Irresistiblemente ‘retro’.

2012.12.17

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN GQ: http://www.revistagq.com/

Democratizada ad nauseam, la fotografía vive una curiosa edad de oro gracias a lo digital, pero si detestas ser uno más apúntate al revival retro o vuelve a la película.

1. VUELVE LA RÉFLEX DE DOBLE OBJETIVO. Lomo Lubitel 166+
La tendencia es clara: se lleva la fotografía creativa en detrimento de la técnicamente perfecta… de ahí el presente auge de cámaras vintage. Con esta muy soviética Lubitel 166+ podrás volver a disparar con película de 35 ó 120mm. Una adorable actualización inspirada en la original de los años 60. www.lomography.es Foto de www.aaron-photography.com. Ver más información del artículo

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My Ibiza. Norbert Toelle.

2012.12.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN “IBIZA & FORMENTERA STYLE, Nº 03, 2010″: http://ibiza-style.com/

FOTÓGRAFO NORBERT TOELLE: http://www.studiotoelle.de/

Fascinante para todas las personas que han visitado Ibiza al menos una vez en la vida y han quedado prendadas del espíritu de la isla. Esos recuerdos despiertan multitud de evocaciones al contemplar estas fotografías. Cala Carbó 4.
El fotógrafo profesional Norbert Toelle investiga la isla con su cámara Hasselblad analógica y logra encontrar siempre puntos de vista peculiares que hacen parecer nuevo lo ya conocido. Las fotografías de Norbert Toelle son clásicas. Se orientan según cánones estéticos intemporales. Por lo que respeta al color, son estrictamente monocromas, pero no necesariamente en blanco y negro. Costa 02.
Al contrario, se maneja toda la paleta cromática. Por lo demás Norbert Toelle solo admite un máximo de dos colores en la misma imagen. La estructura gráfica de la fotografía es calmada, mayoritariamente a un eje central. En el centro de la imagen está asentado siempre el objeto, a menudo provisto de una pequeña diagonal. Recuerda a la pintura paisajística de los artistas flamencos del siglo XIX. Toelle: «El principio de nuestra estética visual general sigue estrictas reglas muy antiguas. Durante milenios, los seres humanos han desarrollado un código estético que se ha interiorizado ya prácticamente a nivel genético. En Knossos (Creta) se puede reconocer esto de forma sorprendente en murales que datan del año 1500 a.C. Este código, entre otro elementos, engloba: simetría, proporción áurea, diagonal y armonía de colores. Todo lo que podemos hacer es buscar variaciones dentro de estas reglas». Ver más información del artículo

Bendita Movida. Pablo Pérez-Mínguez.

2012.11.24

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR IKER SEISDEDOS.

EL SANTO . Millán Salcedo, de Martes y Trece, en una imagen titulada ‘Pantocrator’.

Abre la puerta, y la vista se va a la medalla del Señor de los Milagros que cuelga sobre la camiseta ajada con un loro serigrafiado que dice: “Pto. Villarta”. “Todo Vale”, reza un cartel entre la marejada de fotografías de la pared. Pablo Pérez-Mínguez —dueño de la puerta, la camiseta y el copyright—, expansivo y de verbo ultraligero, masculla un “sígueme” y desaparece por la habitación del fondo. Allí, el televisor emite el vídeo casero grabado en este mismo escenario una noche de 1982. Almodovar, camisa a cuadros, mira a cámara: “¡Vídeo, vete! Déjame en la soledad de mi deterioro”. Nadie, ni entonces ni ahora, contiene la risa. Almodóvar canta las frases de un artículo de ¡Hola! sobre el veraneo de las infantas en Maivent. Bernardo Bonezzi, jovencísimo cantante de los Zombies, toca la guitarra. Fanny McNmara simula abrirse la cabeza con un taladro.
pablo Pérez-Mínguez —en adelante, PPM (“pobre, pero mítico”, se mofa a sus 59 años)—, camarógrafo aquella noche de 1982, no aparta sus ojos de 2006 de la tele. “Ya entonces, todos éstos renegaban de la movida. Yo, que soy muy de movimientos culturales, ya sostenía que vivíamos uno de los grandes del siglo XX. ‘Nosé dónde acabarán todos estos justos’, me decía, ‘sólo sé que los voy a retratar a todos”. Ver más información del artículo

ROBERT MAPPLETHORPE. Con él llegó el escándalo.

