My Ibiza. Norbert Toelle.

2012.12.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN “IBIZA & FORMENTERA STYLE, Nº 03, 2010″: http://ibiza-style.com/

FOTÓGRAFO NORBERT TOELLE: http://www.studiotoelle.de/

Fascinante para todas las personas que han visitado Ibiza al menos una vez en la vida y han quedado prendadas del espíritu de la isla. Esos recuerdos despiertan multitud de evocaciones al contemplar estas fotografías. Cala Carbó 4.
El fotógrafo profesional Norbert Toelle investiga la isla con su cámara Hasselblad analógica y logra encontrar siempre puntos de vista peculiares que hacen parecer nuevo lo ya conocido. Las fotografías de Norbert Toelle son clásicas. Se orientan según cánones estéticos intemporales. Por lo que respeta al color, son estrictamente monocromas, pero no necesariamente en blanco y negro. Costa 02.
Al contrario, se maneja toda la paleta cromática. Por lo demás Norbert Toelle solo admite un máximo de dos colores en la misma imagen. La estructura gráfica de la fotografía es calmada, mayoritariamente a un eje central. En el centro de la imagen está asentado siempre el objeto, a menudo provisto de una pequeña diagonal. Recuerda a la pintura paisajística de los artistas flamencos del siglo XIX. Toelle: «El principio de nuestra estética visual general sigue estrictas reglas muy antiguas. Durante milenios, los seres humanos han desarrollado un código estético que se ha interiorizado ya prácticamente a nivel genético. En Knossos (Creta) se puede reconocer esto de forma sorprendente en murales que datan del año 1500 a.C. Este código, entre otro elementos, engloba: simetría, proporción áurea, diagonal y armonía de colores. Todo lo que podemos hacer es buscar variaciones dentro de estas reglas». Ver más información del artículo

Neue Welt. Wolfgang Tillmans.

2012.11.20

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN TENMAG: http://www.tendenciasfashionmag.com/

TÍTULO DEL LIBRO: Neue Welt, de la editorial Taschen. AUTOR: Wolfgang Tillmans.

Recuerdos que no se corresponden con el nuevo traje de ciertas realidades geográficas y sociales se acumulan en el último título de TASCHEN, Nueve Welt (New World), un archivo personal pasado por el singular laboratorio contemporáneo del fotógrafo alemán. La entrevista que precede el puzzle visual de este estimulante archivo fotográfico escenifica la nueva realidad en la que “solo los fragmentos pueden ser procesados, en la que ya no existe una visión de la totalidad, del todo”. Tillmans, conocido por su ojo clínico y retratos de la juventud más subversiva y peligrosa, ha decidido el objetivo esta vez a las nuevas formaciones y aliñadas con la fuerza escénica que sólo reside en los gestos de valentía. A caballo entre Londres y Berlín, el fotógrafo que ganó el prestigioso premio TURNER de arte a principios de siglo se dejó ver por última vez en España en la exposición individual que tuvo lugar en la Galería JUANA DE AIZPURU en 2008. Desde entonces  y hasta ahora, además de exponer en templos de lo contemporáneo como SERPENTINE GALLERY londinense, el cambio de rumbo occidental ha influido de manera decisiva en su carrera, “me pregunté a mi mismo por qué no debía viajar a lugares donde pasaba a ser simplemente un viajero. Quería saber: ¿cómo aparece el mundo veinte años después de que yo empezara a formarme unA imagen de él? ¿Puede haber una “nueva” vista de él?” Sin duda, la hay. Aquí una muestra para el fetichista del papel donde se muestra que somos capaces de hacer de un mismo sitio un lugar diferente que habitar. A veces mejor, muchas otras peor.

 

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Candida Höfer. Fotografía de interiores.

2012.11.15

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA “AD ARCUITECTURAL DIGEST”: http://www.revistaad.es/

FOTÓGRAFO JAVIER SALAS: http://www.javiersalas.com/.
ESCRITO POR ITZIAR NARRO.

Ella fotografía bibliotecas, teatros y óperas. Nosotros la fotografiamos a ella en su casa de Colonia. Es el retrato de la mejor fotógrafa de interiores del mundo, la otra dama de hierro.

