Paolo Rovervi.

2013.04.14

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA VANIDAD: http://www.vanidad.es/

ESCRITO POR DANIEL GARCÍA.

¿Cualquier sitio puede se un estudio? Exacto. Depende como sitúas la cámara, del espíritu con el que sacas la foto… El estudio sirve para subliminar, para aislar a tu sujeto del entorno. No sólo es una habitación, sino también un estado mental, la actitud que aportas frente a las modelos…
Esta visión ¿ha cambiado mucho? A este punto he llegado al cabo de muchos años. Ahora tengo un acercamiento muy místico hacia la fotografía. Es una evolución: yo siempre he sido el mismo hombre, pero antes era más técnico, más distante. Menos capaz de acercarme directamente al sujeto.
A la izquierda, “Sasha, París 1985″.
Sin embrago, usted se inició en la fotografía como retratista. Si, pero creo que hoy en día entablo una relación con las Ver más información del artículo

La estética Man Ray.

2012.11.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR ALBERTO MARTÍN.

Fue un artista total. Pintó y creo con la cámara imágenes insólitas. Surrealista, vanguardista, revolucionó la moda, la publicidad y el retrato. Man Ray liberó a la fotografía de sus funciones documentales. La elevó a la categoría de arte.

“Yo creé a dadá cuando era niño y mi madre me zurraba. Yo podría proclamar que soy el autor de dáda en Nueva York”. Así se expresaba Man Ray (Filadelfia, 1890; París 1976) en un texto para el catálogo de la gran retrospectiva de dadá en Düsseldorf que aparece reproducido en su autobiografía, titulada Autorretrato. Y de hecho, en lo fundamental, y a pesar de su progresiva asimilación con el surrealismo, puede decirse que Man Ray mantuvo su espíritu dadaísta hasta el final de sus días. El carácter combativo y provocador del movimiento dadá se ajustó perfectamente a la personalidad inquieta, individualista y un tanto contradictoria de Man Ray. Quien llegaría a ser uno de los principales responsables de la toma en consideración de la fotografía como arte, publicó un famoso opúsculo (obra científica o literaria de poca extensión) con el rotundo título de La fotografía no es un arte. Preguntado años después si seguía manteniendo esa opinión, respondió que había revisado un poco su actitud, llegando a la conclusión de que “el arte no es fotografía”. Probablemente sea esa la actitud irónica y aparentemente distanciada, plagada de afirmaciones provocadoras, la que mejor defina no sólo su personalidad, sino también su trayectoria artística y la posición que ocupó en la vanguardia artística de la Europa de entreguerras.

 RETRATOS CON CÁMARA. Y retrato de la bailarina Ady Fidelin 81937), su musa.

SURREALISTA Y DADÁ. ‘Las Tres Gracias’ (1930). Fotografía de una aerografía de 1919 destruida por el propio Man Ray.

Su afán de experimentación y búsqueda había dado comienzo ya en Nueva York, sobre todo a raíz del descubrimiento de arte de vanguardia europeo en el Armory Show en 1913, y de su encuentro con Marcel Duchamp en 1915, con quien iniciaría una amistad y una colaboración que duraría el resto de sus vidas. En esa época inició una intensa militancia dadaísta y comenzó a aplicar nuevas técnicas en su trabajo, como sus pinturas aerógrafas, en las que colocaba objetos y plantillas sobre el lienzo que luego rociaba con pintura, o el método cliché-verré para hacer impresiones de dibujos hechos directamente sobre el negativo. Y sobre todo empezó a utilizar la cámara para fotografiar  objetos construidos, o descontextualizados y separados de su unción originaria gracias al pie de foto (como la famosa imagen de la batidora de huevos titulada Mujer); objetos que después surgió realizando a lo largo de casi toda una vida, y a los que llamó “objetos de mi afecto”. Toda esta evolución iniciada por Man Ray en Ver más información del artículo

Nadar. Retratos interiores.

