La fotografía en colores en analógico.

2013.02.21

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL EN LA ENCICLOPEDIA LAROUSSE.

• Este texto fue escrito antes de que apareciera la fotografía digital en 1980.

Está basada en el hecho que los tres colores primarios, azul, verde y rojo, adicionados en proporciones convenientes, permiten crear sensaciones coloreadas similares a los diferentes colores observados en la naturaleza (método aditivo). Superponiendo en un papel blanco dos de los colores complementarios (amarillo, púrpura y azul-verde), en capas trasparentes más o menos saturadas y en adecuada proporción, se constituyen todas las sensaciones coloreadas. Éste es el método sustractivo. Síntesis aditiva y síntesis sustractiva.

Los trabajo de Clek Maxwel (1861) Y Charles Cros (1869) constituyen la base del procedimiento tricomo (tres colores) de fotografía en colores realizado por L. Ducos du Haron (1869-1880). Un objetivo coloreado, fotografiado sucesivamente a través de tres filtros (azul, verde y después), da tres clichés exactamente superponibles; se tiran respectivamente sobre película o papel fotográfico, y las imágenes en blanco y negro son trasformadas, por tintura (tinta) sobre mordentado (proceso químico para fijar el color), en imágenes de color complementario: la del cliché tomado con filtro azul aparece con color amarillo; la del cliché obtenido con el filtro verde es de color púrpura, y la correspondiente al del filtro rojo aparece en azul-verdoso. Superponiendo las tres películas o tres capas de gelatina separadas del papel, se obtiene una reproducción bastante satisfactoria de las sensaciones coloreadas creadas por el objeto. Este procedimiento se emplea en artes gráficas para el tiraje en colores, a condición de que las tintas sean apropiadas al sistema de impresión por trama. Clek Maxwel, L. Ducos du Haron y Charles Cros.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Richard Leach Maddox. Inventor de la fotomicrografía o del gelatino-bromuro.

2013.01.14

Los grandes avances de la tecnología durante el siglo XIX incluyeron la mejora de la óptica para los microscopios y el desarrollo de los procesos fotográficos. La unión de estas dos tecnologías obtuvieron resultados que fascinaban a nuestros antepasados, y continúan sorprendiéndonos hoy. Algunos victorianos como John Dancer, John Stovin , Alfred Reeves y René Dagron, produjeron fotografías en miniaturas de objetos de gran tamaño, que requieren un microscopio para verlas. Dragon adaptó esta tecnología para desarrollar el microfilm. Otros contemporáneos trabajaron en el desarrollo de métodos para fotografiar pequeños objetos a través del microscopio. Richard Leach Maddox (en la foto izqda.) jugó un papel importante en el desarrollo de la fotomicrografía y sus imágenes fueron muy bien consideradas en su época. Realizaba fotografías de semillas, insectos, pulgas, glóbulos rojos… y se consideraba como un gran logro en la fotografía esa perfección. Imágenes que se mostraban en la Revista de la Sociedad Fotográfica de Londes en 1864, siendo hasta entonces las fotografías de objetos microscópicos un fracaso en general. Maddox será muy conocido por todos los fotógrafos científicos, ya que los últimos 30 años trabajó más que cualquier otro Ver más información del artículo

Candida Höfer. Fotografía de interiores.

2012.11.15

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA “AD ARCUITECTURAL DIGEST”: http://www.revistaad.es/

FOTÓGRAFO JAVIER SALAS: http://www.javiersalas.com/.
ESCRITO POR ITZIAR NARRO.

Ella fotografía bibliotecas, teatros y óperas. Nosotros la fotografiamos a ella en su casa de Colonia. Es el retrato de la mejor fotógrafa de interiores del mundo, la otra dama de hierro.

Le regalaron su primera cámara a los 17 años, pero Candida Höfer (Eberswalde, 1944) estaba acostumbrada al objetivo desde niña. A su madre le gustaba sacar fotos. “Lo hacía mejor que yo”, cuenta. Y eso, viniendo de ella, es mucho decir, porque la Höfer es, probablente, la persona que mejor fotografía las tripas de la arquitectura pública, y la primera en convertir esa obsesión en arte. Ha inmortalizado los interiores más impresionantes del mundo, Ver más información del artículo

Definición de fotografía, enciclopedia Larousse.

2012.10.23

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL EN LA ENCICLOPEDIA LAROUSSE.

Este texto fue escrito antes de que apareciera la fotografía digital en 1980.

