Las reglas de la composición.

2012.05.07

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

¿Cuál son las reglas de la composición? ¿como funciona y cuándo puede permitirse romperlas? No hay necesidad de ponermos técnicos — pero algunos consejos sencillos pueden representar una gran diferencia.

La composición en el mundo de la fotografía es importante porque si está bien conseguida ayuda a la gente a ‘leer’ nuestras fotografías y a entenderlas tal y como nosotros las pensamos. La mayor parte del tiempo es tan simple como eso. Hay muchas teorías complejas sobre las líneas y las proporciones, pero tiene que tener cuidado y no quedarse atrapado en la teoría técnica. La composición es un medio para conseguir un fin, no un fin en si mismo. Si ayuda a la fotografía, está bien. Si se convierte en la fotografía, está mal.

Cuando captura una imagen, sabe qué le llama la atención y por qué le parece interesante en ese momento, pero quizás una persona que vea la fotografía que ha capturado no sienta lo mismo. Quizás usted pueda ignorar el desorden del fondo, que pasen dos o tres cosas al mismo tiempo o que el protagonista no resalte claramente. Eso es porque, mentalmente, usted se ha centrado en una cosa y puede ignorar el resto.

↑ Fotografía “Espacio 4” de Paula Juan Altemir. Ver más información del artículo

Aprender a mirar.

2012.03.12

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “HAGA, RETOQUE  Y COMPARTA EN INTERNET SUS FOTOS Y VÍDEOS” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

IMAGINAR LA IMPRESIÓN FINAL. Previsualizar significa “ver con los ojos de la mente” aquella que será la impresión final. Se trata en otras palabras de realizar un proyecto independientemente de aquellas que son las características circunstanciales del sujeto: lo que cuenta es tener el resultado final. Esta planificación será el  objetivo del trabajo fotográfico que implica no sólo la toma, sino también el revelado, la impresión y, cuando se trabaja con digital, la postproducción.

↑ Fotografía “Espacio 6” de Paula Juan Altemir.

PREVISUALIZACIÓN Y CONOCIMIENTO DEL MEDIO. El problema para los principiantes (aunque para algunos aficionados más “curtidos”) no reside en imaginarse el resultado final, sino en obtenerlo. A menudo observando sus propias fotos, el fotógrafo aficionado las encuentra banales, insignificantes y seguramente muy distintas de como se las esperaba, pero es precisamente en este punto donde entra en juego el conocimiento del medio, la experiencia y las capacidades adquiridas. Es a través de estos elementos que el fotógrafo experto consigue obtener exactamente la imagen que había previsualizado. El conocimiento en profundidad de los procedimientos que llevan a la formación de la imagen no es un ejercicio farragaso de tecnicismo puro, sino la herramienta esencial a través de la cual el fotógrafo doblega la luz a favor de sus exigencias propias.

Pensemos en el ejemplo del pintor, que conociendo las características y las prestaciones de cada uno de los pinceles y usándolos con la debida habilidad consigue obtener exactamente ese matiz, ese efecto de luz, ese movimiento que había imaginado en su mente aún antes de tratar a carboncillo el esbozo de la obra. De la misma manera sólo el fotógrafo que conoce a fondo las herramientas de trabajo propias y las sabe usar hasta los límites de sus posibilidades técnicas consigue transmitir al espectador la imagen que había previsualizado.

 

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Judith Sabotit. Expo Abierta.

2012.03.04

FOTÓGRAFA JUDITH SABORIT: http://judith-saborit.blogspot.com/

Fotografía y viajera, Judith Sabotit nos muestra en estas páginas una breve, pero intensa, pincelada de su trabajo. Su cámara no descansa, aprovecha cada ocasión para captar desde los instantes únicos a la singularidad de las formas y las líneas arquitectónicas.