2012.10.02
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
ERA UN HOMBRE ARRIESCADO, amaba la paradoja, amaba las minorías. Era consciente de que son las minorías las que diseñan el futuro. Trabajó como caricaturista y, como no podía ser de otra manera, montaba en globo. Gaspar Félix Tournachon, que más tarde alcanzará la fama como Nadar, fue el hombre que retrató a todos los artistas de su tiempo. Se sentía cercano de ellos: él también era un creador, y sobre todo fue el pionero en el arte de hacer retratos que captaban el interior. Era un avanzado de su tiempo, un moderno al que Julio Verne le hace héroe de su célebre “De la Tierra a la Luna”, con el nombre de Ardan (anagrama de su nombre).
——
Hizo la primera fotografía aérea de la historia en 1858. También fue el primero en hacer un retrato explícito de un hermafrodita y en darse cuenta de que el mejor retrato de un banquero podría ser un primer plano de su mano.
—–
Autorretrato de Nadar en 1865.
Sin embargo, si su pasión por el globo y los viajes aéreos no forman parte más que de la historia pequeña de la aviación, sus retratos fotográficos son irremplazables como búsqueda artística de su tiempo y verdaderas obras maestras. Como muchos de los grandes fotógrafos —Man Ray, Cartier-Bresson, Klein—, Nadar llego a la fotografía de la pintura o, más concretamente, del dibujo. En un principio, la fotografía no era para él más que un medio para retratar a todos los ilustres de su época sin abusar de su tiempo. Pero el Panteón, concebido como álbum de caricaturas, termina siendo un álbum de fotos.
—–
Por su taller de la rue Saint-Lazare toda la Europa célebre desfila, como desfilan ahora todos los famosos delante de Annie Leibovitz. De Liszt a Delacroix y de George SandBakounin, nunca la historia, el arte y la literatura han estado tan interesadas en posar delante de un objetivo. Lo hicieron sin duda por estar a la moda, pero posaron para el artista que mejores retratos ha hecho a lo largo de dos siglos.
—–

Ojos de gata.

2012.05.13

PUBLICACIÓN SMODA: http://smoda.elpais.com/
FOTÓGRAFO CHRISTOFHE MEIMOON: http://christophe-meimoon.com/
MAQUILLADORES: HOUDA REMITA PARA ETÈE LAUDER Y DIOR, ALEJANDRO MAILLARBAUX PARA GIORGIO ARMANI, DAVID BELLO PARA CHANEL.
PELUQUERÍA DE  GREGORY KAOUA.

Ver más información del artículo

Joel-Peter Witkin.

2012.04.18

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

ESCRITO POR JAVIER CASADO.

Texto extraído en Abril de 2012. Es por contextualizar la entrevista.

Crea imágenes muy inquietantes con modelos poco habituales: gente con deformidades físicas, enanos, transexuales, aficionados al sadomaso y, lo que más jaleo provoca, cadáveres o partes de ellos.

>Nació en Nueva York en 1939>Fue fotógrafo militar entre 1961 y 1964>Solo utiliza métodos de la fotografía tradicional>Se declara católico.

Joel-Peter Witkin tiene seis años sale de casa con su madre y su hermano gemelo Joreome para ir a misa. Brutalmente, tres coches cargados con otras tantas familias chocan enfrente de ellos y una niña resulta decapitada. Su cabeza rueda por la calle hasta los pies de Joel-Peter, que en vez de salir corriendo se agacha para tocarla e intenta hablarle, pero alguien le agarra y se lo lleva de allí. Estamos en Brooklyn y Estados Unidos acaba de despachar la II guerra mundial soltando dos bombas atómicas sobre Japón.

Ese niño se ha convertido en un autor clásico de la fotografía del siglo XX, que sigue sorprendiendo en el XXI con el romanticismo macabro y fascinante de sus obras. Su obra puede verse ahora en París, en una muestra que recoge la Biblioteca Nacional de Francia hasta el 1 de julio. Hablamos con el autor cuando está en su casa en Nuevo México, positivando día y noche las imágenes para la exposición. Soy uno de los pocos fotógrafos que hace sus propias impresiones”, dice.

Ver más información del artículo

El ferrotipo.

2012.01.27

El ferrotipo era un sistema de positivado directo que se comenzó a desarrollar en un principio en Francia sobre 1853, por el fotógrafo y profesor Adolph Alexandre Martin (1924-1825), a partir del proceso del colodión. En Estados Unidos, el profesor L. Hamilton Smith (1819-1903), recogió la idea de Martin y experimentó con la toma de fotografías positivas de colodión, que resultaría posteriormente el llamado ferrotipo patentándolo en 1956.

Este proceso antiguo estuvo comercialmente en uso hasta 1920, aunque desde 1915 entró en declive.

Las llamadas Hidden Mothers (Madres ocultas) crearon todo un género en los albores de la fotografía con los ferrotipos.

