La estética Man Ray.

2012.11.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR ALBERTO MARTÍN.

Fue un artista total. Pintó y creo con la cámara imágenes insólitas. Surrealista, vanguardista, revolucionó la moda, la publicidad y el retrato. Man Ray liberó a la fotografía de sus funciones documentales. La elevó a la categoría de arte.

“Yo creé a dadá cuando era niño y mi madre me zurraba. Yo podría proclamar que soy el autor de dáda en Nueva York”. Así se expresaba Man Ray (Filadelfia, 1890; París 1976) en un texto para el catálogo de la gran retrospectiva de dadá en Düsseldorf que aparece reproducido en su autobiografía, titulada Autorretrato. Y de hecho, en lo fundamental, y a pesar de su progresiva asimilación con el surrealismo, puede decirse que Man Ray mantuvo su espíritu dadaísta hasta el final de sus días. El carácter combativo y provocador del movimiento dadá se ajustó perfectamente a la personalidad inquieta, individualista y un tanto contradictoria de Man Ray. Quien llegaría a ser uno de los principales responsables de la toma en consideración de la fotografía como arte, publicó un famoso opúsculo (obra científica o literaria de poca extensión) con el rotundo título de La fotografía no es un arte. Preguntado años después si seguía manteniendo esa opinión, respondió que había revisado un poco su actitud, llegando a la conclusión de que “el arte no es fotografía”. Probablemente sea esa la actitud irónica y aparentemente distanciada, plagada de afirmaciones provocadoras, la que mejor defina no sólo su personalidad, sino también su trayectoria artística y la posición que ocupó en la vanguardia artística de la Europa de entreguerras.

 RETRATOS CON CÁMARA. Y retrato de la bailarina Ady Fidelin 81937), su musa.

SURREALISTA Y DADÁ. ‘Las Tres Gracias’ (1930). Fotografía de una aerografía de 1919 destruida por el propio Man Ray.

Su afán de experimentación y búsqueda había dado comienzo ya en Nueva York, sobre todo a raíz del descubrimiento de arte de vanguardia europeo en el Armory Show en 1913, y de su encuentro con Marcel Duchamp en 1915, con quien iniciaría una amistad y una colaboración que duraría el resto de sus vidas. En esa época inició una intensa militancia dadaísta y comenzó a aplicar nuevas técnicas en su trabajo, como sus pinturas aerógrafas, en las que colocaba objetos y plantillas sobre el lienzo que luego rociaba con pintura, o el método cliché-verré para hacer impresiones de dibujos hechos directamente sobre el negativo. Y sobre todo empezó a utilizar la cámara para fotografiar  objetos construidos, o descontextualizados y separados de su unción originaria gracias al pie de foto (como la famosa imagen de la batidora de huevos titulada Mujer); objetos que después surgió realizando a lo largo de casi toda una vida, y a los que llamó “objetos de mi afecto”. Toda esta evolución iniciada por Man Ray en Ver más información del artículo

Ai Weiwei.

2012.10.21

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

FOTÓGRAFO FRED BURNER Y ESCRITO POR HERBERT WILHELMI.

Ai Weivei, uno de los artistas más importantes del mundo, es también el gran pepito grillo de la dictadura china. Vive entre la cárcel y el arresto domiciliario pero nosotros hemos conseguido con él de arte y algo más.

Ai Weiwei es un artista polifacético, de los más cotizados del mundo. En una de sus habituales incursiones en la arquitectura, fue el responsable del estadio Olímpico de Beijing junto a los suizos Herzog y De Meuron. Pero su fama se ha disparado tras ser encarcelado por un supuesto delito de fraude fiscal. Los medios oficiales chinos también le han acusado de plagio o de ser un artista mediocre. De las denuncias que hacía contra el Gobierno en su blog y en entrevistas a medios extranjeros no han dicho nada, claro.
Weiwei fue liberado tras casi tres meses de reclusión y tortura sicológica. Pasó todo ese tiempo en una celda muy pequeña con dos guardias prácticamente pegados a él todo el día, según contó su hermana tras su liberación. Ahora tiene prohibido hablar con periodistas, encontrarse con extranjeros y conectarse a internet. Esta entrevista habla de arte y de la situación en su país.

