Introducción a la fotografía callejera.

2011.12.16

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “LA FOTOGRAFÍA CALLEJERA Y LA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

UN POCO DE HISTORIA.

La fotografía callejera es un género ilustre. La mayoría de los fotográfos que se dedicaron a este género trabajaron entre el principio y la segunda mitad del siglo XX, como consecuencia de la aparición de las cámaras portátiles.

HENRI CARTIER-BRESSON Henri Cartier-Bresson es posiblemente el reportero gráfico más famoso, el padre de la teoría del momento decisivo: el instante exacto en el que un momento antes o después la fotografía perdería su significado. En sus comienzos fue pintor y más adelante asistente de dirección; Cartier-Bresson descubrió relativamente tarde su vocación por la fotografía, después de haber adquirido una Leica de telémetro que se convertiría en su compañera de fatigas durante muchos años. Después de militar en la resistencia francesa trabajó en el cine y fundó, junto a Robert Capa y David Seymour, la famosa agencia Magnum. Viajó mucho, siempre regalando al mundo sus imágenes frescas e inéditas. A finales de los sesenta comenzó a reducir su actividad de reportero para dedicarse a su primer amor: la pintura. Murió en el año 2004.

… Y LOS DEMÁS Junto a Cartier-Bresson, considerado el padre del periodismo gráfico por convención, podemos recordar —por citar sólo algunos nombres— a Robert Frank, Alfred Eisenstaedt, William Eugene Smith, William Eggleston, Brassaï, Willy Ronis, Robert Doisneau, Garry Winogrand y Weegee.

Alfred Eisenstaedt, El beso en Time Square entre el marine y la enfermera mientras se celebra la victoria de los Estados Unidos sobre Japón, Nueva York 1945.

Weegee, como otros reporteros americanos coetáneos suyos, utilizaba aparatos de gran formato que se accionaban con una sola mano: con su Graflex Graphic, equipada con un flash de bulbo gigantesco, inmortalizaba personajes famosos y criminales, sucesos de la calle y delitos, dibujando una imagen de la sociedad de la época desencantada y quizás cínica, pero todavía viva y actual.

Brassaï, húngaro asentado en París, inmortalizado la capital francesa en todos sus aspectos: también de noche o bajo la lluvia, merodeando por las villas, los jardines, los bulevares junto al Sena y las callejuelas de los barrios antiguos.

También Doisneau dedicó su obra a París: sus imágenes, sobre todo las de niños, retratan con ironía y a veces con verdadero humor a la sociedad sencilla y auténtica de la periferia de una gran ciudad.

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Eadweard Muybrigge. Retratos de una Obsesión.

2011.11.17

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL DE LA PUBLICACIÓN VANITY FAIR: http://www.revistavanityfair.es/

ESCRITO POR IANKO LÓPEZ.

¡ACCIÓN! El fotógrafo británico, nacido en 1830, pasó gran parte de su vida en E.E.U.U., donde desarrollo los innovadores procesos técnicos que lo convertirían en una autentica leyenda. Obsesionado por captar el movimiento, su carrera dio un vuelco al aceptar el encargo del magnate Leland Stanford. Éste pretendía probar fotográficamente que durante el galope de los caballos había unos segundos en los que ninguna pata tocaba el suelo. En 1978 no sólo consiguió captar esa secuencia del equino “volando”, sino que sus series en blanco y negro sembraron el origen se otra industria, la del cine. Sus cronofotografías de niños, bailarinas y atletas en movimiento lo consagraron. Pero a pesar de disfrutar de su éxito, se vio envuelto en la polémica, ya que fue juzgado y absuelto por el asesinato del amante de su mujer. Pero eso es otra historia…

Cronofografía de una bailarina por Eadweard Muybrigge.

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Apuntes de historia de la moda. Paula Juan.

2011.10.31

Clases impartidas por Manuel Santos en la escuela de Madrid, TAI.

INICIO DE LA FOTOGRAFÍA.

La cámara oscura es fabricada en China y había que tener conocimientos de física y química. Crear sustancias que pudieran oscurecer el cuerpo humano con la luz.

¿Cual era el problema?: mantener la imagen, conexión de los elementos físico y químicos, su permanencia y que no le siguiera afectando la luz.

El sistema que hiciera que la realidad (imagen) pudiera fijarse: Los sistemas que más exitosos, fueron los de Niepce y Daguerre en Francia.

Punto de vista desde la ventana de Gras (1826), por Joseph Nicéphore Niépce.