Las imágenes de esta fotógrafa son directas, sin aditivos artificios, tanto en aquellas que nos sumergen en el mundo de la arquitectura como en las que nos muestran paisajes y gentes de otros lugares. Judith tiene una chispa que caracteriza a todo buen fotógrafo, la de saber ver dónde esta la foto y plasmarla con singular maestría. Sus imágenes cautivan por la aparente simplicidad que, sin embargo, esconden una poliédrica lectura. En sus imágenes de arquitectura juega con las formas y las líneas, unas veces descontextualizándolas y creando microcosmos, otras mostrándonos la belleza de toda su extensión, otras doblegándolas con sutileza al elemento humano que aparece representado como algo circunstancial, incluso, a veces, llegando a lo ilusoriamente marginal. Color o blanco y negro, para Judith Saborit es lo mismo, se expresa igual de bien con cualquiera de ellos, pero al blanco y negro le da ese punto mágico que hace que Fotografía se escriba con mayúsculas.

—¿Cómo nace tu afición a la fotografía? ¿Cuanto tiempo llevas dedicándote a ella? Mi padre es fotógrafo profesional, por lo que he nacido entre carretes, líquidos de revelado y cámaras. Más que una afición es parte de mi vida. Llevo haciendo fotos de forma un poco más formal y continuada hace 5 años cuando realicé mi primer curso de fotografía digital.

—Haces fotografía de arquitectura, viajes, naturaleza, pero ¿cual es tu tema favorito? La arquitectura sin lugar a dudas. Me fascinan las creaciones del ser humano, esos bosques de asfalto, de cristales y de estructuras.

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La exposición y la creatividad.

2012.01.25

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “HAGA, RETOQUE  Y COMPARTA EN INTERNET SUS FOTOS Y VÍDEOS” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/ Y PEQUEÑO APUNTE  EXPLICATIVO MIO.

↓ Fotografía de Paula Juan Altemir.

La fotografía de paisaje es quizás el género más practicado por los fotógrafos aficionados. No hay viaje, no hay excursión que no cuente con una toma del ambiente. Aunque no se trata de un género precisamente fácil: la banalidad siempre está acechando y riesgo de llevarse a casa una insignificante postal (quizás técnicamente correcta pero incapaz de transmitir la emoción experimentada frente a la grandeza de la naturaleza) siempre está pendiente. En este manual las emociones técnicas básicas estarán acompañadas por sugerencias útiles y consejos para transformar un simple toma de un paisaje en en una fotografía digna de admirar.

Algunos fotógrafos afirman que fotografiar el paisaje es como ir a pescar. Hay que quedarse tranquilos, esperar la luz adecuada, considerar con calma el encuadre, enfocar con precisión, usar focales fijas que garanticen una calidad mejor respecto a los zoom. Empleando un trípode se puede utilizar una sensibilidad baja (ya sea con película o en digital) garantizando la máxima nitidez.

A pesar de eso, a menudo ocurre que gran parte de las fotografías de paisaje tomadas por principiantes resultan banales, bastante alejadas escena. El problema es al mismo tiempo técnico y de composición.

Reconozco que esta foto es mía y hago autocrítica. Aunque no soy fotógrafa aficionada, no voy ha dar muchos paseos para retratar paisajes porque no es un género que me fascine, notándose mi desentreno. Cuando cita este artículo “la banalidad”, reconozco que una ría con su barca puede ser muy recurrente, pero por lo menos no he realizado un atardecer. Pero en lo que falla es que esta foto, la toma, se realizada muy lejos de la escena sin transmitir nada de emoción. También dicho en el anterior párrafo. Fotografía de Paula Juan en Cantabría.

La gestión de la luz en el paisaje no es sencilla: cuando están presentes contrastes elevados es fácil quemar las luces altas o “tapar” las sombras, y a menudo esto ocurre porque el principiante no conoce a fondo el principio de la exposición.

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Capturar el movimiento. Parte I.

2012.01.02

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

En este mundo frenético en que vivimos, que no se detiene nunca, la oportunidad de capturar el movimiento surge en todas partes —sólo tiene que saber dónde mirar…

Fotografía “Danza 1″ de Paula Juan Altemir.