Nacio en Beijing en en 1957. Es uno de los 100 más influyentes del mundo para la revista Time. Las autoridades chinas le han obligado a cerrar su blog.

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Tierras de nadie. Paisajes-concepto. Joan Fontcuberta.

2012.09.18

TEXTO LITERAL REVISTA ARTE FOTOGRÁFICO: http://www.artefotografico.es/

JOAN FONTCUBERTA: http://www.fontcuberta.com/

Desde su aparición en el siglo XVI como género autónomo, el paisaje se consideraba la representación de la naturaleza, entendida ésta como todo cuanto quedaba fuera de las murallas de la ciudad. Con el tiempo las ciudades crecieron y entraron en conflicto con la naturaleza, pero desde la irrupción de Patinir gozamos de obras como las de Constable, Turner o Cézanne y todo parecía ir bien. Sin embargo, el capitalismo, la industrialización, el consumo y la facilidad en las comunicaciones llevaron a la naturaleza a una crisis irresoluble, mientras que el postmodernismo ponía en entredicho el concepto mismo de representación. Ante ese doble cuestionamiento, ¿qué sentido tenía hablar de paisaje?
El arte contemporáneo, implementado con la incorporación de la fotografía, no se ha rendido ante ese escollo. De un paisaje escenario de acontecimientos se ha pasado a un paisaje experiencia del lugar (como el land art) y de ahí, finalmente, a un paisaje concepto, es decir, aun paisaje entendido como pretexto para una reflexión sobre la realidad y sobre el lenguaje con que lo evocamos.

Serie Semiópolis (199-2001).
En esta dirección, la obra de Joan Fontcuberta ofrece múltiples ejemplos que rebosan de creatividad y rigor, en los que sintomáticamente la fotografía de naturaleza es un recurso para llegar a la naturaleza de la fotografía.
Palimpsectos (1988-1993): Fotogramas realizados emulsionando carteles de museos de arte y papel decorativo que incluyen, en ambos casos, figuras ornamentales  de la naturaleza, como flores o pájaros.
Terrain vague (1994-1998): Foto-quimigramas que solapan una fotografía convencional de paisajes industriales y urbanos con un fotograma realizado con objetos de desecho encontrados en los mismos paisajes fotografíados.
Semiópolis (1999-2001): Imagen de la primera página de grandes libros de filosofía, religión, ciencia, literatura o política en escritura braile, fotografíados a contraluz y en picado, como si fueran paisajes cibernéticos o virtuales.
Securitas (2001-2002): Fragmentados del dentado de llaves convertidos en imágenes de cadenas montañosas.
Orogénesis (2003-2006): Paisajes virtuales de apariencia fotorealista generados por un software topográfico que interpreta obras maestras de pintura y de la fotografía como si fuera mapas.
Su denominador común no escatima guiños a la historia del arte y a la semiología y es a la vez una crítica del espacio hecho cultura y del valor ilusoriamente documental de la imagen fotográfica. Se trata, en definitiva, de trabajos que a lo largo de dos décadas trazan un exploración iconoclasta que, aboliendo fronteras y prejuicios, nos traslada a unos paisajes paródicos: Las nuevas tierras de nadie en el ámbito de la representación y de la experiencia.

 

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La fotografía como expresión de sí misma.

2012.07.28

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “LA FOTOGRAFÍA CALLEJERA Y LA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

A veces se tiende a entender la fotografía desde un punto de vista instrumental: la fotografía que “sirve” para documentar un acontecimiento o que “sirve” para apropiarse de un recuerdo. En realidad, a menudo olvidamos que la fotografía es ante todo una expresión de lo que cada uno tiene “dentro”. El sujeto, quienquiera que sea, no es más que el pretexto de la comunicación. Una comunicación que no tiene que ver con la existencia física o el aspecto exterior de los elementos representados, sino que se manifiesta y se articula a dos niveles distintos, ambos importantes.