  • Niepce → Investigaba e hizo una placa litográfica. Era una vista realista del mundo. Procedimiento en el que se podía fijar sobre esa placa la pura realidad. Realizó la primera foto de la historia desde su casa. Realizada con “betún de judea”, con una exposición muy larga.
  • Daguerre → Patentó el diorama. Era una lámina pintada y según por donde la iluminadas (delante y detrás), salían distintas imágenes tridimensionales.

Daguerre le propuso a Niepce investigar juntos. Niepce le habló sobre sus investigaciones con las sales de plata. Daguerre le propuso que se aplicaran estas sales sobre una placa de cobre, que se llamaría un futuro daguerrotipo. Ver más información del artículo

Letizia Battaglia. La fotografía como lucha.

2011.10.02

He encontrado entre mis papeles este artículo, pero no se que publicación es. Si alguien lo supiera me gustaría poner este dato. Podéis poneros en contacto en limpiomiapartamento@yahoo.es.

ESCRITO POR EVA MILLET.

Esta mujer nacida en Palermo hace 63 años lleva media vida luchando contra la mafia. Sus fotografías le han reportado premios internacionales, pero también amenazas de muerte. Sin embargo, ella no se arredra.

Letizia retratada por Franco Zecchin, en 1993.

Su apellido le hace justicia. Letizia Battaglia es una luchadora, y la cámara, una de sus armas principales. Lleva media vida fotografiando su tierra, Sicilia, y denunciando los abusos que la Mafia perpetra allí desde hace decenios. Es, además feminista, defensora de los derechos humanos, ecologista, editora y ha participado en política. Todo ello para alcanzar su obsesión: la libertad. El bien más preciado para ella y para Sicilia. «He vivido la opresión, por eso estoy loca por la libertad, que procuro dar a todos los que me rodean: a los hombres con los que compartí mi vida, a mis hijas… La libertad es un derecho fundamental», asegura.

Su profesión llegó tarde, después de divorciarse de su primer marido, con quien se casó siendo una adolescente y tuvo tres hijas. Gracias al psicoanálisis y a su pasión por contar historias, Letizia encauzó su vida. Empezó a colaborar en un diario de Palermo y pronto se dio cuenta de que sus artículos se vendían mucho mejor si los acompañaban de imágenes. A los treinta y siete años, la fotografía tomó las riendas de sus existencia, aunque ella nunca pudo imaginar que también ella se convertiría en un arma poderosa para combatir la Mafia: «Mi intención era narrar mi día a día de Palermo, pero los acontecimientos eran tan fuertes, tan brutales, que de pronto me di cuenta de que mis imágenes podían dar la voz a la gente, podían explicar el mundo que aquí sufríamos.» De hecho, dos de sus fotos («creo que las más feas que jamás he hecho») han sido utilizadas en el juicio contra el expresidente italiano Gulio Andreotti. Letizia está convencida de la involucración de este político con la Mafia.

↑ Palermo, 1892. Cerca de la iglesia de Sta. Chiara. A la derecha: Palermo, 1976. Iba a buscar el coche.

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La fotografía nocturna. La fauna nocturna. Parte 3.

2011.09.30

Este texto es de la época analógica, por eso hay que entenderlo en su contexto. Pero creo que es aplicable perféctamente en los tiempos de hoy en día.

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN “CASANOVA PROFESIONAL Nº 51″: http://www.casanovafoto.com/

TEXTO Y FOTOS: JOSE B. RUIZ

En el caso de querer fotografiar animales al rececho o bien incluirlos en exposiciones con estrellas, nuestro principal problema es localizarlos, en un medio y condiciones en los que ellos son muy superiores. Desaconsejado el uso de visores nocturnos, capaces de multiplicar la cantidad de luz existente, pero proclives a causar accidentes. Cualquier luz, incluida la de un mechero o linterna, puede causar lesiones oculares más o menos graves según la sensibilidad a la luz del visor. Una linterna, aunque no tenga gran potencia, nos ayudará mucho para localizar mamíferos poco asustadizos, como las cabras montesas y otros ungulados, que en algunos lugares se muestran confiados. El brillo de la fóvea de sus ojos, aún con luces de baja identidad, los delatará. No acaba aquí el problema, ya que, salvo en el caso de equipos muy perfeccionados o de condiciones de luz de luna excepcionales, enfocar puede ser una tarea casi imposible. Para ello un buen sistema consiste en fijar un puntero láser (su luz alcanza varios kilómetros) sobre el animal o el entorno inmediato (una roca sobre la que descansa, una rama próxima). Enfocar la luz láser resulta más fácil y ésta es mas discreta que iluminar toda la escena con focos potentes, con lo que el animal se ve deslumbrado y alteramos sin duda su comportamiento. Además de la ética de no causarle perjuicio alguno, la luz de baja intensidad nos permite fotografiar sin despertar un inmediato impulso de huida.