El ferrotipo es una variante del proceso del colodión húmedo y al igual que el daguerrotipo, la imagen se fijaba en una placa de metal expuesta en la cámara, pero el metal era acero (hojalata) o hierro en lugar de cobre. Esta placa se lacada por ambas caras con barniz japonés negro o café en lugar de plata. Luego se sensibilizaba con colodión y nitrato de plata justo antes de la exposición en la cámara oscura. El ferrotipo era un negativo en su formación química y aparecía como positivo debido a la placa negra.

Dos empresas estadounidenses empezaron la producción de placas de metal lacada. Peter Neff obtuvo la patente del profesor Smith, llamando a su producto “melainotype” (del término griego melanio que significa oscuro o negro) y su rival, Victor Griswold, lo llamó ferrotipo (del término latín ferro que significa hierro).

Las imágenes obtenidas eran bastante planas predominando los tonos grisáceos y pocos contrastados. En ocasiones se barnizaban para aumenta el grado de protección y darle cierto brillo.

Con frecuencia reproduce el sistema “paquete daguerriano” (una especie de estuche) hasta el año 1865, llegándose a confundir con los ambrotipos que se mostraban de esta forma. Después era habitual su presentación en una especie de ventana recortada de papel, con formato de carta de visita y en ocasiones insertos en álbumes de estilo modernista.

La poca fragilidad del metal que soporta la imagen, la facilidad para la toma, así como su precio asequible, le dieron popularidad a este proceso fotográfico e hicieron posible que a diferencia de otros “positivos directos de cámara”, su uso comercial se prolongase hasta las primeras décadas del S. XX. Durante la guerra civil norteamericana fue la forma de reproducción más demandada. Era un soporte muy ligero por ser una lámina muy fina y aguantaba los golpes y maltratos del correo. Por eso miles de soldados se hacen un retrato para sus familiares.

El ferrotipo nunca alcanzó la calidad de la imagen que se obtenía con el daguerrotipo.

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Tags :       

Apuntes de historia de la moda. Paula Juan.

2011.10.31

Clases impartidas por Manuel Santos en la escuela de Madrid, TAI.

INICIO DE LA FOTOGRAFÍA.

La cámara oscura es fabricada en China y había que tener conocimientos de física y química. Crear sustancias que pudieran oscurecer el cuerpo humano con la luz.

¿Cual era el problema?: mantener la imagen, conexión de los elementos físico y químicos, su permanencia y que no le siguiera afectando la luz.

El sistema que hiciera que la realidad (imagen) pudiera fijarse: Los sistemas que más exitosos, fueron los de Niepce y Daguerre en Francia.

Punto de vista desde la ventana de Gras (1826), por Joseph Nicéphore Niépce.

  • Niepce → Investigaba e hizo una placa litográfica. Era una vista realista del mundo. Procedimiento en el que se podía fijar sobre esa placa la pura realidad. Realizó la primera foto de la historia desde su casa. Realizada con “betún de judea”, con una exposición muy larga.
  • Daguerre → Patentó el diorama. Era una lámina pintada y según por donde la iluminadas (delante y detrás), salían distintas imágenes tridimensionales.

Daguerre le propuso a Niepce investigar juntos. Niepce le habló sobre sus investigaciones con las sales de plata. Daguerre le propuso que se aplicaran estas sales sobre una placa de cobre, que se llamaría un futuro daguerrotipo. Ver más información del artículo

Christelle Litvine. Clicks on line.

2011.10.21

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA “AD ARCUITECTURAL DIGEST”: http://www.revistaad.es/

ESCRITO POR ITZIAR NARRO Y FOTO THOMÁS CANET.

TRABAJA ENTRE MARBELLA Y PARÍS TRANSFORMANDO EL INTERIOR DE VIVIENDAS Y BOUTIQUES. CRECIÓ CON UNA CÁMARA BAJO EL BRAZO Y ACABA DE UNIR ESTAS DOS PASIONES EN UNA TIENDA FOTOGRÁFICA ON LINE CON INTENCIONES DECORARTIVAS. SUS IMÁGENES CUSTOMIZAN PAREDES POR AMOR AL ARTE.

“He adaptado mi pasión por la fotografía a la decoración. Iconegallery.com es una herramienta más para los interioristas”.