2012.11.22
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
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Si hay algún fotógrafo que consiguió escandalizar a una manada de puritanos ése fue, sin duda, Robert Mapplethorpe. La censura de sus fotografías en una exposición celebrada en 1989 en Washington en la Corcoran Callery, titulada “The perfect Moment”, y que fue anulada, hizo más por su obra que su talento.
Nacido en Nueva York en el año 1946, sé formó en el célebre Pratt lnstitute de Brooklyn. Durante los sesenta comienza a publicar en “lnterview” (la revista editada por el “papa” del pop: Andy Warhol) una serie de retratos de personajes célebres de esa época en la que por las calles de Nueva York era posible ver al mismísimo pintor vender los números de su revista.
Involucrado en los ambientes musicales y artísticos de su ciudad, su vida es un compendio de enciclopedia de actitudes de esos medios. Asiduo de los ambientes gays del bajo Manhattan, son sus retratos homo-eróticos los que le llevan a ser conocido por el gran público.
Mapplethorpe en la época del sexo-duro, antes de la conmoción del Sida, frecuentará todos los templos del sadomasoquismo, las estrellas de los lugares más cutres, y de ellos retratará sus prácticas, sus símbolos, así como todas las figuras emblemáticas de esos lugares.
Lo que más molesta, sin duda, de ese trabajo es que retratando lo más caliente lo haga de una manera distanciada, muy localizada, sin ningún atisbo de emoción. Un hombre obsesionado con la belleza, un hombre obsesionado con el sexo. Posiblemente, un hombre obsesionado con la fama que encuentra por su calidad artística, con el éxito. Ver más información del artículo

La estética Man Ray.

2012.11.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR ALBERTO MARTÍN.

Fue un artista total. Pintó y creo con la cámara imágenes insólitas. Surrealista, vanguardista, revolucionó la moda, la publicidad y el retrato. Man Ray liberó a la fotografía de sus funciones documentales. La elevó a la categoría de arte.

“Yo creé a dadá cuando era niño y mi madre me zurraba. Yo podría proclamar que soy el autor de dáda en Nueva York”. Así se expresaba Man Ray (Filadelfia, 1890; París 1976) en un texto para el catálogo de la gran retrospectiva de dadá en Düsseldorf que aparece reproducido en su autobiografía, titulada Autorretrato. Y de hecho, en lo fundamental, y a pesar de su progresiva asimilación con el surrealismo, puede decirse que Man Ray mantuvo su espíritu dadaísta hasta el final de sus días. El carácter combativo y provocador del movimiento dadá se ajustó perfectamente a la personalidad inquieta, individualista y un tanto contradictoria de Man Ray. Quien llegaría a ser uno de los principales responsables de la toma en consideración de la fotografía como arte, publicó un famoso opúsculo (obra científica o literaria de poca extensión) con el rotundo título de La fotografía no es un arte. Preguntado años después si seguía manteniendo esa opinión, respondió que había revisado un poco su actitud, llegando a la conclusión de que “el arte no es fotografía”. Probablemente sea esa la actitud irónica y aparentemente distanciada, plagada de afirmaciones provocadoras, la que mejor defina no sólo su personalidad, sino también su trayectoria artística y la posición que ocupó en la vanguardia artística de la Europa de entreguerras.

 RETRATOS CON CÁMARA. Y retrato de la bailarina Ady Fidelin 81937), su musa.

SURREALISTA Y DADÁ. ‘Las Tres Gracias’ (1930). Fotografía de una aerografía de 1919 destruida por el propio Man Ray.

Su afán de experimentación y búsqueda había dado comienzo ya en Nueva York, sobre todo a raíz del descubrimiento de arte de vanguardia europeo en el Armory Show en 1913, y de su encuentro con Marcel Duchamp en 1915, con quien iniciaría una amistad y una colaboración que duraría el resto de sus vidas. En esa época inició una intensa militancia dadaísta y comenzó a aplicar nuevas técnicas en su trabajo, como sus pinturas aerógrafas, en las que colocaba objetos y plantillas sobre el lienzo que luego rociaba con pintura, o el método cliché-verré para hacer impresiones de dibujos hechos directamente sobre el negativo. Y sobre todo empezó a utilizar la cámara para fotografiar  objetos construidos, o descontextualizados y separados de su unción originaria gracias al pie de foto (como la famosa imagen de la batidora de huevos titulada Mujer); objetos que después surgió realizando a lo largo de casi toda una vida, y a los que llamó “objetos de mi afecto”. Toda esta evolución iniciada por Man Ray en Ver más información del artículo

Definición de fotografía, enciclopedia Larousse.

2012.10.23

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL EN LA ENCICLOPEDIA LAROUSSE.

Este texto fue escrito antes de que apareciera la fotografía digital en 1980.

Procedimiento que permite obtener, por medio de la luz y de las sustancias químicas, imágenes óbticas permanentes.