Hay que tener muy en cuenta que los teleobjetivos captan mucha más luz de noche que los angulares, por los que los tiempos de exposición se reducen mucho. Con luz de luna llena y alta en el horizonte, con un 300 mm, a diafragma de 2,8, con película de 100 ASA el tiempo de exposición puede ser de menos de dos minutos, dependiendo de otras variables. Es difícil que el animal no se mueva en absoluto en ese espacio de tiempo, por todo ello hay que preservar. Muchas especies, una vez descubiertas permanecen estáticas, observando atentamente nuestros movimientos. Este comportamiento juega a nuestro favor.

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1ª lección de Irving Penn.

2011.09.26

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR MANUEL LÓPEZ.

Esta naturaleza muerta de Irving Penn fechada en 1947 y copiada por el proceso “dye transfer” en 1848 nos muestra el contenido de un bolso de mujer (primorosamente) desparramado por la moqueta de un suelo que el autor hace valer como el de un teatro. El zapato negro y el vuelo de la pierna del pantalón determinan la verticalidad de la composición. Penn se vale de muy pocos matices de color, todos ellos ubicados en la clave cálida y “lujosa” de los oros, amarillos y marrones. La píldora y la cápsula rosas son los “toques de color” individuales que acentúan la sensibilidad cromática de la imagen. La textura de la moqueta es minimizada de la forma más inteligente: con las briznas de tabaco del cigarrillo y los pequeños objetos en la mitad inferior de la foto. El uso de tanto blanco (el cigarrillo) como del negro (el pie) hace resaltar la gama cromática, con lo que los colores existentes, una gama “cerrada” en clave pastel, extremadamente reducida, son percibidos con mayor brillantez e intensidad. Con una serie de objetos perfectamente identificables, Irving Penn ha conseguido con esta célebre foto hacer trizas de la primera regla “académica” del lenguaje fotográfico: la representación ordenada en una foto de bodegón de objetos de distintos materiales con diferentes texturas trasciende clamorosamente la definición de “foto de producto(s)”. Aquí, Irving Penn no se limita a mostrarmnos objetos; nos transmite un sentimiento.

↑ Datos técnicos: Cámara Deardoff 20×25 cm con objetivo de 300 mm f/5,6. Película Ektachrome tipo B. Focos de la continua de estudio. exposición: 8 segundos a f/64.

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La perdida de la inocencia.

2011.09.19

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

Un capítulo no muy conocido de la historia de la fotografía es el que protagonizaron los fotógrafos Mayer y Pierson. Fue gracias a ellos que la fotografía fue reconocida por primera vez de modo oficial como obra de arte. Corría el año 1863. La fotografía era un medio tan joven e “intruso”como comercialmente exitoso. Los fotógrafos más conscientes de las posibilidades expresivas del medio fotográfico se mostraban unánimes en sostener que la fotografía se relacionaba con el arte y no con la industria. Pero casi todos los artistas le negaban al nuevo medio “mecánico” la dignidad de la asimilación a la obra de arte.

Julia Margaret Cameron. Paul y Virginia, 1865.

La discusión sobre la condición “artística” o “artesanal “, incluso “mecánica” de la fotografía, que enfrentaba violentamente a artistas, artesanos y literatos contra los profesionales que no dudaban en anteponer su condición de “artistas” al oficio de fotógrafos, acabó en los tribunales. En uno de los procesos que, después de pasar por varias instancias llegó a ser célebre, el de los fotógrafos Mayer y Pierson contra Betheder y Shwabe, la justicia francesa decidió finalmente que había que reconocer la fotografía como obra de arte.

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La vida sobre ruedas.

2011.09.14

Este artículo es de hace muchos años y los equipos fotográficos que recomienda para utilizar, están desfasados. A pesar de ello, en este artículo, se puede extraer trucos muy interesantes para la fotografía de skateboard.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR IVÁN JIMÉNEZ

Fotografía en acción.

La fotografía deportiva abarca muchos campos por descubrir al público general. El “skateboard” monopatín, como conocemos por estas tierras, es un ejemplo de ello. Muchos hemos practicado alguna vez con los amigos o solos en una plaza del barrio. El skateboard profesional, mueve grandes cifras económicas en U.S.A. y en menor medida en Europa. Esto, convierte la práctica del monopatín en algo que deja de ser juego para convertirse en profesión. Volar sobre escaleras, deslizarse por encima de barandillas metálicas para aterrizar sobre “la tabla”…, todo ello conlleva esfuerzo. Y ahí es donde aparece la figura del fotógrafo.