Su afición por los caballos andaluces la llevó a Marbella y le gustó esta ciudad a escala humana, marina y rodeada de naturaleza. Christelle Litvine, interiorista francesa, estudió Diseño y Artes Decorativas en París. Proyectó tiendas, se inventó muebles y se atrevió con interiores hasta que se trasladó a Andalucía y abrió su propio estudio de decoración, Real Desing. “Me gusta la diversidad de la ciudad, la mezcla de gente y estilos”, dice Christelle. Una vez instalada colaboró en el diseño de tiendas como la de Chloé en Puerto Banús, restaurantes y discotecas como News Café, decoró los primeros años de Ocean Club de Marvella y las villas de lujo de sus clientes. Se dejó inspirar por el lugar. Ahora acaba de lanzarse a un nuevo reto, unido a su gran pasión desde niña, la fotografía. Como interiorista, Chistelle había aprendido durante años lo divertido que puede ser decorar las preces de un espacio. De estas dos inquietudes nació iconegallery.com, su última apuesta, un proyecto on line donde comprar cuadros pensados para la decoración. “Se trata de arte decoratico”, asegura. “Lo importante es dar vida a un lugar contando una historia. Las obras digitales se pueden pedir en varios tamaños, materiales y colores, lo que permite la libertad de adaptar  el cuadro al espacio”. Estilo clásico, vintage o desing, arquitectura, naturaleza o animales, el sistema, “el sistema de búsqueda es una herramienta sencilla para interioristas y particulares”. También colabora con Showrrom Naharro de Madrid y Roche Bobois en Marbella. www.realdesign-marbella.com; www.iconegallery.com

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

La Bicicleta perdida de Marcel Duchamp.

2011.08.21

TEXTO LITERAL DEL Nº 13 DE LA REVISTA EASY_50

ARTISTA MARCEL DUCHAMP: http://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp

ESCRITO POR RICARDO BADUELL: http://refinerialiteraria.wordpress.com/

En Nueva York, en un rincón del MoMA, se encuentra detenida fa rueda de bicicleta que Marcel Duchamp, entre las dos Guerras Mundiales, plantó invertida sobre un banquito para sorpresa, deleite o desconcierto de sus contemporáneos. Poco antes de la Caída de las Torres, yo mismo me encontraba en Nueva York y en el MoMA, ante esa rueda que otros turistas, a su vez, rodeaban. Bueno, no esa rueda exactamente, sino otra, igual de redonda, explicó la guía, aunque casi seguro no la otra, pensé yo, de la misma bicicleta, sino otra, otra cualquiera, con la que el mismo Duchamp, artesano, rehizo su invención una vez que el original, perdido, hubo rodado fuera de su alcance. Existen fotografías que muestran a una de las dos piezas en la desordenada habitación de Duchamp, compartiendo el azaroso momento con otros adornos, herramientas y objetos de uso diario. Pregunté a la guía del grupo sí la rueda giraba y ella, con la sonrisa de las maestras que han logrado abrir el pico de uno de sus polluelos, giró hacia mí y nos informó a todos que efectivamente ésa era la intención: cuando la rueda se expuso por primera vez se esperaba, contrariamente a lo habitual en este tipo de eventos, que los visitantes se acercaran a la obra y “participasen” poniéndola en acción; algo común en fos tiempos que corren,  ya aturdidos por el concepto de “interactividad”, pero no entonces, cuando empezaba a comprenderse que a los impresionistas había que mirarlos de lejos; de todos modos, en la actuafidad toda participación estaba prohibida, debido al deterioro que el contacto,

Retrato de Marcel Duchamp realizado por Irving Penn.

inevitablemente excesivo, terminaría acarreando al ready-made. Pensé que Duchamp no había reparado el Gran Vidrio, que cualquier obrero manual al menos tan calificado como él (aunque no tan renombrado) podría reconstruir o reponer lo que ya había sido repuesto y, halagado por el anterior reconocimiento de mí perspicacia, observé que aquí la conservación del objeto iba en contra del sentido de la obra. Sin una palabra, con una sonrisa china que la convirtió inmediatamente para mí en la curadora ideal de cualquier muestra, la guia dejó en suspenso ese sentido y en perfecto equilibrio el trabajo def artista y el del museo: crear y animar signos, proteger el legado cultural. Todo había sido dicho entre nosotros: en su estado latente, la rueda giraba; pero era demasiado tarde para que los visitantes, de hecho, la hiciésemos girar. El museo, ya cerrado en este sentido, protegía su propiedad, cuyo valor de reventa jamás podría restituir el hipotético obrero que la actitud de Duchamp autorizaba. Obra sin firma, fa firma le era adjudicada por el establishment cultural y la arrebataba así a las masas, no sólo una vez sino a lo largo de todo el tiempo. Ante esta forma sutil de la censura, sólo cabe la ironia para ponerse a un lado e interpretar a la autoridad. Pues aquí, como en las religiones, la obra, por inalcanzable, pierde su cuerpo para dejar el sitio a una imagen, la del objeto que no puede tocarse, y a un mito, su creador insustituible, que cierran el paso a lo anunciado. ¿Qué oculta y a la vez muestra el movimiento detenido, en la quietud consagrada del orden previsto, sino el paso del tiempo y con él, en su seno, el ascenso de lo pequeño que crece y la caída de Aquello que ya no se sostiene?