Le regalaron su primera cámara a los 17 años, pero Candida Höfer (Eberswalde, 1944) estaba acostumbrada al objetivo desde niña. A su madre le gustaba sacar fotos. “Lo hacía mejor que yo”, cuenta. Y eso, viniendo de ella, es mucho decir, porque la Höfer es, probablente, la persona que mejor fotografía las tripas de la arquitectura pública, y la primera en convertir esa obsesión en arte. Ha inmortalizado los interiores más impresionantes del mundo, Ver más información del artículo

Era industrial. Fotos Belén Imaz.

2012.04.02

REVISTA “AD ARCUITECTURAL DIGEST”: http://www.revistaad.es/

FOTÓGRAFA BELÉN IMAZ:  http://es.linkedin.com/pub/belen-imaz/28/480/a4a

REALIZACIÓN  PEPE BERMEJO.

El piso de Maximilian Von Wallllenberg es una declaración de principios. Sin cortinas ni intimidad, el artista y decorador alemán vive en un espacio lleno de piezas industriales customizadas por él y el arte provocador. Su guarida es una más en el nuevo Berlín.

(Arriba) Sillas Kangaroo 1972 de Siegfried Mehl y encima de la mesa de MBvW (las siglas de Maximilian) piedra intervenida por él. En la pared, fotografías de Andreas Fux.

↓ (Abajo) Al lado del sofá de Ikea tapizado con lona de camuflaje, mesita cuyo sobre es un trozo de losa. La lámpara es industrial customizada por MBvW. Al fondo, estufa de baldosas de 1929 con objetos industriales de fábricas abandonadas. La pintura es un regalo del artista Berlinés Philipp Fürhofer.

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Yasmeen Ghaury. Top Model de los 90’s.

2012.03.13

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

 Hay que tener mucha capacidad de abstracción para imaginarse a la empleada del mes de un MacDonad’s como potencial top model. El cazatalentos que descubrió a Yameen Ghauri en una hamburguesería de Montreal, sin duda, la tenía. Yasmeen, hija de padre paquistaní y madre alemana, jugó un importante papel para acabar con superioridad aria en el mundo de la moda, trabajando para Christian Dior y Jean-Paul Gaultier o luciendo los morbosos modelitos bondage de Versace. Su rostro ha inspirado también un dibujo: la bruja de Jasmeen en el cómic italiano Jonathan Steele.

 

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Erotismo sin retoque. Helmut Newton.

2012.02.12

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA GQ: http://www.revistagq.com/

Este texto es de noviembre de 2011. Lo digo por la fecha de la exposición citada en el escrito.

¿PODRÍA SER HELMUT NEWTON MÁS EXCITANTE? PARECE QUE SÍ. UN CATÁLOGO CON SUS ‘POLAROIDS’ NOS MUESTRA LA SENSUALIDAD MÁS NATURAL DEL MAESTRO ALEMÁN.

‘HELMUT NEWTON, POLAROIDS’ (TACHEN). 224 páginas.

Como cualquier mortal, el hombre que revolucionó la fotografía de moda también sentía en ocasiones la necesidad de pisar sobre seguro. Así, a lo largo de 30 años, Helmut Newton y la tecnología Polaroid desarrollaron una estrecha y personalísima relación nacida de la urgencia del artista por descubrir cómo las escenas que construía tomaban la forma de una instantánea. Aquellas cámaras, que ofrecían impresiones inmediatas de iluminación y contraste alterados, proporcionaban a Newton en una toma perfecta. Ahora una exposición en la Fundación Helmut Newton de Berlín, a la que acompañada un catálogo editado por Taschen, recopila 300 de estos ejemplares únicos extraídos de los archivos personales del fotógrafo, muchos de ellos nunca exhibidos al público. Con su impactante espontaneidad, estas polas llevan el erotismo omnipresente en la obra de Newton a una nueva dimensión, más directa, descarnada e, inevitablemente, excitante, convirtiendo de esta forma un artículo para nostálgicos en un fetiche para amantes de la sensualidad.

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Moholy-Nagy. El artista pluridisciplinar.

