Equipo para capturar bodegones profesionales.

2012.12.11

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

Le preguntamos al fotógrafo Ian Nolan qué equipo es necesario para capturar bodegones profesionales.

FOTÓGRAFO IAN NOLAN: http://www.iannolan.com/

No hace falta invertir en una mesa grande para naturalezas muertas, se puede trabajar con una caja de embalajes de madera y un tablero de fibra de densidad media pintado, por ejemplo.
Yo prefiero que sea un suelo y una pared bien direccionados, en lugar de un fondo Colorama curvo, porque a veces eso provoca que los objetos parezcan suspendidos en medio de la nada. Mi consejo es pintar una pared y un tablero de densidad media, luego tiene que colocar el tablero sobre la caja y acercarlo a la pared de manera que se vea una sombra ligera entre ambas cosas. Yo utilizo un foco suave fijo Super Fish Fryer de la marca Strobe, pero puede usar un cabezal de flash  y una caja de luz, o un papel vegetal o un plancha de Plexiglas grande.
En los bodegones suele ser importante ir rellenando las sombras con cartulinas plateadas o que reflejen un poco, mezclar ambas cosas para generar ciertos efectos en los objetos reflectantes. Para esto sólo hace falta Blu-Tack, pero si quiere controlarlo todo mejor puede usar un brazo como el Graf Strato, que es lo que utilizo yo.

 

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¿Cuantas luces se necesitan?

2012.12.06

TEXTO DEL LIBRO “TÉCNICAS DE ILUMINACIÓN GLAMOUR”. ESCRITO POR STEVE BAVISTER. EDITORIAL “EDICIONES OMEGA”.

Algunos fotógrafos parecen mantener la idea de que cuantas más luces, mejor, y usan todos los focos de que disponen en todas y cada una de sus fotos. Pero hay mucho que decir en favor de la simplicidad (al fin y acabo no hay más que un sol), y algunas de las mejores tomas se han realizado con sólo una luz perfectamente situada. El uso de diferentes accesorios también puede modificar la calidad y el resultado según nuestras necesidades. Antes de pasar a composiciones más complicadas vale la pena aprender a aprovechar al máximo un solo punto de luz, experimentando con iluminaciones laterales y a contraluz, además de las ya conocidas frontal y en ángulo de 45%. Si se quiere suavizar la luz y dar la impresión de que trabaja con una segunda fuente de menor potencia, lo único que se necesita es un reflector blanco.

 Fotografía de Paula Juan Altemir a mi Deni.

Por supuesto, una segunda fuente de luz aumenta las posibilidades, y además de usarla para rellenar sombras se puede situar junto a la luz principal, sobre el sujeto, o de cualquier manera que nos convenga.

Disponer de dos luces también nos permite controlar la producción de potencia entre ambas, reduciendo o aumentando su potencia para controlar el contraste en la fotografía. Lo ideal para muchos sujetos es una producción 1:4 (una de las fuentes con 1/4 de la potencia de la otra), pero no existen reglas fijas y la experimentación acostumbra o ofrecer resultados sorprendentes y originales.

En la practica, muchos fotógrafos necesitan por lo menos tres o cuatro puntos de luz y, excepto para composiciones avanzadas o situaciones en que se precise una gran potencia, deberían bastar.

En cualquier caso hay que recordar que es muy fácil sobreiluminar un sujeto, proyectando sombras en todas direcciones. Antes de añadir otra luz, pregúntese exactamente qué va a aportar a la imagen; si no aporta nada, no la use.

 

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TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte III.

2012.11.19

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR FERNANDO DE MADARIAGA.

 Este artículo está escrito hace muchos años, por eso se habla desde un punto de vista analógico nombrando la película y revelado. Lo que se explica en esta entrada o post es perfectamente aplicable en la fotografía digital.

Antes puedes leer los artículos relacionados “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte I” y  TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte II”.

Dos Sistemas

La pura aplicación del sistema de zonas no puede plantearse la resolución del contraste lumínico de una escena puesto que no es ese el parámetro que tiene en cuenta. El numero de valores de luz reflejada de un motivo no permite averiguar por sí solo la diferencia entre la iluminación máxima y mínima; para ello hay que medir el mismo valor bajo la luz más alta y a la sombra. Ahora bien, ¿es posible interpretar un sujeto fotográfico con el único dato del contrate lumínico? Hay que reconocer que bajo todas estas reflexiones se esconde una pequeña clase de fotometría.
  Fotografía “Trastero 01” de Paula Juan Altemir.
Efectivamente, la escuela que evalúa el contraste de los motivos mediante la medición de la luz reflejada se inspira en el sistema de zonas, mientras que los fotógrafos que trabajan con la medición de la cantidad de iluminación se guían por lo que se llama sistema incidente. Los fotómetros de luz procedentes de los objetos; todo cuerpo absorbe y refleja luz, resultado más claro u oscuro en función de ello. Los aparatos de iluminación incidente determinan la cantidad total de intensidad luminosa sin ser influidos por las características de reflectancia de los objetos.
A grandes rasgos los fotógrafo de exteriores o de blanco y negro se guían por un sistema de luz reflejada, las zonas, porque entienden la iluminación como algo que conviene modificar lo menos posible: en este caso la gama tonal es algo que se construye. Mientras que los fotógrafos de estudio controlar la iluminación utilizando la fotometría incidente, ya que explica mejor la relación entre las intensidades luminosas: en este caso la gama tonal se adapta a unas condiciones de contraste e iluminación.
Cuando tiene experiencia puede solucionarse cualquier situación de contraste de una escena, siguiendo sólo una de estas estrategias con exclusión de la obra. Sin embargo, es más conveniente no caer en la tentación de convertirse en un ortodoxo de uno de los dos sistemas: lo mejor es interpretar la gama tonal con el conocimiento previo del contraste lumínico y no cometer el error de abrazar la causa contraria: evaluar una escena según su contraste lumínico es inútil cuando el sujeto no cuenta con un buen número de tonos distintos.

