Los formatos.

2012.08.23

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “LA FOTOGRAFÍA CALLEJERA Y LA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

En el ámbito de la fotografía analógica, se pasa de la fotografía de 35 milímetros, cuyo fotograma tiene un área de aproximadamente 24×36 milímetros, al formato medio (película en carrete que aporta fotogramas desde el 4,5×6 al de 6×9 centímetros, además de los formatos panorámicos de 6×12 y de 6×17 centímetros), hasta el gran formato que se usa en las cámaras técnicas: películas planas o placas, de 10×12 centímetros a 20×25 centímetros, pero también más allá.

También en el digital los formatos son muy variados. Las compactas usan sensores minúsculos, en los que se amontonan millones de píxeles (con consecuencias no del todo agradables en los que se refiere al ruido electrónico y otros parámetros de calidad); las réflex utilizan generalmente sensores de varios formatos. Los dos más usados son el formato Aps-C (aproximadamente 18,6×12,7mm) o el Cuarto Tercios (13×17,3mm) que son más que suficientes para satisfacer las exigencias de calidad de fotógrafo aficionado. Los sensores “full frame”, es decir de cuadro completo 24x36mm están pensados para quienes pretendan resultados de alto nivel trabajando también con valores de velocidad ISO elevados.

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Marilyn en estado puro.

2012.08.06

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
FOTOGRAFÍAS DE BERT STERN: http://www.bertsternmadman.com/
ESCRITO POR MANUEL VICENT: http://elpais.com/autor/manuel_vicent/a/

Realmente nunca supo qué le pasaba a su cuerpo, por qué de repente un día se le había llenado de tantas curvas mortales. A los 12 años, cuando era sólo una adolescente de los Ángeles y aún se llamaba Norma Jean Baker, se sorprendía de que los hombres volvieran bruscamente la cabeza a su paso con el peligro de romperse la nuca. A una edad en que cualquier niña apenas reconoce su propia sexualidad, ya se vio cercada por miradas de deseo que trepaban por su cuerpo como babosas: ésos fueron los primeros homenajes y también las primeras heridas que recibió, un hecho misterioso que al mismo tiempo la halagaba y la llenaba de pánico. Entre estos dos embates de admiración y lascivia comenzó Marilyn Monroe a ser zarandada por la vida hasta la madrugada del 5 de agosto de 1962, en que la criada Eunice Murray la descubrió muerta —boca abajo, con medio cuerpo fuera de la cama, el teléfono descolgado y un tubo vacío de Nembutal en la mesilla— en su casa de Brentwood.

Mientras el alma de esta chica luchaba con mucha dificultad por abrirse paso hacia el exterior a través de un cuerpo explosivo, todos los hombres que se acercaban a ella a su vez detenían siempre en la superficie su viaje porque unas formas detonantes les impedía ir más allá. Probablemente el interior de Marilyn sólo llegó Joe Di Maggio, y esa hazaña fue debida a la sensibilidad que este campeón del béisbol escondía bajo la aparente rudeza. Por otra parte, Marilyn no guardaba dentro ningún tesoro especial, sino los traumas de una infancia muy breada, siempre de acá para allá entre padrastros y orfelinatos. Hija de un padre desconocido y de una madre esquizofrénica, que tuvo que ser recluida en un psiquiátrico, Marilyn temía que la locura la visitara también a ella un día en medio de la gloria.

En la última sesión de fotos, que en 1962 Bert Stern realizó de la estrella en una suite del hotel  Bel-Air de Los Ángeles, el cuerpo más adorado de Norteamérica fue inmolado ante la cámara del fotógrafo dejando a la intemperie su alma lacerada. Atrás quedó una larga historia en que Marilyn había sido sacrificada en el circo a sucesivos leones mucho más carnívoros que los del coliseo romano en tiempo de Nerón.

Aparte de que algún pariente rompiera a la niña mediante violación y que luego ella se dejara devorar por algún tipo de su camada en la oscuridad de un callejón, el cuerpo de Marilyn comenzó a ser oficialmente majado, batido y molturado a los 16 años por un vecino, soldado de la Marina, Jim Dougherty, que sería su primer marido, del que se divorciaría en Reno al año siguiente. Después fue ofrecida al consumismo de camioneros con su desnudo de calendario y declarada “conejita del mes” por la revista Play-boy. Por su piel pasaron, sin dejar huella todavía, actores y directores de cine: Elia Kazan, el invitable Sinatra, el galán Yves Montand…, hasta terminar como una muñeca rubia a punto de romperse de un Kenedy a otro.

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La vuelta al mundo de Michael Kenna.