SENTIR, FILTRAR E INTERPRETAR. Por un lado, la fotografía pone en evidencia lo que el fotógrafo “siente” respecto a ese sujeto: cómo lo ha interiorizado y “filtrado” a través de su visión del mundo. De este modo el fotógrafo le ofrece al espectador una “propuesta de lectura” invitando a este último a hacerla suya, reinterpretándola a su vez a través de las experiencias vividas y las emociones propias.

↓ Fotografía “Rojo” de Paula Juan Altemir.

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Las ilustraciones de Takashi Murakami.

2012.04.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA  50_EASY, Nº13: http://www.welovecolophon.com

TEXTO DE ITZIAR BADÍA.

Contemplar la obra de Takasshi Murakami lleva acompañada una sonrisa de forma inevitable, una sensación de placer naif que logra despertar al niño adormecido que flota en nuestro interior. Gozamos al ver como se despereza y se frota los ojos incrédulo ante semejante despliegue mágico de formas y colores. Ganas de adentrarse en este nuevo universo inanimado, repleto de flores que cantan a nuestro paso y buscar refugio bajo una de las setas que danzan en espirar acompañando este festival de colores y figuras.

Takashi Murakami es uno de los principales representantes del denominado “nuevo arte japonés” que ha elevado el mundo de dibujos animados (maga en japonés), al rango de delicada perfección y material de culto. La belleza de sus dibujos es el resultado de una formidable integración de pintura tradicional japonesa (figuras y colores planos) con los códigos y posibilidades de animación que introdujo la tecnología digital. Es esta personal sublimación y renovación de la herencia artística lo que define la obra Murakami.

Su nombre está directamente ligado al término otaku, bajo el cual se identifican en versión nipona todos los genuinos freaks de la animación y videojuegos de estética japonesa. Como criatura y alter ego de Murakami es imprescindible conocer a Mr. Bob, un personaje entre cándido y monstruoso, según el gesto que se le antoje. Hay motivos que se repiten una y otra vez en la obra tanto pictórica como escultórica de Mirkami: setas, ojos, globos, y ante todo flores. ¿De dónde proviene esta debilidad floral del artista japonés? Según sus propias palabras “Las flores son preciosas, y a la vez tiene un fuerte componente sexual. Tienen el mismo poder de sección que el rostro humano. Es más, he considerado más de una vez crear un personaje que combine en su rostro rasgos humanos y florales”. Sencillamente habrá que esperarlo. Y es probable que salga de su Hiropon Factory, una escuela de arte creada por el propio Murakami con sede en Tokio y Brooklin, inspirada directamente en el mítico Studio 54 de sello Warhol. La Hiropon Factory es a su vez el centro comercial desde el que se distribuyen todo tipo de productos y fetiches aptos para auténticos otaku.

TEXTO DE ADAN DE HAVENON

El arte de Takashi Murakami es, sin duda lindo, pero a punto de desmayarse no confía en su primer instinto. Hay mucho más en su rica imaginería visual de lo que parece. Afortunadamente, su popularidad ha crecido como en los últimos años que los museos han empezado a montar exposiciones. El trabajo de Murakami se basa en la animación japonesa estilo cómico en un “Libro de Otaku y Manga”, la molestia de los padres de todo el país del sol naciente. Lejos de ser una copia más, Murakami explora el legado de adultos de su adolescente intensa obsesión. Los lienzos con colores monocromáticos y figuras juguetonas son emblemas de la cultura pop, pero Murakami les lleva fuera de contexto y de una exageración lúdica, a veces incluso hasta el punto del ridículo. Warhol piensa leer cómics en Tokio.

 

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Terminal B. Web original.

2012.03.05

TEXTO DE LA REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com, PERO MODIFICADO POR MI PARA ACTUALIZARLO PORQUE EL ARTÍCULO ES DE HACE UNOS AÑOS.