Procedimiento que permite obtener, por medio de la luz y de las sustancias químicas, imágenes óbticas permanentes.

ENCICL. El principio de la fotografía está fundado en la transformación o alteración de compuestos inorgánicos u orgánicos por efecto de la luz o de radiaciones (rayos ultravioletas, infrarrojos, rayos X, gamma, etc.) la imagen así obtenida es inestable, por lo que, después de la acción de la luz, resulta indispensable tratar la capa sensible por medio de baños apropiados. Desde hace mucho tiempo es conocida la manera de formar una imagen utilizando el principio de la cámara oscura, construida por una caja en una de cuyas paredes existe un pequeño orificio destinado al paso de la luz. Cardan (1550) tuvo la idea de aumentar la luminosidad de la imagen colocando una lente delante de dicho orificio, convenientemente agrandado. Por otra parte, los alquimistas sabían que la luz transformaba el aspecto de la palta córnea (cloruro de plata fundido); pero ningún manuscrito menciona que se hubiera llevado a asociar o relacionar los dos fenómenos que constituyen la fotografía. En 1727, J.H. Schulze demostró que un papel impregnado en nitrato de plata y cal da una imagen cuando es expuesto al sol bajo un dibujo; demostraciones análogas fueron enunciadas por el físico francés Charles (1780), que utilizó estas observaciones para obtener siluetas-retratos. Fue Nicéphore Niepce el primero que logró, 1827, fotografiar objetos corporales en la cámara oscura. Utilizó para ello betún de Judea como capa sensible, y eran necesarios tiempos de exposición de hasta ocho horas para impresionar de un paisaje. Nuevas investigaciones llevadas acabo en colaboración con Daguerre dieron por resultado la invención con Daguerrotipo (1838). En Gran Bretraña, Talbot (1839) consiguió fabricar papeles sensibles impresionándolos en sal marina y nitrato de plata. Aparecieron más adelante las placas de cristal (Abel Niepce de Saint-Victor, 1841), recubiertas de una capa de albúmina que contenía sales de plata, y que daban un cliché trasparente. Nuevas investigaciones dieron lugar a la sustitución de la albúmina por el colodión (Legray, 1850). El empleo de la gelatina, propuesto por Guadin (1861), permitió a Madox, en 1871, preparar las primeras emulsiones al gelatinobromuro de palta (placas secas).

 Punto de vista desde la ventana de Gras (1826), por Joseph Nicéphore Niépce.


Las investigaciones proseguidas a partir de entonces han dado como resultado las fabricaciones actuales, susceptibles todavía de perfeccionarse. Aumentar la sensibilidad general y cromática, la figura del grano y la amplitud de exposición constituyen las principales preocupaciones de los especialistas.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

La fotografía y la ciencia.

2012.10.13

TEXTO LITERAL DEL LIBRO “FOTOGRAFÍA PASO A PASO”.

AUTOR POR MICHAEL LANGFORDEDICIONES HERMANN BLUME.

Este texto está escrito cuando la fotografía era analógica, porque aparece la palabra “película”. Pero no es relevante para el resto de la información porque que es aplicable hoy en día.

La cámara es uno de los más valiosos instrumentos científicos. Capaz de registrar los más fugaces acontecimientos mediante exposiciones de microsegundos, o de dar continuidad a movimientos lentísimos que se desarrollan a lo largo de días o meses. La cámara nos permite “ver” acontecimientos demasiado rápidos como para impresionar a la retina. O demasiado lentos como para captar su continuidad. Podemos registrar el detalle del ala de un insecto durante el vuelo, o acelerar el crecimiento de una flor; “detener” una bala o analizar noche tras noche los movimientos que hace una persona mientras duerme.

La cámara puede acoplarse a multitud de instrumentos ópticos. Los astrónomos pueden así estudiar galaxias situadas a miles de años luz de nosotros. La fotografía aporta información  nueva sobre el universo, y permite levantar mapas de la superficie de planetas desconocidos. Los geógrafos y meteorólogos también se benefician de las fotografías tomadas desde satélites que orbitan en torno a la Tierra para perfeccionar los mapas de que disponen y hacer predicciones del tiempo más exactas. La fotografía aérea pone de manifiesto aspectos del paisaje o de la vegetación imposibles de apreciar desde tierra.

Fotografía de la galaxia NGC 4565 realizada por Observatorio Europeo Austral (ESO).

Ver más información del artículo

Eugène Atget. El viejo París.

