Obsesión postal.

2013.11.22

TEXTO LITERAL REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

ESCRITO POR L.F.

El fotógrafo estadounidense Walker Evans amasó una de las mayores colecciones de postales del siglo XX.

Imagen de artista desconocido del archivo de Walker Evans de 1994. Future New York, The City of Skyscrapers de un archivo Walker Evans, (alrededor de 1910).

En 1994, el Metropolitan Museum de Nueva York compró la vastísima colección de fotografías y documentos del archivo del estadounidense Walker Evans (1903-1975), quizá el mejor retratista de la depresión capitalista y de la América rural desde la impresiones en gelatina de plata de sus más conocidas instantáneas. Casi seis décadas de actividad, desde una primitiva Laica hasta la Polaroid que usaba en 1974, que le convirtieron en un maestro de lo documental por su estilo frío, severo e imparcial, en total oposición al fuerte (y hegemónico en la época) simbolismo y esteticismo de Alfred Stieglitz y Edward Steichen. Su contundencia y sobriedad mostraron el camino a la fotografía contemporánea, ya fuera retratando a los granjeros arrendarios de Alabama o los seductores carteles publicitarios de la gran ciudad. En su archivo, además de 30.000 negativos de blanco y negro y 10.000 diapositivas de color, se reservaba una enorme variedad de objetos: diarios, relatos breves, recortes de la revista Fortune, medio siglo de correspondencia (las cartas recibidas y copias en carboncillo de las enviadas) y 9.000 postales. No resulta extraño que Evans se viera atraído por esta manifestación sencilla pero tremendamente expresiva de los tópicos de su país. Sus instantáneas supieron revelar la poesía oculta en los escenarios más prosaicos, desde las repetitivas calles de las ciudades provincianas del medio Oeste, hasta las minas de carbón o los vagones de metro. Y estas postales, fechadas entre 1.900 y 1.920, suponen su particular reconstrucción de toda una época iniciada en su misma infancia —entonces el formato era una novedad— y proseguida cuando aún no había tomado la cámara y tratada de sobrevivir como editor de la revista Fortune (1945-1964) o en los últimos años de su vida. Un imaginario atesorado lámina a lámina durante sesenta años, que Evans conservaba con extremo mimo, superior al que dedicaba a otras colecciones (como la de Ver más información del artículo

Luigi Ghirri. La simplicidad con el color.

2013.10.31

Autorretrato.

Luigi Ghirri es un fotógrafo que nació en Scandiano en 1943 y falleció en Regio Emilia en 1992. El comenzó a tomar fotografías de su entorno en la década de 1970.  A sus veinte años se trasladó a la ciudad de Módena, donde realizó sus primeras exposiciones y desarrolló una gran pasión por este medio. Por aquel entonces era un fotógrafo desconocido y no importaba cual era su trabajo, e iba a luchar para que sus imágenes fueran vistas y oídas en su contexto cultural más amplio. Produjo imágenes en color con los pioneros del paisaje y la arquitectura en el entorno del arte conceptual de la época. Luigi buscó paisajes naturales con signos humanos y artificiales como pueden ser carteles y pancartas.
Fotografía de Luigi Ghirri “Marina di Ravenna” en 1986.
Sus paisajes no son realistas en cierto sentido metafísico porque a menudo están carentes de figuras humanas, pero nunca sin Ver más información del artículo

Mujeres de Kosovo. Superviviendo al terror.

2013.06.29

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MUJER 21.
 Esta revista ya no se publica y el artículo es de octubre del año 2000. Lo comento por las fechas y los tiempos verbales de un pasado inmediato.
FOTOGRAFÍAS Y TEXTO DE QUIM ROSER: http://www.quimroser.cat/

Kosovo ha sido el último episodio bélico de los Balcanes. Una guerra especialmente cruel porque la peor parte ha recaído sobre la población civil, y en especial sobre las mujeres, sin excepción ni credos.