2012.07.23

TEXTO LITERAL DE PUBLICACIÓN TDLUX: http://www.dtlux.com

FOTÓGRAFO MICHAEL KENNA: http://www.michaelkenna.net/

ESCRITO POR JUAN PARRA.

 Un planeta en blanco y negro, entre la belleza y el misterio, al que hay que acercarse sin prisas para captar todo su significado. El trabajo de este fotógrafo inglés afincado en Estados Unidos lo han convertido en el mejor paisajista actual.
ESPLENDOR RUSO. Monasterio de Smolny, en San Pertersburgo (1999).
“Los lugares que fotografío son como amigos. Me gusta revisitarlos una y otra vez para profundizar en nuestra amistad”. Ni en la moda, ni el deporte, ni en el fotoperiodismo encontró Michael Kenna las posibilidades de la fotografía de paisajes. Ahora nadie maneja esta especialidad como él. Exposiciones largas, hasta de 10 horas, para plasmar la luz etérea de un amanecer o un atardecer en imágenes siempre en blanco y negro.

2ª lección de Irving Penn.

2012.07.15

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR MANUEL LÓPEZ.

Constantes en los bodegones de Penn es la exquisita ambientación de conjunto, la posición milimétricamente estudiada de cada elemento, la magistral economía del color y la sobria administración de esa iluminación cenital difusa con el inconfundible sello del maestro. Todo ello al servicio de una imagen final en la que la fantasía es hecha creíble por obra y gracia del genio creador de uno de los grandes maestros de la plástica del siglo XX. Las “notas” realistas  de ambientación -en esta foto, las moscas sobre el limón, las fibras de las hojas de vid, las pepitas de las cerezas…- representaron en su día una rotunda innovación en la fotografía de bodegones. Podría decirse que la fotografía de “naturalezas muertas” acaba en Penn, quien les devuelve a la “vida”. Los bodegones de Irving Penn se encuadran justamente en las antípodas de la producción de bodegones falseados de escaparate de supermercados. El autor impregna vida a sus composiciones, haciéndolas atractivas, familiares, sobre todo creíbles a quienes las contemplan. Las fotos de bodegones de Irving Penn no sólo llevan la mirada a ellas; la sujetan. Nada deja al capricho del azar o a merced de la imaginación a la hora de construir el espacio fotográfico. Al control poderoso, total, de la elección de las formas se une el genio de la sabia disposición de los objetos en el espacio. En esta imagen, impresión visual de la composición es claramente piramidal, en tercios verticales: el primer plano es el mantel, el pan y la servilleta; el primer plano medio con la sandía; y el segundo plano medio con uvas. Penn consigue un imposible: que leamos las fotos en el sentido inverso, de abajo arriba. Simplemente magistral.

↑ Naturaleza muerta con sandía. Nueva York, 1947. Copia dye transfer, hacia 1959. Datos técnicos: Cámara Deardoff 20×25 cm con objetivo de 300 mm f/5,6. Película Ektachrome tipo B. Focos de la continua de estudio. exposición: 8 segundos a f/64.

 

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La fotografía del dolor. Sylvia Plachy.

2012.07.05

TEXTO ADAPTADO PARA EL BLOG EXTRAÍDO DE LA PUBLICACIÓN: http://www.elmundo.es/yodona/

SYLVIA PLACHY: http://www.sylviaplachy.com/

Richard Avedón dijo de ella: «Me hace reír y me rompe el corazón. Es todo lo que un fotógrafo debería ser». Sylvia Plachy ha sabido imponer su humanidad y sentido moral en una obra marcada por el sufrimiento, una ejemplar restricción que la ha convertido en maestra. Espido Freire habla con la autora.

Sylvia Plachy (Budapest, 1943) es una de las más destacadas fotógrafas del panorama actual. Afincada en Nueva York desde hace años, sus testimonios de las atrocidades cometidas en los países bajo el Talón de Acero y la visión intima, y al mismo tiempo testimonial, del dolor humano, la han convertido en una figura de referencia. Es madre de  Adrian Brody, Oscar al Mejor Actor por El pianista (Roman Polanski, 2002).

«El mejor hecho de tomar una fotografía supone una espera interminable. La espera interminable por el instante en el que la composición, la forma, el significado se unirán de manera repentina.» Sylvia Plachy parece hablar como si inventara la palabras y les diera un significado distinto. Como si tradujera de múltiples idiomas antes de elegir las frases y uno de esos idiomas fuera, precisamente, su complejidad emocional.

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La imagen de la costumbre fútil de pactar la realidad.