TERMINAL B: http://www.terminalb.org/frontend/es/

Una constante curiosa para una ciudad en movimiento constante.

Teminal B es una iniciativa creada en Barelona, promovida por el FAD y que ha ido creciendo con el tiempo. Esta web pretende ser una base de datos pública y gratuita creada con el objetivo de reunir la mejor creatividad en diseño, arquitectura, imagen y comunicación producida en un principio en sólo en Barcelona. Pero su actividad actuálemte se ha ampliado al resto de España e incluso del mundo.

Darse de alta en esta base de datos es totalmente gratuito y puede realizarse desde la misma web de un modo muy sencillo y rápido. Para ello necesitaréis rellenar toda la información relacionada con vuestra formación y actividad laboral, así como imágenes en baja resolución de vuestra obra. Si lo que queréis  es buscar profesionales de algún sector concreto la web ofrece distintos buscadores según el lugar de procedencia, la formación, una actividad profesional o los datos personales. Si no buscáis nada en concreto y sólo queréis echar una ojeada rápida de lo que se cuece. No sabemos cuántos son los que han conseguido encargos mediante este portal pero lo que sí sabemos es que como idea es buena, y que como web funciona y es divertida.

 

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The Frozen Fountain.

2012.01.29

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

ESCRITO POR NURIA CORTÉS Y FOTOGRAFÍA DE ALBERTO PAREDES.

Diseño holandés para llevarse de vuelta a casa.

Si buscas un recuerdo con estilo que llevarte de Ámsterdam, lo suyo es acercarse al número 654 de Prinsengracht, donde se encuentra The Frozen Fountain. Más de 25 años lleva la tienda ofreciendo lo mejor del diseño nacional, ya sea el trabajo de las nuevas promesas que salen de las academias de arte del país, como el de creadores reconocidos de la talla de Piet Hein Eek o Marcel Wanders. En los dos edificios que ocupa se pueden encontrar desde objetos puramente decorativos hasta muebles, arte contemporáneo y accesorios de vestimenta. Aunque también ofrece diseño internacional, con marcas como Zonnotta, Cappellini o Vitra, su oferta más interesante lleva el sello holandés.

En su oferta, desde los característicos armarios, sillas y cómodas de Piet Hein Eek a los originales diseños del también holandés Marcel Wanders, cuya Knotted Chair o Silla tejida le trajo el reconocimiento internacional. En la tienda, donde convive el diseño minimalista con candelabros revirados y asientos de estilo rococó, también hay un espacio predominante para la fotografía, pudiéndose encontrar trabajos de reputados fotógrafos como Anton Corbijn o Teun Hocks. Ofrecen una colección única de mantelería con diseños de Guido Geelen, Hella Jongerius y Studio Job entre otros, además de las salidas del Museo Textil de Holanda, con quien la tienda tiene exclusividad. WWW.FROZENFOUNTAIN.NL

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Moda & surrealismo.

2012.01.21

TEXTO LITERAL REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

ESCRITO POR LAURENT DOMBROWICZ Y FOTOS, D.R.

La moda escapa de la rutina y se adentra en el subconsciente siguiendo la estela de Bretón, Dalí y Elsa Schiaparelli. Una tendencia que desafía la lógica.

Si la magia opera de forma cíclica, la moda se muestra más brillante cuando escapa a las reglas de la elegancia y, a veces, del buen gusto. De esta forma, en el momento en que la creación textil se asoció al surrealismo, la varita de las tendencias dio a la luz a una pareja de gran longevidad y creatividad. El movimiento surrealista, nacido en los años 20 de la mano de André Bréton y de un círculo de espíritus iluminados, identificó claramente este vínculo. Los intercambios entre moda y surrealismo fueron en ambos sentidos. La palabra clave: escapar a lo cotidiano, a la rutina, al modelo burgués. ¿Las formas de llegar allí? La insurrección perpetua, la puesta en duda de la razón y el cuerpo y la celebración de azar y de la ilusión.