ENCICL. El principio de la fotografía está fundado en la transformación o alteración de compuestos inorgánicos u orgánicos por efecto de la luz o de radiaciones (rayos ultravioletas, infrarrojos, rayos X, gamma, etc.) la imagen así obtenida es inestable, por lo que, después de la acción de la luz, resulta indispensable tratar la capa sensible por medio de baños apropiados. Desde hace mucho tiempo es conocida la manera de formar una imagen utilizando el principio de la cámara oscura, construida por una caja en una de cuyas paredes existe un pequeño orificio destinado al paso de la luz. Cardan (1550) tuvo la idea de aumentar la luminosidad de la imagen colocando una lente delante de dicho orificio, convenientemente agrandado. Por otra parte, los alquimistas sabían que la luz transformaba el aspecto de la palta córnea (cloruro de plata fundido); pero ningún manuscrito menciona que se hubiera llevado a asociar o relacionar los dos fenómenos que constituyen la fotografía. En 1727, J.H. Schulze demostró que un papel impregnado en nitrato de plata y cal da una imagen cuando es expuesto al sol bajo un dibujo; demostraciones análogas fueron enunciadas por el físico francés Charles (1780), que utilizó estas observaciones para obtener siluetas-retratos. Fue Nicéphore Niepce el primero que logró, 1827, fotografiar objetos corporales en la cámara oscura. Utilizó para ello betún de Judea como capa sensible, y eran necesarios tiempos de exposición de hasta ocho horas para impresionar de un paisaje. Nuevas investigaciones llevadas acabo en colaboración con Daguerre dieron por resultado la invención con Daguerrotipo (1838). En Gran Bretraña, Talbot (1839) consiguió fabricar papeles sensibles impresionándolos en sal marina y nitrato de plata. Aparecieron más adelante las placas de cristal (Abel Niepce de Saint-Victor, 1841), recubiertas de una capa de albúmina que contenía sales de plata, y que daban un cliché trasparente. Nuevas investigaciones dieron lugar a la sustitución de la albúmina por el colodión (Legray, 1850). El empleo de la gelatina, propuesto por Guadin (1861), permitió a Madox, en 1871, preparar las primeras emulsiones al gelatinobromuro de palta (placas secas).

 Punto de vista desde la ventana de Gras (1826), por Joseph Nicéphore Niépce.


Las investigaciones proseguidas a partir de entonces han dado como resultado las fabricaciones actuales, susceptibles todavía de perfeccionarse. Aumentar la sensibilidad general y cromática, la figura del grano y la amplitud de exposición constituyen las principales preocupaciones de los especialistas.

 

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La fotografía y la ciencia.

2012.10.13

TEXTO LITERAL DEL LIBRO “FOTOGRAFÍA PASO A PASO”.

AUTOR POR MICHAEL LANGFORDEDICIONES HERMANN BLUME.

Este texto está escrito cuando la fotografía era analógica, porque aparece la palabra “película”. Pero no es relevante para el resto de la información porque que es aplicable hoy en día.

La cámara es uno de los más valiosos instrumentos científicos. Capaz de registrar los más fugaces acontecimientos mediante exposiciones de microsegundos, o de dar continuidad a movimientos lentísimos que se desarrollan a lo largo de días o meses. La cámara nos permite “ver” acontecimientos demasiado rápidos como para impresionar a la retina. O demasiado lentos como para captar su continuidad. Podemos registrar el detalle del ala de un insecto durante el vuelo, o acelerar el crecimiento de una flor; “detener” una bala o analizar noche tras noche los movimientos que hace una persona mientras duerme.

La cámara puede acoplarse a multitud de instrumentos ópticos. Los astrónomos pueden así estudiar galaxias situadas a miles de años luz de nosotros. La fotografía aporta información  nueva sobre el universo, y permite levantar mapas de la superficie de planetas desconocidos. Los geógrafos y meteorólogos también se benefician de las fotografías tomadas desde satélites que orbitan en torno a la Tierra para perfeccionar los mapas de que disponen y hacer predicciones del tiempo más exactas. La fotografía aérea pone de manifiesto aspectos del paisaje o de la vegetación imposibles de apreciar desde tierra.

Fotografía de la galaxia NGC 4565 realizada por Observatorio Europeo Austral (ESO).

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Nadar. Retratos interiores.

