Beni Trutmann.

2013.01.22

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN “IBIZA & FORMENTERA STYLE, Nº 03, 2010”: http://ibiza-style.com/

FOTÓGRAFO BENI TRUTMANN: http://www.beni-trutmann.com/

Karl Werner Thomas Trutmann, más conocido como Beni, llegó a Formentera en el año 1958.
Nacido en la ciudad suiza de Locarno y licenciado es estudios superiores por la Escuela de Artes de Zúrich , este hombre creativo y amante de la naturaleza se decantó por la fotografía.
Acabados sus estudios y con 22 años decidió coger el petate y desplazarse a París donde consiguió trabajar como ayudante de estudio del también fotógrafo Harry Mersonn.
Los conocimientos adquiridos durante esta experiencia le permitieron coger su propio camino dos años después e iniciar una andadura en solitario y en principio con un objetivo marcado, la publicidad, faceta que desarrolló entre 1965 y 1984. Su relación con Formentera comienza en el año 1958 cuando viaja por primera vez a la isla y sufre un enamoramiento a primera vista con este trozo de tierra instalado en el medio del Mediterráneo.
Por su carácter afable y curioso, enseguida congenió con los lugareños y decidió instalar su primera vivienda en una cueva ubicada en el acantilado de La Mola, cerca del camí de sa Putjada, donde años después adquirió el terreno aledaño en el que construyó su casa. Ver más información del artículo

¿Cuantas luces se necesitan?

2012.12.06

TEXTO DEL LIBRO “TÉCNICAS DE ILUMINACIÓN GLAMOUR”. ESCRITO POR STEVE BAVISTER. EDITORIAL “EDICIONES OMEGA”.

Algunos fotógrafos parecen mantener la idea de que cuantas más luces, mejor, y usan todos los focos de que disponen en todas y cada una de sus fotos. Pero hay mucho que decir en favor de la simplicidad (al fin y acabo no hay más que un sol), y algunas de las mejores tomas se han realizado con sólo una luz perfectamente situada. El uso de diferentes accesorios también puede modificar la calidad y el resultado según nuestras necesidades. Antes de pasar a composiciones más complicadas vale la pena aprender a aprovechar al máximo un solo punto de luz, experimentando con iluminaciones laterales y a contraluz, además de las ya conocidas frontal y en ángulo de 45%. Si se quiere suavizar la luz y dar la impresión de que trabaja con una segunda fuente de menor potencia, lo único que se necesita es un reflector blanco.

 Fotografía de Paula Juan Altemir a mi Deni.

Por supuesto, una segunda fuente de luz aumenta las posibilidades, y además de usarla para rellenar sombras se puede situar junto a la luz principal, sobre el sujeto, o de cualquier manera que nos convenga.

Disponer de dos luces también nos permite controlar la producción de potencia entre ambas, reduciendo o aumentando su potencia para controlar el contraste en la fotografía. Lo ideal para muchos sujetos es una producción 1:4 (una de las fuentes con 1/4 de la potencia de la otra), pero no existen reglas fijas y la experimentación acostumbra o ofrecer resultados sorprendentes y originales.

En la practica, muchos fotógrafos necesitan por lo menos tres o cuatro puntos de luz y, excepto para composiciones avanzadas o situaciones en que se precise una gran potencia, deberían bastar.

En cualquier caso hay que recordar que es muy fácil sobreiluminar un sujeto, proyectando sombras en todas direcciones. Antes de añadir otra luz, pregúntese exactamente qué va a aportar a la imagen; si no aporta nada, no la use.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Tags :     

August Sander. Del mirar con concepto.

2012.09.07
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
August Sander ha pasado a la historia de ia fotografía por sus retratos psicológicos, por su manera de captar la realidad documentando retratos de gente corriente. Nacido en Herdorf de Sieg en 1876 al este de la ciudad de Colonia, hijo de un carpintero de minas ya desde pequeño demostró que poseía un innato sentido artístico, sus dibujos así lo demostraron. El azar de servir de guía a un fotógrafo que documentaba las minas hizo que su interés se desviase hacia esta nueva manifestación artística. Su familia aceptará que siga estudios de fotografía y un pariente con fortuna se encargará de pagárselos.
Los retratos que acumula a lo largo de su vida no son sino la historia de una nación y sus hombres. Desde la simplicidad los retratos que toma Sander se vuelven tan complejos que aún hoy tratamos en vano de averiguar la manera tan profunda de mirar que poseía que, posiblemente le venía de su antiguo oficio de minero, y de introducirse en las profundidades de la tierra para encontrar aquello que no se ve desde la superficie.
 En 1918 los alemanes acaban de Perder la guerra y Sander en su estudio de Colonia tiene largas colas esperando hacerse retratos para los carnés de identidad exigidos por las fuerzas de ocupación. Así, de esta manera tan prosaica, no tiene otro sistema que adaptarse a la ingente demanda y comienza a fotografiarlos en grupos para luego cortar individualmente. Acelerando el proceso puede dedicarse a preparar para lograr un trabajo de calidad.

2ª lección de Irving Penn.

2012.07.15

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR MANUEL LÓPEZ.