2012.02.04

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

László Moholy-Nager nació en Bácsborsód (Hungría) en el año 1895. Cursa estudios de Derecho en la universidad de Budapest y durante esos mismos años escribe en diversas revista de vanguardia, varios poemas titulados Licht-Visión. Es herido en el frente ruso y durante su convalecencia en Odessa en 1919, decide consagrarse definitivamente a la actividad artística. Se adhiere al grupo húngaro de vanguardia MA. Deja su país y se instala en Viena en 1921 y allí conoce a Hannan Höch. Esta le regala un fotomontaje hecho por ella, lo que le llevará a interesarse por esta técnica innovadora. Más tarde abandona Viena y se instala en Berlín donde se muestra fascinado por la tecnología, por el constructivismo y el dadá. Sus primeros collages y pinturas geométricas datan de esta época berlinesa.
Contrae matrimonio con la fotógrafa Lucía Schultz que es quien le inicia en la fotografía y comienza a realizar sus primeros fotomontajes.
Cuando se crea la República de Wéimar, Walter Gropius, el cual dirige la célebre escuela de Bauhaus, le llama como profesor y es allí, en 1925, donde se publica el mítico Pintura, fotografía y film que marcará un hito en estas disciplinas artísticas. A partir de ese momento determinado abandona la Bauhaus para dedicarse al collage y a la decoración teatral en Berlín, en el célebre teatro Piscator.
Es el inventor del término cinetismo y en ese momento realizar alrededor de ocho filmes. Cuando se traslada a vivir ala ciudad de Amsterdam comienza a probar el uso del color tanto en cine como en fotografía. Su sed de aprendizaje y causas de diversa índole hacen de Moholy-Nagy el eterno exiliado, las residencias en diferentes ciudades sesuceden y recala en Londres, ciudad en la que trabaja como grafista en películas y hace ilustración para algunos reportajes. En 1946 emigra a los Estados Unidos donde volverá a la enseñanza en la nueva Bauhaus que se crea en Chicago y cuando ésta se cierra, crea su propia escuela, School of Design of Chicago, con la ayuda de su segunda esposa, Sibyl. Es en estos años en los que se consagra a escirbir su gran obra teórica: Vision in Motion, que aparecerá después de morir de leucemia en esa ciudad norteamericana.
Para Moholy-Nagy, “no existe imagen más sorprendente ni más simple que la secuencia fotográfica natural y orgánica. (…) Por el sentido de sus partes, separadas pero inseparables, una secuencia fotográfica adquiere al mismo tiempo la fuerza de un arma y el lirismo de la ternura”.
Moholy-Nagy es el proptotipo de artista de los años 20, años del regreso del Orden, de las búsquedas y alianzas entre el arte y la industria.

La obra póstuma del fotógrafo del erotismo.

2011.11.11

TEXTO LITERAL DE UNA FOTOCOPIA QUE ME DIERON CUANDO ESTUDIABA. ME GUSTARÍA SABER DE QUE PUBLICACIÓN SE TRATA Y QUIEN LO HA ESCRITO.

LIBRO: AUTOBIOGRAFÍA HELMUT NEWTON

“Helmut Newton, Autobiografía” es el nombre del libro que desde finales de noviembre está en las librerías españolas editado por RM Verlag. El autor falleció el 24 de enero de 2004 en un accidente de tráfico en Hollywood, Los Ángeles, a los 83 años de edad.

La obra destaca por la cantidad de fotografías, más de 100, tanto de su vida privada como de su etapa profesional. El propio Newton explica el contexto en el que fueron tomadas las fotografías, lo que añade interés al libro. En este sentido, hay anécdotas divertidas, como la que hace referencia a la fotografía tomada a Paloma Picasso en 1986, “En muchas de mis fotografias salen chicas con monóculos. Una chica que trabajaba con migo en el laboratorio de Yua, en 1936, llevaba monóculo….cosa que me volvía loco sexualmente…Un día cuando Paloma Picasso estaba en mí estudio, saqué un monóculo y le dije: De prisa, Paloma, póntelo en el ojo. Y ella lo hizo y le tomé la foto”.