Albanokosovares, serbias, gitanas o goranzi. Todas ellas, junto a sus maridos, padres o hijos conformaban el Kosovo multiétnico antes de que estallara la guerra. Un sueño de diversidad que difícilmente volverá a repetirse porque el dolor, los odios, las venganzas y la deportación padecida durante el conflicto han dejado fuertes secuelas, por mucho que la zona trate de volver a toda prisa a la normalidad y esté a punto de celebrar las primeras elecciones locales -28 de octubre-. Hace más de un año -en junio de 1999- las tropas de la OTAN irrumpieron en Kosovo para poner fin a los últimos coletazos de un tratamiento que avergonzaba a medio mundo. Era el principio del fin de la Ver más información del artículo

El banco óptico o gran formato.

2013.04.10

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 06 “APLICACIONES PROFESIONALES DE LA FOTOGRAFÍA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Existen herramientas que a menudo se consideran reservadas sólo a una práctica profesional de la fotografía; en realidad esto es relativamente falso, porque con un poco de dedicación cualquier persona podría hacerse con la técnica para utilizarlos. De todas formas, será útil conocer los conceptos y el funcionamiento básico de estos instrumentos aunque sea sólo para poder apreciar los resultados y la calidad de la toma. Fotografía de Henrick Kam.
Seguramente no será difícil encontrarse con revistas y libros con imágenes de arquitectura perfectas, que tienen todas Ver más información del artículo

La fotografía en colores en analógico.

2013.02.21

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL EN LA ENCICLOPEDIA LAROUSSE.

• Este texto fue escrito antes de que apareciera la fotografía digital en 1980.

Está basada en el hecho que los tres colores primarios, azul, verde y rojo, adicionados en proporciones convenientes, permiten crear sensaciones coloreadas similares a los diferentes colores observados en la naturaleza (método aditivo). Superponiendo en un papel blanco dos de los colores complementarios (amarillo, púrpura y azul-verde), en capas trasparentes más o menos saturadas y en adecuada proporción, se constituyen todas las sensaciones coloreadas. Éste es el método sustractivo. Síntesis aditiva y síntesis sustractiva.

Los trabajo de Clek Maxwel (1861) Y Charles Cros (1869) constituyen la base del procedimiento tricomo (tres colores) de fotografía en colores realizado por L. Ducos du Haron (1869-1880). Un objetivo coloreado, fotografiado sucesivamente a través de tres filtros (azul, verde y después), da tres clichés exactamente superponibles; se tiran respectivamente sobre película o papel fotográfico, y las imágenes en blanco y negro son trasformadas, por tintura (tinta) sobre mordentado (proceso químico para fijar el color), en imágenes de color complementario: la del cliché tomado con filtro azul aparece con color amarillo; la del cliché obtenido con el filtro verde es de color púrpura, y la correspondiente al del filtro rojo aparece en azul-verdoso. Superponiendo las tres películas o tres capas de gelatina separadas del papel, se obtiene una reproducción bastante satisfactoria de las sensaciones coloreadas creadas por el objeto. Este procedimiento se emplea en artes gráficas para el tiraje en colores, a condición de que las tintas sean apropiadas al sistema de impresión por trama. Clek Maxwel, L. Ducos du Haron y Charles Cros.

 

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Penn cambió nuestro sentido del contenido del mundo.

2013.02.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR  JOHN SZARKOWSKI

Penn se compró su primera Rolleiflex con el dinero que ganó dibujando zapatos, a cinco dólares por dibujo, para el “Harper’s Bazaar“. Cuando fue a México a pasar un año, ya tenía también una cámara con soporte de 4×5, y utilizaba ambas a menudo y bién. Sin embargo, no había pensado que la fotografía podría convertirse en el centro de sus ambiciones artísticas. Después de permanecer un año en México, Penn volvió a Nueva York, insatisfecho con sus pinturas, pero amaba las bellas telas de lino donde las pintaba. Por eso no quemó sus fracasos, sino que los arrinconó y luego los lavó hasta dejarlos limpios, a fin de poder seguir admirándolos como amantes para mesitas. De aquel periodo, aproximadamente, han sobrevivido algunos dibujos sin fecha, que hacen pensar que los modelos más importantes para Penn eran De Chirico y Matta.
Al volver, Alexander Liberman, que estaba en Vogue de director artístico, contrata a Penn como ayudante Ver más información del artículo

SPACE and nostalgia.