A la izquierda, paisaje de un cuadro de Salvador Dalí y abrigo de ocho cajones de Elsa Schiaparelli, fotografiado por Cecil Beaton en 1936. A la derecha, todo el espíritu del subrrealismo de Schiaparelli en este sombrero Mystère con un broche de diamantes de Van Cleef & Arpels a modo de ceja (1949)

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Ana Juan. Snowhite ya tiene mamá.

2012.01.07

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA GLAMOUR: http://www.glamour.es/

ESCRITO POR ELENA MANDACEN.

FOTOGRAFÍAS DE LAURA M. LOMBARDÍA, D.R.

Este artículo es del mes de noviembre del 2011 y aunque habla de una exposición realizada en aquella fecha, no he querido pasar por alto el poder descubrir a esta fantástica ilustradora. Acabo de ver que está hasta el 15 de enero. http://www.museoabc.es/es/exposicion/93

La ilustradora que diseña portadas para The New Yorker expone a finales de mes en Madrid su adaptación libre del cuento de de Blancanieves, con personajes malvados y solitarios. ¡Que tiemblen los hermanos Grimm!

De izquierda a derecha, Madrastra, de Snowhite y La Caja Secreta de Snowhite.

Arriba, retrato de Snowhite con Julius. Abajo a la izquierda, un boceto del jardín y, a la derecha, la Madrastra enfurecida.

Su pasión por el dibujo se remonta a su niñez, a todos esos libros que leía y que la llevaron a se una de las mejores ilustradoras  que tenemos actualmente en España. Ana Juan, Premio nacional de Ilustración 2010, se caracteriza por tener un universo muy personal en el que dominan las historias sugerentes, transgresoras y abiertas a la fantasía. Algo que la ha hecho única.

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Eugenio Ampudia: Operario de ideas devoradoras.

2011.12.26

PARTE DE UN TEXTO DE LA PUBLICACIÓN “24-k MAGAZINE”

ESCRITO POR GUILLERMO ESPINOSA

Eugenio Ampudia comenzó a exhibir su trabajo allá por 1987 y, sin embargo, hoy se le vincula más con una generación posterior, posiblemente por su postura tecnológicamente avanzada y su particular mirada. El propio artista, siempre muy crítico con los entresijos del mundo del arte y también con el propio proceso de creación y sus vinculaciones, confiesa sentirse hoy sorprendidamente mimado por las instituciones españolas. Escultor, pintor, videocreador, instalador, artista digital y comisario (su capacitación tecnológica lo ha impulsado a ello: fue uno de los pioneros del net-art y el arte en formato digital de este país), Ampudia también es fundador de Operariodeideas, colectivo de comisarios que llevan una década avanzando en este país el porvenir del arte contemporáneo.
Eugenio es, además, uno de los artistas que más utiliza la yuxtaposición de representaciones de la realidad y simulacros a través de imágenes proyectadas. Igual coloca un cielo en una mesa que incendia cualquier espacio. Todo visto bajo una percepción ambivalente de la imagen. Y el resultado, sí, aumenta cualquier temperatura: real y puramente intelectual.

Tu trabaio ha hablado muchas veces del propio proceso artístico, de la relación obra de arte-espectador y del sistema del mundo del arte. ¿Ha cambiado esta relación desde que empezaste enlos 80? El aumento de oferta, con la creación de nuevos museos y centros de arte, ha especializado al espectador. Ahora es más avezado y está mucho más implicado. También hay grandes cambios en la producción de las obras, en su exhibición y en las estrategias de los artistas. Aunque sigue dándose un mensaje predominante, una mirada antigua.
Pero, ¿el arte conceptual ha logrado finalmente llegar al público o todavía no? El público ya forma parte del concepto.
¿Qué te interesa del arte emergente hoy? ¿Se han abierto nuevas vías? Me interesa, sobre todo, cómo han cambiado tanto el sistema referencial como el iconográfico con la incorporación de la realidad inmediata al mundo del arte.
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