01 Que no se escape. Para capturar el movimiento y congelar la acción; tendrá que usar una velocidad de obturación rápida. Lo ideal es un mínimo de 1/150 segundos. Si hay poca luz, para conseguir una mayor efectividad debe optar por una ISO alta y un objetivo rápido con una apertura amplia.

02 Panorámicas de oro. Para capturar cosas veloces, como coches o carreras de caballos, empiece a hacer una panorámica siguiendo el movimiento antes de apretar el obturador, y continúe desplazando la cámara durante toda la exposición para el movimiento se vea enfocando.

03 Espacio preparado. Para capturar el movimiento es importante transmitir un sentido de dirección, debe saber hacia donde va a caer o moverse y enfocar a la distancia esperada.

04 Haga un movimiento. Agradece sus fotografías capturando desde ángulos diferentes para enfatizar el movimiento que haya tanto delante como detrás del objetivo. Esto puede implicar renunciar al trípode y hacer la panorámica a mano desde abajo o desde arriba, o en cualquier otra posición que no sea directamente frontal.

05 Desdibujar los límites. Añadir desenfoques de movimiento puede ser algo muy creativo, y si está bien hecho revela cierta narrativa. Recuerde no usar una velocidad de obturación demasiado rápida —alrededor de 1/30 segundos.

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SBTRKT con su vídeo “Wildfire”.

2011.12.08

El vídeo musical del grupo electrónico SBTRKT es fantástico. Todo transcurre en una habitación durante 3 minutos y 36 segundos. Sus encuadres cerrados, sus primeros planos, sus imágenes macro y el centrarse en los pequeños detalles jugando con la profundidad de campo, crea un sensación angustiosa. Su estética descuidada y vintage crea una atmósfera muy particular no siendo casual que la chica sea nipona. Esto hace que sea un contrapunto.

El calor y el sudor son dos elementos muy importantes, por eso la temperatura de color es naranja. Luz muy sencilla que entra a través de la ventana lateral.

Casi parece que el protagonista es el ventilador ¿podría serlo?. Es el que parece darle un poco de aliento a la chica, aunque en realidad no sé si es así. Igual es la máscara sangrante que aparece en el vídeo.

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La sección áurea.

2011.12.07

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

Tiene que conocer las reglas antes de poder romperlas. Estudiamos los conceptos clave que debe conocer para capturar un retrato perfecto.

Existen varias ‘reglas’ que lo pueden ayudar a perfeccionar sus retratos, y sus fotografías en general, así que vale la pena tomarse un tiempo para aprenderlas.

Conocida también como ‘proporción divina’, la sección áurea es una relación definida por el número Π phi (1’618) que lleva siglos siendo usada por los humanos para cualquier cosa, desde construir pirámides hasta crear composiciones equilibradas el en arte. Lo interesante es que esta cifra está interrelacionada con cómo se proporciona el cuerpo humano, y la gente cuyas caras y cuerpos se acercan a esta relación suele ser considerada más atractiva.

La imagen (izquierda) del ejemplo muestra cómo esta relación juega un papel importante en los retratos. Componiendo la imagen con el modelo a la izquierda o la derecha del encuadre, es posible dividir la imagen en tres triángulos de proporciones similares y verá las proporciones donde se cruzan — se llaman puntos singulares— en puntos focales importantes. Intente probar lo mismo con el sujeto en el centro del encuadre, verá que los triángulos no están proporcionados y que los puntos singulares no se corresponden con los aspectos más importantes de la imagen, generalmente provocando que sea menos agradable estéticamente.

Una alternativa es usar la espiral áurea, que es ligeramente más compleja que el método anterior, pero puede ser increíblemente útil. Como en la imagen de la caravana, funciona mejor las composiciones que tienen algo que dirige al ojo hacia el centro del encuadre: en este caso la línea creada por el vehículo, que dirige al espectador hacia la modelo, está colocada descentrada y encaja con la sección áurea.

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Aprendamos a componer nuestras fotos. Parte 1.