2012.06.21

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO DIGITAL: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR EMILIA VALENCIA.

Al parecer Eugenène Atget no se formó como fotógrafo, sino que utilizó la fotografía como un modo de ganarse la vida. Pasó a ser fotógrafo en 1888 de forma un poco casual, del mismo modo que fue actor, redactor y dibujante de una revista satírica. Se inicia en el mundo de la fotografía como fotógrafo comercial a las afueras de París, y posteriormente se instala en esta ciudad. Su carrera fotográfica se vio interrumpida por la Primera Guerra Mundial y posteriormente por la Segunda Guerra Mundial. Tras el paréntesis que le produjo el estallido de estas dos guerras, no abandonó el trabajo de fotógrafo hasta su muerte en 1927. Al término de la Segunda Guerra Mundial, fue en EEUU donde se le reconoció como un gran maestro de la fotografía. Él mismo se definía como un fotógrafo que vende documentos para artistas. Paisajes, primeros planos, y escenas de género son algunos de los temas que utilizaron ciertos artistas para la realización de sus obras. Hacía 1888 Atget toma como punto de referencia para componer sus fotografías las calles de París, un hecho que interesa especialmente al Museo Carnavalet y la Bibliothéque Nationale de París, los cuales fueron desde entonces sus principales clientes. Desde el punto de vista estético y documentalista, estas fotografías realizadas en París son las más representativas del autor francés. Estas imágenes del viejo París fueron tomadas en las zonas que no se vieron afectadas por el proyecto de renovación, modernización y demolición arquitectónica acometido por el Barón Haussmann.

Ver más información del artículo

El enigma de Verónica Lake.

2012.05.23

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps

Todas las mujeres tienen secretos, decía una de sus más célebres películas. Pero los suyos marcaron una época y, seis décadas después, la convierten en el mayor icono de la temporada.

POR INÉS MUÑOZ MARTÍNEZ-MORA. FOTOGRAFÍA DE  EUGENE ROBERT RICHEE.

La dualidad femenina llevada al extremo, así era Veronica Lake, buque insignia de la Paramount durante los años cuarenta, época dorada del glamour en blanco y negro. Amenazante pero fascinante, sexy pero elegante, gélida pero carnal y de una belleza clásica pero intrigante… Lilith y Eva. Encarnó a la femme fatale dentro de la pantalla. Fuera, la fatalidad la marcó a ella. Acabó sus días alcoholizada, arruinada y olvidada. Murió a los 53 años y nadie quiso hacerse cargo de sus cenizas. Hasta este año, porque las últimas tendencias en belleza reclaman su ultrafeminidad encumbrada por el cine y de las cenizas de la diva han hecho resurgir con fuerza su tez pálida, sus cejas arqueadas, sus ojos ahumados, la jugosidad de su rouge labial y, sobre todo, su mítico peinado de ondas al agua -peek-a-boo-bang-, que no hacía sino acentuar tanta ambigüedad. Un arreglo capilar que causó furor entre sus algo más terrenales contemporáneas, entonces en fábricas por falta de mano de obra masculina. Muchas de esas ondas quedaron enganchadas en los engranajes de la maquinaria pesada y la emulación se elevó a problema de alcance nacional. El gobierno estadounidense acabó pidiéndole de manera oficial a la actriz que cambiará de peinado.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

El alcance de la fotografía. Introducción.

2012.04.28

TEXTO LITERAL DEL LIBRO “FOTOGRAFÍA PASO A PASO”.

AUTOR POR MICHAEL LANGFORD, EDICIONES HERMANN BLUME.

El 19 de agosto de 1939 se anunció en París que Lois Daguerre había descubierto un procedimiento de “fijar la imagen de la cámara oscura por la acción de la propia luz”. Había desarrollado un material fotosensible adecuado capaz de registrar una imagen directa. Aunque el proceso bastante primario y exigía la exposición de una “película” a la luz durante media a una hora, causó un tremendo impacto. Se disponía ya de un medio de reproducir paisajes, retratos y otros temas sin necesidad de pinceles ni de habilidad.

Fotografía de Daguerre titulada Boulevard du Temple.

Aún habían de pasar cuarenta años hasta que las fotografías hicieran acto de presencia en las páginas de los libros y periódicos, lo que ocurrió mucho antes de que el cine y la televisión hicieran de la imagen algo cotidiano. Estamos actualmente tan acostumbrados a la presencia de la fotografía que difícilmente podemos apreciar hasta qué extremo ha ampliado y transformado nuestra visión del mundo. Sin la fotografía, nuestro conocimiento del mismo seguiría limitado al paisaje situado ante nuestra vista.

