Siete citas de fotógrafos históricos. Parte 2.

2011.07.12

CITAS EXTRAÍDAS DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

En el fondo, el éxito o fracaso en la fotografía de personas depende de la capacidad del fotógrafo para entender a su prójimo. EDWARD WESTON.

A menudo me han acusado de deformar la naturaleza deliberadamente para adaptarla a mi propio punto de vista. Por encima de todo, sé que el fotógrafo no puede imaginarse la vida desde otros ojos. Cualquier opinión entraña elementos de crítica, pero la crítica puede estar inspirada por el amor. Es importante lo que está oculto a los demás, ya sea un rayo de esperanza o de tristeza. La fotografía seguirá siendo una reacción instintiva del operador hacia sí mismo. ROBERT FRANK. →

No hay tipo concreto de foto que piense que es mejor que otra. Siempre busco imágenes con espíritu. No me importa una mierda cómo se han hecho. MINOR WHITE.

Prefiero trabajar en el estudio, porque aísla a las personas de su entorno. En cierto modo, se convierten en símbolos de ellos mismos. A menudo pienso que la gente viene a que le fotografíe por lo mismo que van al médico o a un astrólogo: para saber quienes son. RICHARD AVEDON. →

Calidad no significa negros profundos y cualquier gama tonal. Eso no es calidad, eso es una clase de calidad. Las imágenes de Robert Frank pueden sorprender a algunos por su desnudez (la gama tonal no es correcta y cosas así), y sin embargo son muy superiores a las de Ansel Adams en cuanto a calidad. Porque la calidad de Ansel Adams, si puede decirse, es en esencia la calidad de una postal. Pero la calidad de Robert Frank  es una calidad que tiene algo que ver con lo que está haciendo, con cómo es su mente. No consiste en equilibrar el cielo y la arena, etcétera. tiene que ver con la intención. ELLIOT ERWITT.

Ser un buen fotógrafo requiere mucha imaginación. Se necesita menos imaginación para ser pintor, porque puedes inventar cosas. En fotografía todo es tan corriente, que hay que mirar mucho antes de aprender a mirar. DAVID BAILEY.

Evidentemente, siempre habrá quién sólo vea la técnica, que se pregunte “como”; otros, de naturaleza más curiosa, se preguntan el porqué. Personalmente, prefiero la inspiración a la información. MAN RAY.

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Andrés Serrano. Hablando de lo único.

2011.07.07

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Andrés Serrano se dio a conocer masivamente por aquello que se encuentra más alejado del arte: la censura. El escándalo propiciado por una fotografía considerada obscena le catapultó por todo el panorama internacional. Serrano demostró que no sólo era un provocador, sino que la categoría de sus imágenes iba más allá del mero escándalo. Sus posteriores trabajos le han posicionado en uno de los lugares de privilegio del arte actual y su obra ha ido adquiriendo una consistencia y profundidad que hacen de ella un clásico de la fotografía contemporánea, lo cual no es una contradicción aunque suene como tal.

La obra artística de Serrano cabalga siempre entre la dualidad y ello es resultado de la mezcla de sangres y culturas. Nacido en el neoyorkino barrio de Brooklyn, creció en la zona italiana de Williamsburg, hijo de afrocubana y hondureño, su difícil niñez, —ya que rara vez vio a su padre, embarcado continuamente en un barco mercante—  a lo que hay que unir las dificultades de su madre, que jamás llegó a hablar inglés, están presentes a lo largo de todo su trabajo artístico. Su cultura visual, eminentemente latina, y su desarraigo pueden ser la causa de su iconografia religiosa y transgresora.

“Pieta” Andrés Serrano 1985.

Su estilo es una suerte de violencia y de imágenes que recurrentemente tratan sobre la muerte, el cuerpo y sus fluidos en una trama desasosegante que tritura nuestras miradas buscando herir la sensibilidad. Serrano es un artista de color que evita el blanqueamiento de las imágenes. La violencia está ahí y él nos la presenta sin un ápice de obviedad. Las escenas de morgue, de suicidados, su trabajo sobre Budapest son escenas llenas de inmovilidad que se transforman, una vez captadas por su cámara, en parte de representación de pequeñas obras teatrales brúscamente paralizadas como en los planos de Andrei Rublev.

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Los encantos de la fotografía. Santiago Ramón y Cajal.

2011.06.21

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

(Prólogo del libro “La fotografía de los colores”)

La fotografía común y, sobre todo, la fotografía en color constituyen distracción incomparable para el trabajador intelectual. En los prosaísmos y miserías de la lucha profesional o de la vida oficinesca, pone un poco de poesía y algo de emoción imprevista. Sus placeres, eminentemente higiénicos y educadores, carecende la tediosa monotonía del billar o de la ruda y peligrosa fatiga de la caza.

Solitario como el ciclista, el aficionado a la fotografía se basta a sí mismo. Sólo el objetivo puede saciar la sed de belleza de quienes, habiendo nacido artistas, no gozaron del vagar necesario para ejercitar metódicamente y dominar el pincel y la paleta.

