión producida al ver la obra “Chica ciega” de su compatriota Paul Strand en la célebre “Camera Work” (revista).
Fotógrafía de  Paul Strand, “Blind Woman”.

Tras regresar a su país, sus primeros compañeros son Lincoln Kirstein, Hart Crane y Ben Shahn, con los que  realiza varios trabajos, entre ellos uno sobre las mansiones victorianas de la región de Boston. Sus encargos para libros de ballet y revistas le permiten sobrevivir con su cámara.

 Entre 1935 y 1937, trabaja para el gobierno de su país en el conocido proyecto de la Farm Security Administration. Recoge todos los hombres, las casas, sus formas de vida entre Alabama, Misisipi y Carolina del Sur. Con el escritor James Agee, se embarca en el proyecto/encargo de la revista “Fortune”, del que saldrá el libro “Let us Now Praise Famous Men“, ejemplo de cómo la colaboración entre un escritor y un fotógrafo puede llegar a dar un clásico.

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Gisèle Freund. Un teórica práctica.

2012.01.12

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Este artículo está escrito en Junio del año 2000.

Gisèle Freund ha muerto el pasado mes de marzo en París en su casa de Montparnasse, en el barrio en el que siempre vivió, al lado de la rue (calle) Daguerre (inventor de la fotografía), a los noventa años. Una pequeña mujer que se comportaba como quería y que se empeñó en ser como era: terca, apasionada, viajera, solitaria, fotoperiodista, retratista, amiga de grandes escritores, radical y ambigua.
Con su cámara registró los rostros, los eventos, los azares y las revelaciones de la historia del siglo XX.

Retrato de  Brigit Kleber a Gisèle Freund en el año 1996.

Por ser libre y no acceder a ninguna concesión, pagó un alto precio. Fue expulsada de Magnum, hasta el punto de olvidar que en algún momento perteneció a la agencia. Fue subestimada, ignorada y despreciada. En los últimos tiempos, se veían en museos y galerías sus impresionantes retratos de todo el panteón de la literatura de este siglo realizados por esta alemana, ciudadana del mundo, que escribió sobre fotografía, dio clases y, sobre todo, fue una de las grandes fotógrafas de nuestra época. Dicen que se alimentaba diariamente la cólera para luchar contra la inoperancia y la lentitud burocrática, la rabia contra la brutalidad y la indiferencia, con un poco de champán y algunas ostras. Para vivir mucho, hay que dar salida a la cólera para no retener el rencor, hay que darse placeres para calmar la rabia. Así, de esa manera, se llega a ser muy anciano, decía Gisèle.

Antinazi desde sus tiempos de estudiante, vivió dos éxodos: en 1933 y en 1940. Por algunas horas se escapó de ser arrestada por la Gestapo. Más tarde fue a París y allí todos los escritores de sus sueños pasaron por delante de su Leica. Su amiga, la emblemática librera Adrienne Monnier, era la que le ponía en contacto con todo ellos: Virginia Wolf pensativa y melancólica hasta la desesperación, André Cide con su foulard rojo, Colette y su pluma, James Joyce con sus ojos frágiles leyendo con una lupa, Malraux con aire intelectual y el pelo despeinado, Yourcenar, Duras, Simone de Beauvoir, Sartre, Borges. En la presentación de sus fotografías en la librería están todos, y la cámara de Gisèle no es compasiva; están sus arrugas, sus miedos, incluso su arrogancia. Como casi siempré, todos le felicitan por los retratos de los otros, pero se encuentran menos satisfechos de los propios. Y es que cada uno tiene su idea del propio rostro, ninguno en toda su verdad.

Todo es real porque Gisèle no ha hecho más que aquello que quería; no son encargos, son amigos, además de personas que ella admira y conoce bien. No es irónica. No es más que una fotógrafa que está interesada en escribir sobre el miedo. Su tesis titulada ” La fotografía en Francia en el siglo XIX” se editó por primera vez en 1936. Un libro raro, de culto.

Desde sus viajes a la Patagonia hasta sus retratos de Argentina y Eva Perón, su estancia en México compartiendo amistad y arte con Frida Kahlo, Rivera, Orozco, la miseria de los mineros en Inglaterra. Todo lo que es el hombre y el mundo interesa a su cámara.
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Diane Arbus. La voluntad del espanto.

2011.09.02

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Vivió cuarenta y ocho años. Tortuosos, fuertes, inseguros, con fuertes depresiones. Nació en una rica familia neoyorquina, rodeada de criadas, de familiares extraños. Se casó muy joven, tuvo dos hijos y su pasión fue fotografiar aquello que está más allá de la simple apariencia. Diane Arbus buscó lo extraño más allá de lo que, quizá, por su fragilidad emocional se podía permitir.

Comenzó fotografiando moda. La belleza, sin embargo (su fascinación por lo terrible), le dio la fama pero no el sosiego. Somos hijos de nuestro entorno pero, sobre todo, nuestras vidas están marcadas por las infancias que tuvimos.

Admiradora de August Sander, alumna de Lisette Model, amiga de Richard Avedon, aun cuando retrataba los seres más horribles, su vocación era la de la empatía con los humanos rechazados. Se declaraba partidaria de la belleza más terrible, de aquella que dejaba sin respiración, de lo no convencional. Decía que la vida es un melodrama, mitad comedia y mitad drama. Negros, latinos, drogadictos, parejas de miserables de Brooklyn, hoteles cutres y gente alienada son sus temas, porque el acto de fotografiar era sobre todo un acto de simpatía y de amor.

Autora de las fotografías más desesperadamente irónicas de la historia, buscó retratar a personajes que se dejan retratar con apatía, casi indolentes. Ella acerca su cámara todo lo posible y no parece emocionada, sino distante. El resultado subvierte todos los esquemas sociales. Hay travestidos que parecen elegantes señoras, niños casi diabólicos, mujeres estoicas; sus jóvenes ofrecen una imagen nada favorecedora de sí mismos.