La fotografía es una herramienta científica y documental de primera importancia, y un medio creativo por derecho propio.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Fotógrafos de desnudos: Algunos ejemplos.

2012.04.08

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 13 “EL RETRATO Y LA FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Desde 1847 el desnudo también ha sido objetivo de la representación fotográfica. Los primeros fotógrafos de desnudo fueron Philippe Debussy, Eugène Delacroix (el pintor usaba estas fotografías como estudio para sus cuadros), Eugène Durieu y Bruno Braquehais. Los mismos Alfred Stieglitz y Edward Weston se aplicaron en la fotografía de desnudo, llevándola claramente a altísimos niveles de perfección técnica.

VON GLOEDEN: (1856-19319 Wilhelm von Gloeden fue uno de los primeros fotógrafos de desnudo que se interesó por la representación de la desnudez masculina.

Retrato de Patti Smith realizado por Robert Mapplethorpe.

ROBERT MALPPLETHORE: Es uno de los fotógrafos más conocidos en lo que respecta la fotografía de desnudo. Su visión del cuerpo desnudo tiene un tono provocador y explícito. Sus imágenes están realizadas principalmente es estudio, con luces que tieden a esculpir los cuerpos y subrayar el aspecto material y físico del desnudo. Realizó retratos de personajes que sucesivamente se volvieron famosos (como Andy Warhol, Deborah Harry, Patti Smith), homosexuales en actitudes sadomaso. Malpplethore representa la cultura homosexual de Nueva York, realiza numerosos estudios de desnudo de género homoerótico ty una serie de imágenes que retratan la desnudez andrógina de la fisicoculturista Lisa Lyon. De este modo Mapplethorpe rompe con la tradición que veía al desnudo como representación idealizada del cuerpo humano en línea con la tradición clásica. La intención de sus fotos fue la de liberar la estética de una serie de tabúes que obstaculizaban el camino de la fotografía.

BETTINA RHEIMS: Es famosa por sus desnudos ambientados en su trabajo Chambre Close logró un éxito mundial.

HELMUT NEWTON: Un de los fotógrafos más conocidos cuando se habla de la fotografía de desnudo es Helmut Newton. Sus imágenes se caracterizan por su estilo menos provocador y más tendente a una estética endulzada y elegante. Apoyado por una gran habilidad técnica realiza desnudos perfectos y casi idealizados, donde se encuentran componentes ligeramente fetichistas, invadidos de un erotismo difuso y nunca agresivo. Su notoriedad llega con la serie Big Nudes de 1980.

Ver más información del artículo

El pictorialismo.

2012.02.19

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “HAGA, RETOQUE  Y COMPARTA EN INTERNET SUS FOTOS Y VÍDEOS” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Las primeras fotografías de paisaje se limitaban a retratar vistas de las ciudades o lugares cercanos al estudio debido al peso de los aparatos. La técnica del colodión humedo le imponía al fotógrafo tener que llevar consigo la cámara oscura completa, y aunque también había valientes que se movían con carros equipados (durante la guerra de Secesión americana los fotógrafos se adentraban hasta el campo de batalla), la mayoría trabajaban en estudio.

El fotógrafo Inglés Henrry Peach Robinson. 183-19001. Su obra teórica “Efecto Pictorial en Fotografía” supone un referente básico de pictorialismo fotográfico.

El romanticismo ayudó a la fotografía de paisaje a imponerse como género autónomo. Aunque hay que decir que los fotógrafos padecían de un cierto complejo de inferioridad frente a los pintores, por lo que a finales del siglo XIX se comenzó a desarrollar el pictorialismo, un movimiento nacido para elevar la dignidad del lenguaje fotográfico a la altura de las artes consideradas más nobles. El objetivo de los pictorialistas era el de crear fotografías en las que la complejidad de la elaboración fuese comparable a la exigida por la pintura. Nacieron así técnicas que hacían la fotografía similar a la pintura: la goma bicromada o el bromóleo, la utilización de objetivos de enfoque suave o la impresión combinada de varios negativos en un único positivo.

Por estos motivos el proceso preferido por la mayoría de los primeros pictorialistas fue el de la calotipia, en el que la superficie irregular del soporte del papel volvía los detalles confusos.

Ver más información del artículo