2012.10.02
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
ERA UN HOMBRE ARRIESCADO, amaba la paradoja, amaba las minorías. Era consciente de que son las minorías las que diseñan el futuro. Trabajó como caricaturista y, como no podía ser de otra manera, montaba en globo. Gaspar Félix Tournachon, que más tarde alcanzará la fama como Nadar, fue el hombre que retrató a todos los artistas de su tiempo. Se sentía cercano de ellos: él también era un creador, y sobre todo fue el pionero en el arte de hacer retratos que captaban el interior. Era un avanzado de su tiempo, un moderno al que Julio Verne le hace héroe de su célebre “De la Tierra a la Luna”, con el nombre de Ardan (anagrama de su nombre).
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Hizo la primera fotografía aérea de la historia en 1858. También fue el primero en hacer un retrato explícito de un hermafrodita y en darse cuenta de que el mejor retrato de un banquero podría ser un primer plano de su mano.
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Autorretrato de Nadar en 1865.
Sin embargo, si su pasión por el globo y los viajes aéreos no forman parte más que de la historia pequeña de la aviación, sus retratos fotográficos son irremplazables como búsqueda artística de su tiempo y verdaderas obras maestras. Como muchos de los grandes fotógrafos —Man Ray, Cartier-Bresson, Klein—, Nadar llego a la fotografía de la pintura o, más concretamente, del dibujo. En un principio, la fotografía no era para él más que un medio para retratar a todos los ilustres de su época sin abusar de su tiempo. Pero el Panteón, concebido como álbum de caricaturas, termina siendo un álbum de fotos.
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Por su taller de la rue Saint-Lazare toda la Europa célebre desfila, como desfilan ahora todos los famosos delante de Annie Leibovitz. De Liszt a Delacroix y de George SandBakounin, nunca la historia, el arte y la literatura han estado tan interesadas en posar delante de un objetivo. Lo hicieron sin duda por estar a la moda, pero posaron para el artista que mejores retratos ha hecho a lo largo de dos siglos.
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Phil Stern. El cazador de divos.

2012.09.20

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR LUCÍA MAGI.

Retrató con astucia la cara más espontánea  de la edad dorada de Hollywood. Sedujo con la cámara  a las estrellas.

El hombre que mató a Liberty Valance, John Wayne, soltó la máscara del intrépido vaquero y se dejó retratar en calzoncillos ceñidos y alpargatas durante unas vacaciones en Acapulco. O mientras apretaba, con ojos brillantes, la mano de su hija Toni vestida de esposa. James Dean, el rebelde sin causa, se escondió frente a su objetivo dentro del oscuro jersey. Anita Ekberg le abre la puerta de su piso, se tumba en el sofá, prepara un café y se sube el sujetador con la ingenua pretensión de cubrir el florido escote. Ellington, Duke por su proverbial elegancia, se deja sorprender mientras hace una mueca arreglándose el bigote. “Si hiera una lista de todos a los que retraté, la gente pensaría que soy un sobrado”, se ríe Phil Stern. Este fotógrafo estadounidense capturó en sus blancos y negros la época de oro de Hollywwod. Divos del cine y estrellas de jazz en los años cincuenta y sesenta. Aquel mundo, tan concentrado en salvar su apariencia centelleante, muestra en sus imágenes un lado oculto.

Sidney Poitier, Tony Curtis, Sammy Davis Jr. y Jack Lemmon en Goldwyn Studios.

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August Sander. Del mirar con concepto.

2012.09.07
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
August Sander ha pasado a la historia de ia fotografía por sus retratos psicológicos, por su manera de captar la realidad documentando retratos de gente corriente. Nacido en Herdorf de Sieg en 1876 al este de la ciudad de Colonia, hijo de un carpintero de minas ya desde pequeño demostró que poseía un innato sentido artístico, sus dibujos así lo demostraron. El azar de servir de guía a un fotógrafo que documentaba las minas hizo que su interés se desviase hacia esta nueva manifestación artística. Su familia aceptará que siga estudios de fotografía y un pariente con fortuna se encargará de pagárselos.
Los retratos que acumula a lo largo de su vida no son sino la historia de una nación y sus hombres. Desde la simplicidad los retratos que toma Sander se vuelven tan complejos que aún hoy tratamos en vano de averiguar la manera tan profunda de mirar que poseía que, posiblemente le venía de su antiguo oficio de minero, y de introducirse en las profundidades de la tierra para encontrar aquello que no se ve desde la superficie.
 En 1918 los alemanes acaban de Perder la guerra y Sander en su estudio de Colonia tiene largas colas esperando hacerse retratos para los carnés de identidad exigidos por las fuerzas de ocupación. Así, de esta manera tan prosaica, no tiene otro sistema que adaptarse a la ingente demanda y comienza a fotografiarlos en grupos para luego cortar individualmente. Acelerando el proceso puede dedicarse a preparar para lograr un trabajo de calidad.