En la actualidad, hablando de cifras mundiales, hay un centenar de revistas especializadas en el skate dedicadas a inmortalizar esos momentos o piruetas. Y con las revistas, están sus fotógrafos, dedicados a congelar las acciones de esos profesionales del skate que se esfuerzan por conseguir el “más difícil todavía”.

El monopatín se pueden practicar en la calle o en rampas, pero ambas “modalidades” requieren la misma técnica. Los fotógrafos que trabajamos en este campo, nos mueve algo muy importante, la pasión por congelar una milésima de un salto preciso.

LA TÉNICA:

Es sabido que los fotógrafos deportivos que se quieren aventurar a dispara skate lo tendrán muy difícil para captar el momento preciso de la acrobacia. Y es que la mayoría de fotógrafos profesionales y aficionados de este mundillo  tienen experiencia con la tabla. Esto es, la mayoría han practicado skate durante años y saben que movimientos son validos y cuando llegan a su cúspide, de ahí la capacidad de congelar la imagen.

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Diane Arbus. La voluntad del espanto.

2011.09.02

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Vivió cuarenta y ocho años. Tortuosos, fuertes, inseguros, con fuertes depresiones. Nació en una rica familia neoyorquina, rodeada de criadas, de familiares extraños. Se casó muy joven, tuvo dos hijos y su pasión fue fotografiar aquello que está más allá de la simple apariencia. Diane Arbus buscó lo extraño más allá de lo que, quizá, por su fragilidad emocional se podía permitir.

Comenzó fotografiando moda. La belleza, sin embargo (su fascinación por lo terrible), le dio la fama pero no el sosiego. Somos hijos de nuestro entorno pero, sobre todo, nuestras vidas están marcadas por las infancias que tuvimos.

Admiradora de August Sander, alumna de Lisette Model, amiga de Richard Avedon, aun cuando retrataba los seres más horribles, su vocación era la de la empatía con los humanos rechazados. Se declaraba partidaria de la belleza más terrible, de aquella que dejaba sin respiración, de lo no convencional. Decía que la vida es un melodrama, mitad comedia y mitad drama. Negros, latinos, drogadictos, parejas de miserables de Brooklyn, hoteles cutres y gente alienada son sus temas, porque el acto de fotografiar era sobre todo un acto de simpatía y de amor.

Autora de las fotografías más desesperadamente irónicas de la historia, buscó retratar a personajes que se dejan retratar con apatía, casi indolentes. Ella acerca su cámara todo lo posible y no parece emocionada, sino distante. El resultado subvierte todos los esquemas sociales. Hay travestidos que parecen elegantes señoras, niños casi diabólicos, mujeres estoicas; sus jóvenes ofrecen una imagen nada favorecedora de sí mismos.

Ella, al igual que muchos de los retratados, también iba a contracorriente. En las fotos de Diane Arbus, sólo los personajes disfrazados parecen cobrar vida, aun cuando existe también un enigmático pozo de tristeza. Su tristeza, la de todos. Es la condición humana. En esa condición, Arbus detecta una melancolía fundamental que sólo lo artificioso, la máscara o la convención pueden disipar.

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El negativo.

2011.08.28

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 1 “APRENDER A OBSERVA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

EL NEGATIVO. Antes del descubrimiento del proceso positivo-negativo, era necesario exponer el soporte fotosensible durante el tiempo necesario para convertir unos halogenuros en plata metálica: esto necesitaba de mucho tiempo necesario y hacía difíciles las tomas; gracias al descubrimiento de Talbot, los tiempos de toma se redujeron considerablemente, dejando la fase siguiente a la cámara oscura. Este procedimiento es el que ha hecho posible la fotografía moderna, con películas negativas de las que se pueden reproducir impresiones limitadas. Una vez expuesta, es necesario que la película ya no reciba más luz: se guardará en un lugar oscuro hasta que sea revelada e impresa. El revelado se realiza con unos reveladores químicos que provocan que las partículas sensibilizadas se transformen en plata metálica de color negro de forma proporcional a la cantidad de luz recibida.

El concepto básico consiste en que, cuanto más clara es una parte del encuadre durante la toma porque refleja o emana luz, más oscura será la película revelada correspondiente a esta zona; esto se debe al hecho de que cuánta más luz impacta en la película, mayor será la cantidad de sales de plata modificadas y por lo tanto negras. Una vez revelada la película, es necesario fijarla, o sea, eliminar todas las sales no sensibilizadas (que se modificarían en una nueva exposición a la luz). Después de estos procesos, la película pueden recibir luz de nuevo.

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