Ella, al igual que muchos de los retratados, también iba a contracorriente. En las fotos de Diane Arbus, sólo los personajes disfrazados parecen cobrar vida, aun cuando existe también un enigmático pozo de tristeza. Su tristeza, la de todos. Es la condición humana. En esa condición, Arbus detecta una melancolía fundamental que sólo lo artificioso, la máscara o la convención pueden disipar.

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Eikoh Hosoe. Elogio de lo esencial.

2011.08.01

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Eikoh Hosoe forma parte fundamental de la fotografía japonesa moderna. Sus comienzos como documentalista del Japón de la posguerra devienen con rapidez en un estilo más personal, marcado por la influencia del teatro y la mitología. Sus personajes metafóricos, en los que la realidad y la ficción se mezclan, son símbolos de un mundo posnuclear y tradicional, fruto de sus colaboraciones con el escritor Mishima y el creador del “bhuto“, Tastsumi Hijikata. Esta especie de ballet da lugar, en el trabajo de Hosoe, a fotografías híbridas en las que mezcla la “performance”, la biografía y el instante fugaz. Hosoe es una figura innovadora, mezcla de artista, divulgador y embajador de una cultura artística lejana, rica y plena de hallazgos poéticos.

EIKOH HOSOE, Kazuo Ohno, 1994.

Evacuado durante los bombardeos de Tokio a la edad de doce años, en septiembre de 1945, tardará dos años en volver a su ciudad. Sus primeros trabajos, en 1947, tratan de recordar y retratar una tragedia que resolverá con un lenguaje teatral y mítico, alejado de los que fotógrafos japoneses como Ken Domon o Somei Tomatsu habían realizado hasta ese momento sobre Hirosima y Nagasaki. En una cultura en la que lo esencial forma parte del arte, el barroquismo de Hosoe sorprende. Sus posteriores trabajos consisten en documentar los bares más canallas y las prostitutas de Tokio, para dar cuenta de los cambios en una sociedad en plena evolución.

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Retiro de moda. Luis Delgado.

2011.04.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA VANIDAD: http://www.vanidad.es/

TEXTO Y FOTOGRAFÍA LUIS DELGADO.

Me gustaría saber la web personal de Luis Delgado, la que creo que es (http://www.luis-delgado.com/) ya no está operativa.

ESTILISTA MARISA REY MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA FRAMN DE REZENDE.

FLASHES DE LA SESIÓN DE MODA EN EL PHOTOMARATÓN: 11´30 de la mañana: nos improvisamos un pequeño set para que se cambie Nicole -la modelo- con una sombrilla, un fondo de tela, unas pinzas y una cuerda que nos permite atar a la valla del Retiro el “tinglado” que se nos ha volado ya en dos ocasiones. No dejan de pasar corredores que, con un irritante sentimiento de propiedad sobre el parque, nos recriminan la ubicación elegida y la gente, al ver el montaje de cámaras y luces, nos preguntan para qué televisión trabajamos. La dirección de Photoespaña nos pide hacer las fotos cerca de la entrada donde ellos convocaron el fotomaratón el año pasado, creo que hicieron un récord Guinness con el número de fotos expuestas -un par o dos miles de imágenes- me pregunto si este año habrá avalancha de aficionados. La primera foto es en la escalera y en los primeros momentos la gente se acumula detrás de mí, pero rápidamente, como si hasta ese instante hubieran estado escondidos entre los arbustos aparecen las prometidas hordas de fotógrafos que acuden a su anual cita con el arte de la instantánea. Juan “se deja pisar” sin rechistar en la imagen salvo cuando Nicole, concentrada en posar según mis indicaciones, olvida que lo que pisa no es un escalón. Ser asistente de fotógrafo es un trabajo, como se demuestra aquí, bien sufridito.

Disuelta la cohorte de curiosos preparamos la siguiente toma en la misma entrada principal del Retiro. Consiste en colocar la cámara y ¡zas! 30 aficionados tras de mí. No exagero al decir que noto una gran excitación mientras Nicole va moviendo el espejo, al grupo se une un aficionado oriental y la gente entiende y disfruta el juego propuesto. Al día siguiente cuando aún no había visto los contactos de la sesión, vi mis fotos en el escaparate de una tienda de revelado en una hora. Extrañado, miré al interior de la tienda y entendí todo al ver al dueño: era mi oriental.

Como funciona una cámara.

2011.02.25

Este texto es de la época analógica, por eso hay que entenderlo en su contexto. Pero creo que es aplicable perféctamente en los tiempos de hoy en día.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

LA LUZ

La luz (del sol, una bombilla, una vela…) se propaga, siempre en línea recta, en todas las direcciones. Y a una velocidad de 300.000 kilómetros por segundo. Cuando dirigimos la luz con una pantalla (como en una lámpara), se forma un haz luminoso, compuesto por infinidad de rayos luminosos proyectados en infinidad de líneas rectas. Los objetos (un árbol, una silla, o usted mismo) son cuerpos visibles porque reflejan la luz que reciben.

LA CÁMARA OSCURA

La luz reflejada de un objeto penetra en línea recta por el objetivo de la cámara (o el agujerito de la famosa caja de zapatos, léase cámara oscura). Al llegar a su interior, y gracias a la oscuridad absoluta de éste, se forma la imagen invertida. (El proceso de la visión del ojo humano es el mismo, por cierto). Ya lo dijo Aristóteles: “Un
cuerpo colocado ante una caja herméticamente cerrada, con un agujerito en uno de los lados, reflela su imagen invertida en la cara opuesta”.
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