Yo debo a la fotografía satisfacciones y consuelos inefables. Por agradecimiento al divino arte escribo este librito. Deseo celebrar lo que tanto amé, lo tan digno de cautivar a todo espíritu sensible y curioso de las bellezas naturales.

Excusado es decir que, cercano a la vejez, pertenezco a la grey de los antiguos aficionados. Jamás sentí desfallecimiento en mi devoción por la cámara obscura, cuyas imágenes, siempre variadas, ennoblecieron mis fiestas y alegraron mis vacaciones.

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Siete citas de fotógrafos históricos. Parte 1.

2011.06.06

CITAS EXTRAÍDAS DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

¿De qué sirve tener mucha profundidad de campo si no hay una correcta profundidad emocional? W. EUGENE SMITH

Las ventajas de la mirada solo llegan si nos paramos un momento, nos desenredamos de la enloquecedora multitud de emociones rápidas que bombardean nuestras vidas sin cesar y miramos atentamente a una imagen tranquila. El observador también debe estar dispuesto  a pararse, a volver a mirar, a meditar. DOROTHEA LANGE. →

Si sólo fuera curiosa, me resultaría muy difícil decirle a alguien: “Quiero ir a tu casa y que me cuentes la historia de tu vida”. La gente pensaría que estoy loca. Y además montarían guardia. Pero la cámara es una clase de permiso. Mucha gente quiere que le prestes toda esa atención y es un tipo de atención muy razonable que prestar. DIANE ARBUS.

Para fotografiar a un prisionero de guerra tienes que estar en el momento en que le capturan. Luego, aquella expresión se pierde para siempre. El mecanismo humano es asombrosamente recuperativo. Media hora después, las expresiones se han ido, las caras han cambiado. La madre con el bebé muerto en los brazos ya no parece desolada, aunque lo siga sintiendo. HORST FAAS. →

El otro día leí que Minor White dice que se tardan 20 años en llegar a ser fotógrafo. Creo que es un poco exagerado. Yo diría, pariendo de mi experiencia, que se tarda al menos ocho o nueve años. Pero no se tarda más que en aprender a tocar el piano o el violín. Si hay que esperar veinte años, ¡más vale olvidarse! PAUL STRAND.

¿Que es el fotoperiodismo? A veces, una foto insólita, en la que la forma es precisa y rica y, el contenido posee suficiente resonancia, se basa en sí mismo. Pero raro es el caso. Los elementos de un motivo que nos hablan suelen estar esparcidos y no pueden capturarse en una sola foto. No tenemos derecho a juntarlos a la fuerza; organizarlos sería mentir… lo que nos lleva a la necesidad del fotoperiodismo. HENRI CARTIER-BRESSON. →

Lo mejor de nosotros no es lo que vemos, es lo que sentimos. Somos lo sentimos. No somos lo que miramos. No somos ojos, somos cerebro. La gente cree en sus ojos y se equivoca completamente. Por eso considero que la mayoría de las fotos son extraordinariamente aburridas: inofensivas, amables, otra cansada, otro atardecer. A veces se añaden colores para proteger la inocencia. Es aburrido. Y todo el abanico de la experiencia propia… el dolor, la soledad… ¿Cómo se fotografía la lujuria? Quiero decir, ¿Como se enfrenta uno a estas cosas? Esto es lo que somos, no lo que vemos. Todo está sentado aquí. Podría hacer todo el trabajo sentado en mi habitación; no tengo que ir a ningún sitio. DUANE MICHALS.

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Chema Madoz.

2011.06.03

Este texto está escrito en el 2001. Lo comento por el dato que se dice de que es el último premio PhotoEspaña.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA VANIDAD: http://www.vanidad.es/

ESCRITO POR FERNANDO MIGUEL. FOTÓGRAFO CHEMA MADOZ: http://www.chemamadoz.com/

LOS FOTÓGRAFOS SON LOS NUEVOS HECHICEROS, ENTRE LÍQUIDOS Y LUCES.