Constantes en los bodegones de Penn es la exquisita ambientación de conjunto, la posición milimétricamente estudiada de cada elemento, la magistral economía del color y la sobria administración de esa iluminación cenital difusa con el inconfundible sello del maestro. Todo ello al servicio de una imagen final en la que la fantasía es hecha creíble por obra y gracia del genio creador de uno de los grandes maestros de la plástica del siglo XX. Las “notas” realistas  de ambientación -en esta foto, las moscas sobre el limón, las fibras de las hojas de vid, las pepitas de las cerezas…- representaron en su día una rotunda innovación en la fotografía de bodegones. Podría decirse que la fotografía de “naturalezas muertas” acaba en Penn, quien les devuelve a la “vida”. Los bodegones de Irving Penn se encuadran justamente en las antípodas de la producción de bodegones falseados de escaparate de supermercados. El autor impregna vida a sus composiciones, haciéndolas atractivas, familiares, sobre todo creíbles a quienes las contemplan. Las fotos de bodegones de Irving Penn no sólo llevan la mirada a ellas; la sujetan. Nada deja al capricho del azar o a merced de la imaginación a la hora de construir el espacio fotográfico. Al control poderoso, total, de la elección de las formas se une el genio de la sabia disposición de los objetos en el espacio. En esta imagen, impresión visual de la composición es claramente piramidal, en tercios verticales: el primer plano es el mantel, el pan y la servilleta; el primer plano medio con la sandía; y el segundo plano medio con uvas. Penn consigue un imposible: que leamos las fotos en el sentido inverso, de abajo arriba. Simplemente magistral.

↑ Naturaleza muerta con sandía. Nueva York, 1947. Copia dye transfer, hacia 1959. Datos técnicos: Cámara Deardoff 20×25 cm con objetivo de 300 mm f/5,6. Película Ektachrome tipo B. Focos de la continua de estudio. exposición: 8 segundos a f/64.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

… glamour y mercados para él.

2012.07.02

TEXTO DEL LIBRO “TÉCNICAS DE ILUMINACIÓN GLAMOUR”. ESCRITO POR STEVE BAVISTER. EDITORIAL “EDICIONES OMEGA“.  Este libro está escrito en el año 2001.

… glamour

Cuando se habla de las diferentes especialidades fotográficas, a todo el mundo le queda claro a qué nos referimos. En fotografía arquitectónica el sujeto son edificios, en retrato se fotografían personas y en bodegones se intenta capturar un objeto.

 Fotografía “Payaso” de Paula Juan Altemir.

Pero dígale a alguien que es usted fotógrafo de glamour y su reacción será tan variada como variado es el propio concepto de la palabra «glamour». Según algunos diccionarios, glamour es «atractivo físico, especialmente cuando se realiza mediante maquillaje» o «belleza o encanto atrayente». Para otros es «una fascinación misteriosa y mágica».

Gran parte de la fotografía de belleza y lifestyle actual presenta un fuerte componente de glamour. El glamour ha sido desde siempre una de las bases de la fotografía de moda, y uno de los estilos en boga en la actualidad es el retrato erótico. En la mayoría de los países estas poses provocativas y estas expresiones sensuales nos observan todos los días desde las pancartas publicitarias.

Mercados para el glamour

El incomparable crecimiento de las revistas dirigidas al público masculinos ha abierto las puertas al extremo más marcadamente erótico de fotografía de glamour, incluyendo una gran cantidad de trabajos con modelos en bikini o ropa interior. Pero conseguir encargos de este tipo no es en absoluto tarea fácil. La mayoría de los modelos proviene tanto del mundo del cine como de la televisión, y los trabajos se encargan a fotógrafos de renombre en vez de comprarse. Ver más información del artículo

Salvaje de la calle. Irving Penn.

2012.05.06

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR  JOHN SZARKOWSKI

Esta es la 2ª parte de: “Penn cambió nuestro sentido del mundo”. Si quieres leer la 1ª parte pincha Aquí.

Refiriéndose a sus primeros años en “Vogue”,  Penn se recuerda a sí mismo, probablemente sin franqueza y desde luego hiperbólicamente, como un salvaje de la calle rodeado de gente sofisticada. Es seguramente cierto que el aspecto de sofisticación era en aquellos años el capital más apreciado de la revista y un capital que no se vendía barato. En 1949, Liberman dijo a Penn que se comprara un traje de etiqueta y se fuera a París a ver las nuevas colecciones, no ha trabajar, sino a familiarizarse con el mundo con el que estaba trabajando: como hablaba, andaba, comía, bebía y hacía negocios ese mundo. Penn difrutó mucho en ese viaje.

En 1950, fotografío las colecciones de París y produjo un serie de fotos que sigue siendo igualmente memorables y cambiaron las pautas por las que se juzgaría, durante algún tiempo, a las futuras fotografías de moda. Sus fotos no hacen referencia a argumento o circunstancia alguna, no hay sugerencias de viejos castillos o picnics perfectos o coqueteos deliciosos en salones eduardianos, o focos o mundos oníricos. No son relatos, sino simples fotos dentro de los límites de un vocabulario clásicamente simple, hacen una producción a términos pictóricos de la idea y del espíritu de trabajo de otro artista: el trabajo del modisto. Ver más información del artículo

Beatriz Sancho. New York 2001.