2011.10.06

Este texto es de la época analógica, por eso hay que entenderlo en su contexto. Pero creo que es aplicable perféctamente en los tiempos de hoy en día.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA RETOQUE DIGITAL (GRUPO ARES INFORMÁTICA, S.L)

ESCRITO POR CARLOS LATORRE.

Mejoremos nuestras fotos con las tres reglas de oro: La ley del horizonte, la ley de la mirada y la regla de los tercios.

Si nos paráramos a pensar en un momento apreciaremos que en la realización de una fotografía intervienen muchos factores, así como la luz, la exposición, la sensibilidad de la película , el diafragma, el obturador… y mucha veces realizada una foto y con la copia de papel en nuestras manos, nos damos cuenta de que esa fotografía, que en el instante de tomarla nos parecería tan maravillosa, no es tan espectacular como nos habíamos creído. Averiguar cuál es el error puede ser complicado, porque cualquier descuido puede ser el causante de este pequeño fracaso. Aunque en muchas ocasiones este hecho puede ser debido a uno de los muchos factores que intervienen en nuestras tomas y que tiene la función de jerarquizar el espacio, seguramente es uno de los factores que muchos de nosotros, con frecuencia, olvidamos en el momento de fotografiar, nos referimos a la composición.

Fotografía “Espacio 2″ de Paula Juan Altemir.

Para empezar a componer primero debemos entender que en una fotografía normalmente primero debemos entender que en una fotografía normalmente hay un único punto de interés principal y luego hay algunos objetos  o planos de interés secundario. El principal objetivo de la composición es dirigir la vista en un fotografía, es decir, mantiene la posición de las cosas entorno a un formato determinado, en este caso un formato rectangular que es el formato que tiene la mayoría de las cámaras que tenernos en casa (35mm), unas nos llamen más la atención que otras. Evitando que el espectador dirija la vista al primer objeto que le parezca más interesante y no al que sea más importante según el fotógrafo.

Fotografía “Espacio 5″ de Paula Juan Altemir.

Como norma general, estamos equivocados si pensamos que para componer un fotografía basta con centrar el objeto o individuo principal en medio de la toma. Si hacemos esto, generalmente, conseguiremos una toma estática, carente de movimiento, con poco interés. Pero con esto tampoco queremos decir que toda toma con el objeto principal centrado sea mala, dependerá de cada caso y de las exigencias del fotógrafo y del objeto fotografiado. Tenemos que insistir en que son unas directrices a tener en cuenta, nada es obligado y todo es cuestionable. Las leyes o normas de las que estamos hablando desde el principio son básicamente tres, aunque hay muchas más cosas a tener en cuenta en el ámbito compositivo, pero de momento explicaremos estas leyes para empezar a tener contacto con la composición.

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La vida sobre ruedas.

2011.09.14

Este artículo es de hace muchos años y los equipos fotográficos que recomienda para utilizar, están desfasados. A pesar de ello, en este artículo, se puede extraer trucos muy interesantes para la fotografía de skateboard.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR IVÁN JIMÉNEZ

Fotografía en acción.

La fotografía deportiva abarca muchos campos por descubrir al público general. El “skateboard” monopatín, como conocemos por estas tierras, es un ejemplo de ello. Muchos hemos practicado alguna vez con los amigos o solos en una plaza del barrio. El skateboard profesional, mueve grandes cifras económicas en U.S.A. y en menor medida en Europa. Esto, convierte la práctica del monopatín en algo que deja de ser juego para convertirse en profesión. Volar sobre escaleras, deslizarse por encima de barandillas metálicas para aterrizar sobre “la tabla”…, todo ello conlleva esfuerzo. Y ahí es donde aparece la figura del fotógrafo.

En la actualidad, hablando de cifras mundiales, hay un centenar de revistas especializadas en el skate dedicadas a inmortalizar esos momentos o piruetas. Y con las revistas, están sus fotógrafos, dedicados a congelar las acciones de esos profesionales del skate que se esfuerzan por conseguir el “más difícil todavía”.