2013.01.29

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN “IBIZA & FORMENTERA STYLE, Nº 02, 2012”: http://ibiza-style.com/

FOTOGRAFÍAS Y TEXTO DE LOURDES GRIVÉ ROIG : http://www.lourdesgrive.com

Hace bastante tiempo que Lourdes Grivé viene interesándose por las ruinas. Su obra a menudo se recrea en la nostalgia, una nostalgia muy particular porque no está apenas surcada de viviendas sino que es voluntariamente asumida y heredada o adoptada por ella. (Elena Ruiz, directora MACE)

 Can Jaume Refila (izquierda) y Can Punta (derecha). Sant Joan de Labritja.

La serie que parece a continuación habla Lourdes Grivé sobre la mirada nostálgica de la memoria, de nuestro pasado reciente, más concretamente de uno de los elementos que la componen: la ruina; Sus espacios vacíos y Ver más información del artículo

La séptima vida. Alberto García Alix.

2013.01.18

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/

Es uno de los grandes fotógrafos españoles. El cronista de las locuras de su generación. Genial y maldito, ha exprimido su existencia hasta el límite. Este superviviente conserva la mirada libertaria, pero afronta el futuro más sobrio que nunca.

‘MI LADO FEMENINO’ (2002). El autorretrato es una constante desde el inicio de la carrera de García-Alix, hace más de 30 años.

Una forma de mirar es una forma de ser. Y mucho más en un fotógrafo. Para conocer a Alberto García-Alix no hace falta leer ningún artículo sobre su vida (Ni siquiera esté). No hay que acudir a los tópicos de su vida rota, el cuerpo sembrado de tatuajes y la vieja leyenda del maldito. Ni recurrir al cuero negro, las motocicletas Harley-Davidson y los accesorios de la movida madrileña. Decorados que detesta. Para conocer a García-Alix hay que repasar sus fotograías. Y ahí esté él. Sin recovecos.
Cada una de sus imágenes es la huella de un amor, una amistad o un infierno. De miedos y heridas. sus modelos no sonríen; nunca fingen. Él tampoco. “No me gusta el teatro; ya tengo bastante en mi vida”. Durante 30 años de nebulosa carrera ha retratado su biografía a través de los otros. Las mujeres que amó y el hermano que se fue, moteros en el filo de la navaja y estrellas del porno; dosis de heroína y habitaciones vacías. Carreteras desiertas, barrios extremos y pensiones sin nombre. Cada paisaje es el reflejo de un estado de ánimo. El espejo de su existencia. La de uno de los grandes fotógrafos de este país con obra en el museo Reina Sofía de Madrid, la Bolsa de Francfort o el Museo de Arte Contemporáneo de Casilla y León. “La fotografía es mi cuarto de juegos”, dice. “Y en mi cuarto de juegos fijo yo las reglas.  No me planteo las fotos; no digo: ‘Voy a hacer la luna en un bosque de Ibiza. O unas ventanas iluminadas en la penumbra mientras beso a mi chica’. Surgen. Me imagino la luz, abro el obturador, me la juego… y sale. Y pienso. ¡A-mayor-gloria-de-Dios!”. Ver más información del artículo

Richard Leach Maddox. Inventor de la fotomicrografía o del gelatino-bromuro.