En la primera parte del libro, Newton explica cómo transcurrió su infancia en una familia judia acomodada, el inicio de su aprendizaje como fotógrafo con la fotógrafa alemana Yva en 1936 y la huída de Alemania a Singapur a causa de los nazis, aunque, según constata él mismo “mis padres no se metían en absoluto en política. Eran completamente apolíticos”.

De su profesión como fotógrafo, la obra da buena cuenta de sus días como aprendiz, hecho bastante insólito en la actualidad: “En aquella época no se permitía ser fotógrafo sin haber sido aprendiz”, comenta. Además de Singapur, el libro relata también sus estancias en Australia, Francia y Londres.

“Trabajo con luz díurna durante el verano y, en invierno, ilumino los retratos con un foco de 200 vatios. En la actualidad he ascendido hasta los 500. No tengo luces troboscópica”. Así expresa Newton, en la segunda parte del libro, el procedimiento técnico que utilizaba en su trabajo, y la manera en que realizaba sus apuntes: “Tengo mala memoria, así que llevo un cuaderno. Escríbo ideas para futuras sesiones, escenas de la vida real que me llaman la atención…La Polaroid es un cuaderno de apuntes maravilloso. La uso amenudo para tomar mi primera impresión de lo que voy a hacer”. Ver más información del artículo

Stefan Heilemann.

2011.11.01

WEB DE STEFAN HEILEMANN: http://www.heilemania.de/

Stefan nació en 1974 en Bietigheim-Bissingen (Alemania). Fue durante muchos años director de arte, en distintas actividades de agencias publicitarias. Desde 2001 es independiente y trabaja como diseñador gráfico. Durante cinco años se emplea intensamente con la fotografía, creando su propio estilo que cada vez es más perfeccionado.

“Are you strong enough to be mine” de Stefan Heilemann.

Las fotografías del artista alemán forman una relación simbólica entre la fantasía, la realidad y la locura. Con gran ingenuidad conduce al espectador con sus imágenes, lo hasta ahora nuca visto, lo extraño, que recuerda a los cuentos de hadas y a las pesadillas. Stefan va en un contante equilibrio entre la ironía y la morbilidad, a través de su estilo emergente donde las obras de belleza inquietante, son por lo general en medio de los intestinos.

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La fotografía y la visión perspectiva. Fotografía arquitectura.

2011.10.10

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 06 “APLICACIONES PROFESIONALES DE LA FOTOGRAFÍA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

La fotografía como medio de registro de la visión a través de un dispositivo óptico reduce la realidad con una visión subjetiva parecida a la del ojo humano, sin la facultad de adaptación y de interpretación realizada en cambio por el sistema cerebral.

De hecho se ha visto cómo las líneas de un edificio o de una calle aparecen convergentes hacia el punto de fuga producido por la por la posición del punto de vista respecto del objeto encuadrado.

Esta visión perspectiva que hace que las líneas de un edificio converjan hacia un único punto se debe, como se puede intuir, justamente al punto de vista, porque éste a su vez condiciona otro parámetro fundamental: el ángulo de inclinación del plano de la película o del sensor respecto al sujeto.

Este ángulo, que se acentúa acercándose a la base del edificio, es el responsable de la convergencia de las líneas paralelas convergentes. Para evitar esta deformación se debería encuadrar el edificio paralelamente al plano de la fachada, pero como se puede intuir fácilmente eso no es posible porque nos permitiría encuadar solamente la parte inferior de la fachada y una importante porción de terreno.

En la fotografía existe también otras variables, como la distancia focal del objetivo, que interviene en el nivel de distorsión de la perspectiva.

http://places2explore.wordpress.com/category/fisheye-lens/, interior de la Marktkirche, Wiesbaden, Alemania.

Los objetivos que limitan los efectos de la perspectiva y mantienen mejor las proporciones de un sujeto son los objetivos normales o medios. Pero este tipo de lentes tienen un ángulo de campo restringido que no permite encuadrar  una porción  suficiente de un espacio arquitectónico, salvo que se aleje mucho el punto de toma. Al revés, los objetivos gran angular pueden incluir en la imagen mucho más espacio, pero al mismo tiempo introducen en la fotografía una perspectiva muy acelerada, produciendo en algunos casos también deformaciones esferoides desagradables.

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