2012.06.10

PARTE DE UN TEXTO DE LA REVISTA REVISTART: http://www.revistart.com/

MIKI KRATSMAN COMENZÓ como fotógrafo de prensa, todavía se considera un fotógrafo de prensa, pero mientras llevaba a cabo su trabajo, se dio cuenta de la rutina difícil de que la vida cotidiana era el problema, aunque fuese visualmente menos impactante, de ahí que este secundario dramatismo visual se convirtiese para él en algo aún más importante de fotografiar. Fruto de ello son las series “Territory” (2005) y “Targeted Killing” (2010). Fotógrafo especializado en los territorios ocupados de Cisjordania. Así, las imágenes de Kratsman que han sido publicadas en diversas ocasiones se repiten también otras tantas en su archivo.

↑ Territory 3001-1 2005. Fotografía B/N, 90 x 90 cm, cortesía del artista y Chelouche Gallery, Tel Aviv.

El trabajo de Kratsman está pensado para ser visto en Israel, para él, si bien es importante, no es algo crucial ofrecerlo más allá de sus fronteras, sino que su verdadero objetivo es mostrar a su gente lo que está haciendo. Lo que convierte  esto en un hecho ciertamente transcendental ya que él, como israelí, al tomar esas fotografías impele a la sociedad israelí a decir que tienen que hacer algo al respeto. No en vano, Kartsman es un fotógrafo que considera cuidadosamente la posición desde la que aprieta el disparador de la cámara en su búsqueda de replicar la relación de poder desigual entre los palestinos e israelíes. La posición del fotógrafo es más importante a considerar, según él, porque crea un punto de vista, lo que consigue que sus obras sean ejemplos de ética más que la estética.

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Annie Leibovitz. Mi vida es mía.

2012.05.25

TEXTO LITERAL PUBLICACIÓN VOGUE (ESPAÑA): http://www.vogue.es

ESCRITO POR GABY WOOD.

Este artículo está publicado en el año 2008. Lo comento por situar las fechas.

Autorretrato de Annie Leibovitz junto a sus hijas Susan, Sarah y Sammuelle (2006).

Annie Leibovitz se siente destrozada. Ocuparse de tres hijas de corta edad resulta más agotador que trabajar, comenta, al tiempo que atraviesa con un andar pesado que ocupa su oficina en la planta baja de la casa. En lugar —tres edificios adyacentes en Greenwich Village, uno de los cuales es su casa— está reformado con una sencillez espaciosa: suelos sin alfombras, paredes de ladrillo sin revestir, butacas de cuero marrón y repisas de chimeneas sobre las cuales se apoyan amplios marcos con un collage de Walker Evans, un famoso beso de Brassaï, un retrato de Bea Feitler realizado por Diane Arbus, o dos páginas de la Encyclopédie de Diderot representando una cámara oscura. Entre este material clásico hay una pared entera dedicada al método con el cual Leibovitz se ha convertido, en palabras de Hillary Clinton, en «una gran cronista de nuestro país». En unas grandes páginas arrancadas de un calendario, cubiertas de Post-its de muchos colores, se refleja una operación que hubiera hecho palidecer al mismo Napoleón. Abundan los interrogantes en colores fluorescentes «¿Michelle Obama?» «¿Abu Dhabi?». Leibovitz pide a una asistente que vaya a por un café con leche y hielo, y me acompaña a una habitación donde ha estado reuniendo el contenido de un nuevo libro que está  preparando.

Tiene un retraso en los plazos de entrega y puede que este explique por qué su mente parece convertirse en otro lugar cuando sentamos a hablar.

Annie Leibovitz es la fotógrafa más famosa de nuestro tiempo, y la fotógrafa de las personas más famosas de nuestro tiempo. Una «retratista de la corte», según la describe el editor de su libro, Mark Holborn, cuya corte extiende desde el Palacio de Buckingham y la Casa Blanca, hasta la nueva guardería de Tom Cruise o el vestidor de Mick Jagger. En la actualidad trabaja para Vanity Fair y Vogue USA y, además de ser la autora de diversas y omnipresentes campañas publicitarias, también ha cosechado una popularidad incomparable como artista contemporánea. Es la única fotógrafa del mundo cuyas ventas de libros superan los 100.000 ejemplares en la primera edición; y sus exposiciones han alcanzado en repetidas ocasiones récords de audiencia en todo el mundo.

Todo hace pensar que Leibovitz, conocida por sus imágenes icónicas de personas famosas —John Lennon desnudo abrazando a Yoko Ono tan sólo unas horas antes de su muerte; Demi Moore embarazada como portada de Vanity Fair; Whoopi Goldberg bañándose en una de ellas. Se trata de una situación que, como describe Leibovitz, «redunda en tu beneficio y en tu contra». «Cuando andas con ella por un aeropuerto, alguien la para cada cinco segundos», comenta Kathryn MacLeod que, como productora senior de fotografía de Vanity Fair, ha viajado junto a Leibovitz durante 13 años. «Ella es muy tímida; por lo que resulta bastante chocante».