De entre los alquimistas destaca recientemente la figura de Chema Madoz, ganador del último premio PhotoEspaña. Su obra se halla entre el realismo mágico y Ia exaltación de lo cotidiano (siguiendo los pasos del pop art), en ese terreno en el que se vislumbra,/explicita la metáfora. El que responde al teléfono es su hijo (“Papá, es un periodista”), un buen comienzo para la entrevista: “A mi hijo le divierte mi fotografía, pero supongo que es menos receptivo porque ve todo el proceso, con eso pierde un poco de misterio. Pero yo creo que a los niños en general les comunica mucho, las fotos son como un guiño. Les resultan diverlidas”. Como una especie de designio de la paradoja vive en la calle Casa Amarilla, como si su vida fuera un rincón de sus fotografías: “Las imágenes tienen diferentes niveles de lectura y en ese sentido están muy abierlas. En definitiva, son una reivindicación de la duda, no hay afirmaciones tajantes, todo es susceptible de tener una lectura diferente”. Su voz es de persona humilde, cabal, tiene otra de las características que reúnen sus trabajos, “el blanco y negro lo utilizo porque es más abstracto, tiene una mayor relación con el mundo de las ideas o de la memoria o de la imaginación. También tiene una cierta distancia con la realidad, llega a un terreno más ambiguo y abstracto”. La conversación iba girando hacia temas aparentemente escabrosos cuando le hablo de un “egoísmo” que le hace no ulilizar personas en sus imágenes para tirar siempre de objetos: “No retrato últimamente gente, pero no es necesario. En definitiva estamos hablando de lo mismo, ya sea a través del objeto, que es un reflejo de nuestros deseos, carencias, aspiraciones. El objeto está siempre entre el sujeto y todo lo que desea hacer. Es uno de los mejores espejos del sujeto”. La palabra instantánea sería una de las últimas que se debería utilizar al hablar de un trabajo que es precisamente fruto del trabajo, muy alejado de la casualidad. Así, cuando comentamos la frase del fotógrafo gallego Vari Caramés (“una foto es una emoción congelada”), asiente tras el teléfono, asiente pero con condiciones: “Emoción pero también reflexión”. Y así nos despedimos: Bienvenidos a la casa de la transgresión, el humor, la duda, la subversión, del juego y la paradoja: Chez Madoz.

“Las escaleras, con todas sus supersticiones, sus engaños y sus juegos son otros de los objetos que Chema Madoz ha utilizado para demostrar que el mundo no es absoluto, que es simplemente duda”.

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Claude Cahun. Más allá de si misma.

2011.05.26

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Hablar de Claude Cahun es hablar de las vanguardias, es hablar de una mujer que convivió con las corrientes de su época, que tuvo una vida difícil, que fue perseguida por el fascismo, que hizo de su vida un reto y de su legado artístico una de las obras más modernas y consistentes de la historia de la fotografía.
Su vida es tan apasionante como su obra. Nieta de uno de los escritores fantásticos más estimulantes del panorama literario francés, Marcel Schwob, nació en Nantes en 1894. Hija de burgueses acomodados, más tarde adopta el seudónimo de Claude Cahun. Su descubrimiento, siglo y medio después, aporta a la historia de la fotografía moderna la obra de una artista hasta entonces invisible y que ha sido referente de la fotografía de nuestra época; desde Cindy Sherman a todos los que se retratan compulsivamente tratando de descubrir las múltiples facetas que escondemos todos.
La vida de Cahun es una difícil porque participa de los momentos convulsivos de su época; desde el asunto Dreyfus, hasta la persecución nazi. De familia anglófila, estudia en lnglaterra y más tarde se matricula en Filosofía en la universidad de Soborna. En 1922, se instala en París acompañada de su hermanastra y compañera, Suzanne Malherbe, con la que vivirá toda su vida. Juntas, se relacionan con los medios artísticos e intelectuales del momento; desde Gertrude Stein y Alice B. Toklas, Silvia Beach y Adrianne Monnier, además de personajes como el pintor Liptichz y algunos surrealistas; por lo que su casa será denominada el “sismógrafo” de la época.
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Grete Stern. Una vanguardista de corazón.

2011.03.31

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Quizá sea en el arte de la fotografía en el que más mujeres han destacado. El medio fotográfico cuenta con un grupo que ha entrado por derecho propio en su historia. En el año 2000 perdimos a una que fue pionera en la utilización de collages y una de las grandes fotógrafas del siglo. Grete Stern, alemana de origen judío y nacionalizada argentina, murió a los 94 años en Buenos Aires después de una dilatada y fructífera carrera. Nacida en Eberfeld (Alemania), sus primeros estudios fueron los de grafismo en Stuttgart con el conocido Scheidler.

En 1930, recién acabados sus estudios secundarios, su interés por el diseño y la publicidad le llevan a estudiar en la mítica Bauhaus, trabajando en el departamento de fotografía con W. Peterhans. Es en esa escuela donde conocerá a todos los grandes de la vanguardia alemana. Escuela pionera en la integración y desarrollo entre las diversas artes, su contacto y estudios en ella marcarán toda su obra posterior. Para Crete Stern, la fotografía siempre fue un medio de expresión artística. lnfluida por el pensamiento de Peterhans, que además era matemático, y por las fotografías de Umbo, la mirada de Stern sobre las cosas no era otra que la composición desde la cabeza. Hasta la llegada de Ellen Aurbach, era la única alumna de esa disciplina en Bauhaus y con ella abre en Berlín su primer estudio especializado en fotografía publicitaria de vanguardia. El estudio, con el curioso nombre de Ringl und Pitt (nombres con los que eran llamadas en su infancia), recibe en 1931 un premio internacional en Bruselas. Con la incipiente llegada del nazismo se instala en Londres, donde trabajará en el retrato y la publicidad hasta que conoce al fotógrafo argentino Horacio Coppola, con el que acabará casándose y emigrando a Argentina en 1936, lugar que convierte en su segunda patria y en la que marcará su estilo renovando los esterotipados retratos argentinos de la época.

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