El monopatín se pueden practicar en la calle o en rampas, pero ambas “modalidades” requieren la misma técnica. Los fotógrafos que trabajamos en este campo, nos mueve algo muy importante, la pasión por congelar una milésima de un salto preciso.

LA TÉNICA:

Es sabido que los fotógrafos deportivos que se quieren aventurar a dispara skate lo tendrán muy difícil para captar el momento preciso de la acrobacia. Y es que la mayoría de fotógrafos profesionales y aficionados de este mundillo  tienen experiencia con la tabla. Esto es, la mayoría han practicado skate durante años y saben que movimientos son validos y cuando llegan a su cúspide, de ahí la capacidad de congelar la imagen.

Ver más información del artículo

John Coplans. Self portraits (autorretratos).

2011.04.20

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA  50_EASY, Nº13: http://www.welovecolophon.com

TEXTO DE ITZIAR BADÍA.

Jamás veremos su rostro, el mapa que atestigua sus ochenta años de edad. Sus ojos son el misterio que se oculta y a la vez la herramienta que da luz al resto de su cuerpo. Su cuerpo: soporte y obra de arte que se nos presenta desplegado, fragmentado en un rompecabezas que intenta expresar todos los cuerpos, el Ser Humano. John Coplans hizo un trueque de palabras por imágenes a los sesenta años. Abandonó su labor como escritor, curador y crítico de arte para cruzar el puente y dejar atrás el verbo. Se sumergió en la imagen pero de modo inverso al común de los fotógrafos. Coplans abre los ojos pero no para mirar y capturar el exterior, el entorno, el mundo. El viaje de este fotógrafo norteamericano tiene un trazado tan íntimo y cercano que la figura se descompone, se disuelve en pequeños retazos de ser.
“Es como soñar despierto. Me adentro en un viaje a través de mis genes, de mis ancestros, hombres y mujeres. Es un viaje al pasado, al origen del hombre, a nuestra esencial naturaleza”.
El cuerpo fragmentado de Coplans que compone la muestra “Autorretratos” es en sí un manifiesto, una superación del individuo al no enfocar en ningún momento aquello que nos singulariza: un rostro, una identidad. Expone su piel como un envoltorio común, una placenta que nos alberga y representa sin cuestionamientos. Sus escorzos y primeros planos obligan a repensar y reflexionar sobre aquello que nos es más próximo y a la vez tan ignorado: nuestro ser físico y su metamorfosis a través del tiempo.

Iconoclasta, John Coplans arremete contra la cultura de los cuerpos mediáticos, disecados y embalsamados en plena exaltación de la falsa eterna juventud. “Todo es una cuestión de cómo nuestra cultura percibe el proceso de envejecer: que viejo significa feo. Si pensamos en Rodin vemos cómo trabajó con personas de todas las edades. Yo siento que estoy vivo, tengo un cuerpo… y puedo convertirlo en algo tremendamente interesante. Eso me mantiene vivo y vital. Consiste en dinamizarme a través de mi creencia de que la tradición clásica de lo que es arte que hemos heredado de los griegos no es más que una sarta de tonterías”.

TEXTO DE ADAN DE HAVENON

Poco después de ver las catorce fotografías de John Coplans que se presentan en la galería Kowasa de Barcelona. Yo deseaba que mi abuelo fuera tan aventurero. Coplans, un editor fundador de Artforum, comenzó a fotografiar su cuerpo desnudo a la edad de 60 En 1980, y ha continuado desde entonces, rechazar la definición de la sociedad de la belleza como una piel perfecta y un cuerpo joven.

Muchas de las fotos como la abstracción cercana de Coplans de su mano o pie, mientras que otros muestran su forma entera desnuda, en poses que esconden la cara. Uno puede encontrar la dura verdad en las arrugas, las cicatrices y las maravillosas imperfecciones. Coplans permite al espectador explorar su cuerpo, y el resultado no es el asco, pero la apreciación de las formas en que el tiempo esculpe la talla humana en un libro de historia visual.

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