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El enigma de Verónica Lake.

2012.05.23

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps

Todas las mujeres tienen secretos, decía una de sus más célebres películas. Pero los suyos marcaron una época y, seis décadas después, la convierten en el mayor icono de la temporada.

POR INÉS MUÑOZ MARTÍNEZ-MORA. FOTOGRAFÍA DE  EUGENE ROBERT RICHEE.

La dualidad femenina llevada al extremo, así era Veronica Lake, buque insignia de la Paramount durante los años cuarenta, época dorada del glamour en blanco y negro. Amenazante pero fascinante, sexy pero elegante, gélida pero carnal y de una belleza clásica pero intrigante… Lilith y Eva. Encarnó a la femme fatale dentro de la pantalla. Fuera, la fatalidad la marcó a ella. Acabó sus días alcoholizada, arruinada y olvidada. Murió a los 53 años y nadie quiso hacerse cargo de sus cenizas. Hasta este año, porque las últimas tendencias en belleza reclaman su ultrafeminidad encumbrada por el cine y de las cenizas de la diva han hecho resurgir con fuerza su tez pálida, sus cejas arqueadas, sus ojos ahumados, la jugosidad de su rouge labial y, sobre todo, su mítico peinado de ondas al agua -peek-a-boo-bang-, que no hacía sino acentuar tanta ambigüedad. Un arreglo capilar que causó furor entre sus algo más terrenales contemporáneas, entonces en fábricas por falta de mano de obra masculina. Muchas de esas ondas quedaron enganchadas en los engranajes de la maquinaria pesada y la emulación se elevó a problema de alcance nacional. El gobierno estadounidense acabó pidiéndole de manera oficial a la actriz que cambiará de peinado.

 

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Salvaje de la calle. Irving Penn.

2012.05.06

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR  JOHN SZARKOWSKI

Esta es la 2ª parte de: “Penn cambió nuestro sentido del mundo”. Si quieres leer la 1ª parte pincha Aquí.

Refiriéndose a sus primeros años en “Vogue”,  Penn se recuerda a sí mismo, probablemente sin franqueza y desde luego hiperbólicamente, como un salvaje de la calle rodeado de gente sofisticada. Es seguramente cierto que el aspecto de sofisticación era en aquellos años el capital más apreciado de la revista y un capital que no se vendía barato. En 1949, Liberman dijo a Penn que se comprara un traje de etiqueta y se fuera a París a ver las nuevas colecciones, no ha trabajar, sino a familiarizarse con el mundo con el que estaba trabajando: como hablaba, andaba, comía, bebía y hacía negocios ese mundo. Penn difrutó mucho en ese viaje.

En 1950, fotografío las colecciones de París y produjo un serie de fotos que sigue siendo igualmente memorables y cambiaron las pautas por las que se juzgaría, durante algún tiempo, a las futuras fotografías de moda. Sus fotos no hacen referencia a argumento o circunstancia alguna, no hay sugerencias de viejos castillos o picnics perfectos o coqueteos deliciosos en salones eduardianos, o focos o mundos oníricos. No son relatos, sino simples fotos dentro de los límites de un vocabulario clásicamente simple, hacen una producción a términos pictóricos de la idea y del espíritu de trabajo de otro artista: el trabajo del modisto. Ver más información del artículo

Introducción a la fotometría.

2012.04.29

TEXTO LITERAL DEL LIBRO “TÉCNICAS DE ILUMINACIÓN PROFESIONAL”.

AUTOR JOST J. MARCHESI, EDITORIAL VERLAG PHOTOGRAPHIE.

 Este artículo es de la época de lo analógico, en el año 1996. Lo digo porque nombra, la película, como material sensible. Actualmente esto sería aplicable al sensor de la cámara.

 El éxito de nuestra capacidad fotográfica y de nuestras costosas instalaciones para cámaras e iluminación, depende de un hilo muy fino; el de la correcta exposición. Claramente se trata de un paso angosto que cuesta bastante esfuerzo vencer. En el proceso de vencer este paso, por lo general reina una gran inseguridad. Por esto, es natural explicar con qué fotómetros y métodos de medición trabaja el profesional cuando dedicamos un capítulo completo a las observaciones sobre la determinación de la exposición y, cuando intentamos lograr cierta claridad al respecto. Los métodos de medición, para principiantes y las cámaras manuales (en especial de funcionamiento automático), se basan en el siguiente principio: extender; del resto se ocupa el fotómetro incorporado o bien, la electrónica de la cámara. Este principio es absolutamente adecuado para fotografía de reportaje. Sin embargo no es suficiente para las exigencias y la fotografía desarrollada a conciencia.
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