2013.01.14

Los grandes avances de la tecnología durante el siglo XIX incluyeron la mejora de la óptica para los microscopios y el desarrollo de los procesos fotográficos. La unión de estas dos tecnologías obtuvieron resultados que fascinaban a nuestros antepasados, y continúan sorprendiéndonos hoy. Algunos victorianos como John Dancer, John Stovin , Alfred Reeves y René Dagron, produjeron fotografías en miniaturas de objetos de gran tamaño, que requieren un microscopio para verlas. Dragon adaptó esta tecnología para desarrollar el microfilm. Otros contemporáneos trabajaron en el desarrollo de métodos para fotografiar pequeños objetos a través del microscopio. Richard Leach Maddox (en la foto izqda.) jugó un papel importante en el desarrollo de la fotomicrografía y sus imágenes fueron muy bien consideradas en su época. Realizaba fotografías de semillas, insectos, pulgas, glóbulos rojos… y se consideraba como un gran logro en la fotografía esa perfección. Imágenes que se mostraban en la Revista de la Sociedad Fotográfica de Londes en 1864, siendo hasta entonces las fotografías de objetos microscópicos un fracaso en general. Maddox será muy conocido por todos los fotógrafos científicos, ya que los últimos 30 años trabajó más que cualquier otro Ver más información del artículo

Miroslav Tichý, el fotógrafo vagabundo.

2012.12.22

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/

El artista checo Miroslav Tichý, introvertido y excéntrico, fue encarcelado y tomado por loco por el régimen comunista. Marginado por propia voluntad, se dedicó luego durante 30 años a retratar a las mujeres de su pueblo con cámaras artesanales.

Una lata de tomate usada. Un trozo de plexiglás abandonado. Un paquete de cigarrillos vacío. Que con desechos de ese tipo se pueden fabricar cámaras fotográficas es algo de por sí sorprendente. Que con el transcurrir del tiempo las imágenes capturadas —todas de mujeres de un pueblo perdido de Chequia— con semejantes cámaras acaben expuestas en museos y galerías de arte de Berlín, Zúrich y Nueva York, y estén cotizadas entre 4.000 y 8.000 euros cada una, parece algo imposible. Si a esto se añade que el autor se desinteresa del éxito y es una especie de eremita de la época moderna —un octogenario que en 1948 decidió aislarse de la represora sociedad comunista en el poder en su país, y que pagó por ello con una quincena de años de cárceles y hospitales psiquiátricos—, entonces la historia ya suena a ciencia ficción. Sin embargo, es real. Se trata de la vida y el arte de Miroslav Tichý, un hombre considerado un demente sin techo por la gente de su pueblo de origen. En realidad, un hombre quizá menos loco que la sociedad que le rodeaba.
Su historia comienza el 24 de febrero de 1948. Ese día, el golpe de Estado de los comunistas checoslovacos derrumba el Gobierno democrático en el poder y, a la vez, cambia el rumbo de la inestable vida de Miroslav Tichý. En aquel entonces, Tichý era un excéntrico y dotado alumno de la Academia de Bellas Artes de Praga, y la pasión de su vida era la pintura. Esa fecha supone también el nacimiento de la barba y el pelo largos que envolverían su rostro durante medio siglo, el inicio de su marginación de una sociedad que le horrorizaba y de su alejamiento de los cánones de la normalidad burguesa.
Aunque la única ambición de este hombre extraño era, fundamentalmente, mantener su libertad, muy pronto su actitud fue interpretada como una forma de disidencia por las autoridades comunistas, que empezaron a controlarle, a impedirle ejercer la pintura y a acosarle hasta encerrarle en cárceles y hospitales psiquiátricos durante tres lustros, el tiempo que tardarían en enterarse de que se trataba de un hombre pacífico, sin intención de animar rebeliones. Una vez libre, Tichý se instaló en una infravivienda en su pueblo natal, Kyjov. Se trataba, sin embargo, de una libertad limitada, ya que le estaba prohibido pintar. Fue entonces, en los años sesenta, cuendo decidió dedicarse a la fotografía. Así empezó el romántico e increíble recorrido de un hombre decidido no sólo a no depender de una sociedad represora, sino también a buscar y atrapar la belleza evidente o escondida de las mujeres que le rodeaban. El resultado es un sorprendente y conmovedor monumento a la elegancia y sensualidad femeninas. Ver más información del artículo