2012.02.28

FOTOGRAFÍAS DEL Nº 13 DE LA REVISTA EASY_50

FOTOGRAFÍAS DE BEATRIZ SANCHO: http://www.beasancho.com/

Ver más información del artículo

Javier Vallhonrat.

2011.10.17

Este artículo es de hace muchos años. Me imagino que Javier Vallhonrat ya expuso, en su momento, en la Fundación Telefónica y publicó sus dos libros.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/

ESCRITO POR MONGÓMERI

FOTÓGRAFO JAVIER VALLHONRAT: http://www.mfilomeno.com/

Madrileño del 53. Artista y fotógrafo. Premio nacional de fotografía. Publica en los mejores Vogue. Ha trabajado para Galliano, Comme des Garçons, Sybilla, Jill Sander, Shiseido, Lancòme, Chloe… Ha expuesto en galerías como Helga de Alvear, Gilvert Browstone, Hamiltons, Prinz Gallery… Tiene varios libros publicados. Su próximo próximo proyecto es exponer en la Fundación Telefónica de Madrid.

Acaso, 2001.

Bellas Artes: Me aportó, entre otras cosas, observar la fotografía desde la misma distancia con la que se pueden observar otras herramientas de expresión. También entender que los problemas que te puedes plantear en torno  a los usos que le des a la fotografía, estarán marcados por la especialidad de esa herramienta, y por el contexto en que la uses. Fotógrafo o artista: Soy un artista que trabaja de forma insistente con la fotografía (soy reincidente). En mi trabajo utilizo otros medios, como el vídeo, dibujos, etc… Encargos: Por supuesto que hay satisfacciones personales y creativas, pero si no me pagaran los encargos comerciales, no los haría. Trabajo personal: El desarrollo de un trabajo de artista a largo plazo, exige un compromiso total. En la medida en que las motivaciones externas no son  nunca suficientes, más que percibirlo en términos de satisfacción lo percibo en términos de algo necesario. Ver más información del artículo

1ª lección de Irving Penn.

2011.09.26

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR MANUEL LÓPEZ.

Esta naturaleza muerta de Irving Penn fechada en 1947 y copiada por el proceso “dye transfer” en 1848 nos muestra el contenido de un bolso de mujer (primorosamente) desparramado por la moqueta de un suelo que el autor hace valer como el de un teatro. El zapato negro y el vuelo de la pierna del pantalón determinan la verticalidad de la composición. Penn se vale de muy pocos matices de color, todos ellos ubicados en la clave cálida y “lujosa” de los oros, amarillos y marrones. La píldora y la cápsula rosas son los “toques de color” individuales que acentúan la sensibilidad cromática de la imagen. La textura de la moqueta es minimizada de la forma más inteligente: con las briznas de tabaco del cigarrillo y los pequeños objetos en la mitad inferior de la foto. El uso de tanto blanco (el cigarrillo) como del negro (el pie) hace resaltar la gama cromática, con lo que los colores existentes, una gama “cerrada” en clave pastel, extremadamente reducida, son percibidos con mayor brillantez e intensidad. Con una serie de objetos perfectamente identificables, Irving Penn ha conseguido con esta célebre foto hacer trizas de la primera regla “académica” del lenguaje fotográfico: la representación ordenada en una foto de bodegón de objetos de distintos materiales con diferentes texturas trasciende clamorosamente la definición de “foto de producto(s)”. Aquí, Irving Penn no se limita a mostrarmnos objetos; nos transmite un sentimiento.

↑ Datos técnicos: Cámara Deardoff 20×25 cm con objetivo de 300 mm f/5,6. Película Ektachrome tipo B. Focos de la continua de estudio. exposición: 8 segundos a f/64.

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

La perdida de la inocencia.

2011.09.19

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

Un capítulo no muy conocido de la historia de la fotografía es el que protagonizaron los fotógrafos Mayer y Pierson. Fue gracias a ellos que la fotografía fue reconocida por primera vez de modo oficial como obra de arte. Corría el año 1863. La fotografía era un medio tan joven e “intruso”como comercialmente exitoso. Los fotógrafos más conscientes de las posibilidades expresivas del medio fotográfico se mostraban unánimes en sostener que la fotografía se relacionaba con el arte y no con la industria. Pero casi todos los artistas le negaban al nuevo medio “mecánico” la dignidad de la asimilación a la obra de arte.

Julia Margaret Cameron. Paul y Virginia, 1865.

La discusión sobre la condición “artística” o “artesanal “, incluso “mecánica” de la fotografía, que enfrentaba violentamente a artistas, artesanos y literatos contra los profesionales que no dudaban en anteponer su condición de “artistas” al oficio de fotógrafos, acabó en los tribunales. En uno de los procesos que, después de pasar por varias instancias llegó a ser célebre, el de los fotógrafos Mayer y Pierson contra Betheder y Shwabe, la justicia francesa decidió finalmente que había que reconocer la fotografía como obra de arte.

Ver más información del artículo