El collage del fotógrafo Paolo Roversi.

2011.08.18

LAS FOTOS SON DE LA PUBLICACIÓN VOGUE (ESPAÑA): http://www.vogue.es

FOTÓGRAFO PAOLO ROVERSI: http://www.paoloroversi.com/

PELUQUERÍA LUKE HERSHESON (salón Daniel Hersheson) Y MAQUILLAJE HANNAH MURRAY.

MODELO SASHA PIVOVAROVA.

Paolo Roversi es un fotógrafo nacido en Ravenna en 1947. Su interés por la fotografía surgió cuando era adolescente cuando estaba de vacaciones con una familia en España en 1964. De vuelta a su casa se puso un cuarto oscuro en un sótano como cualquier aficionado y comenzó a desarrollar e imprimir su propio trabajo en blanco y negro. El encuentro con un fotógrafo local llamado Nevio Natali fue muy importante. En el estudio de su colega, Paolo pasó muchas horas realizando un aprendizaje importante, así como una amistad fuerte y duradera.

En 1970 empezó a colaborar con la agencia Associated Press. En su primer encargo A.P. envió a Paolo para cubrir los funerales del poeta Ezra Pound en Venecia. Durante el mismo año abrió con su amigo Giancarlo Gramantieri, su estudio de retrato situado en Via Cavour de Ravenna. Allí fotografió a las celebridades locales y sus familias. En 1971 se conocieron en la misma ciudad, Peter Kanapp, el legendario director de arte de la revista Elle. Por invitación de Kanapp, Paolo visitó  París en noviembre de 1973 y nunca lo ha dejado.

En París, Paolo comenzó a trabajar como reportero de la Agencia Huppert, pero poco a poco, a través de sus amigos comenzó a acercarse a la fotografía de moda. En aquel momento le interesaba el reportaje y no sabía mucho acerca de la fotografía de moda. Más tarde descubrió la obra de Avedon, Penn, Newton, Bourdin y muchos otros.

El fotógrafo británico Lawrence Sackmann en 1974 tomó como asistente a Paolo durante nueve meses. Después inició pequeños trabajos aquí y allá para revistas como Elley Depeche Mode hasta que Marie Claire publicó su primera historia de moda más importantes.

Un “beuty” (fotografía de belleza) de la campaña de Crhistian Dior le llevó un reconocimiento más amplio en 1980, año en que comenzó con el formato de Polaroid de 8 x 10″ (20,4 x 25,4 cm), que se convertiría en su marca registrada. No sólo fue la cámara de gran formato, Paolo siempre ha preferido el trabajo en el estudio. En sus primero años en París, el estudio fue muy a menudo una habitación de su propio apartamento, hasta hasta que encontró en 1981 el estudio ubicado en la calle Paul Fort donde sigue trabajando.

A mediados de los años 80 la industria de la moda tenía muchas ganas de producir catálogos que permitían a los fotógrafos expresar un trabajo creativo y personal. Paolo tuvo esa oportunidad con los diseñadores Comme Des Garçons, Yohji Yamamoto, Romeo Gigli…. Durante sus viajes a la India, Yemen… Paolo hizo muchos retratos, donde se pueden ver algunos de ellos en sus libros Angeli y Al Moukalla (libro de la India que está en preparación). Paolo también ha realizado algunos anuncios. Desde mediados de los 80´s su trabajo ha sido objeto de muchas exposiciones y libros. También numerosos premios han reconocido su trabajo y hoy Paolo tiene una colaboración regular con la moda en revistas y diseñadores.

Ver más información del artículo