 

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Introducción del “EL RETRATO, consigue retratos más creativos y naturales”.

2012.11.07

EXTRAÍDO EL TEXTO DEL LIBRO “EL RETRATO, CONSIGUE RETRATOS MÁS CREATIVOS Y NATURALES”.

ESCRITO POR ALFONSO TRULLS MOLINA.

Hace años que la antigua afirmación de que la fotografía nunca miente ha demostrado su inconsistencia, su evidente falsedad. Hoy día, las técnicas digitales permiten alterar un original fotográfico de tal forma que sería muy difícil detectar el engaño. Sin embargo, cuando se habla de la fotografía de retrato, nos referimos a un arte que no debe engañar.

La cualidad distintiva del retrato fotográfico, se basa principalmente en que debe mostrar —o por lo menos deja intuir—el carácter del retratado. Por lo tanto y en este caso, la fotografía no debería mentir. De hecho, los grandes retratistas han abordado su trabajo con la sensibilidad del fotógrafo, tratando siempre de conseguir que en el original fotográfico quede plasmada algo de la intima personalidad del sujeto, y al mismo tiempo, que dicha imagen sirva de elemento comunicativo, de tarjeta de presentación de esa personalidad.

Para captar un buen retrato no debe haber ninguna sofisticación por parte del fotógrafo, ni mucho menos por parte del fotografiado y tampoco por el lado correspondiente a la cámara. El éxito de una buena fotografía de retrato se puede resumir en una palabra: simplicidad. En los retratos la excelencia del resultado final se basa exclusivamente en saber captar la expresión correcta en el momento adecuado; repito: sin sofisticaciones.

 Fotografía de Paula Juan Altemir.

Es cierto que con las herramientas digitales que los fabricantes y el mercado ponen a nuestra disposición al día de hoy, se puede fabricar, literalmente hablando, un retrato individual o de grupo sin necesidad apenas de molestar con nuestra cámara a los personajes reales. Cómo retratar con sensibilidad y acierto. De la técnica sencilla por otro lado, para conseguirlo. De esos pequeños trucos o claves para conseguir buenos originales fotográficos con medios sencillos, económicos e incluso caseros.

También nos acercamos a las técnicas digitales para descubrir la forma de subsanar nuestros pequeños errores o sencillamente, de cómo mejorar al respecto de nuestras fotografías.

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Dibujar con la luz.

2012.10.11

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 1 “APRENDER A OBSERVAR” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Fotografiar significa escribir con la luz. El término deriva del griego fotos: luz y grafía: escritura. Ya partiendo de la etimología de la palabra, se destaca el significado intrínseco de la fotografía: se trata de un trazo dejado por la luz sobre un soporte sensible, del mismo modo que la escritura es la marca de tinta sobre un hoja que comunica las sensaciones y los pensamientos del autor.

Quien fotografía o quien filma con una videocámara, que desde este punto de vista es muy parecido, se sirve necesariamente de las características de la luz para poder expresarse. Tiene entonces mucha importancia conocer cuáles son las peculiaridades y los elementos fundamentales que se encuentra en la base de este mecanismo, cómo funciona y cuál es su papel en el proceso que va desde el disparo hasta la impresión de la imagen.

Fotografía llamada “Social Animal 10″ de Paula Juan Altemir.

 

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¿Que significa “Gris medio”?

2012.10.08

EXTRAÍDO EL TEXTO LITERAL DEL LIBRO “LA MEDICIÓN CON FOTÓMETRO DE MANO”

ESCRITO POR MARTIN S. SILVERMAN, JIM ZUCKERMAN BOB SNELL.

En este texto de 2001, se habla desde el punto de vista de lo analógico porque se citan las palabras, diapositiva y negativo. Pero no son relevantes para entender la que es el “GRIS MEDIO”, que también se aplica en la fotografía digital.

A medio camino entre el blanco y el negro existe un valor tonal denominado gris medio. A veces llamado gris medio o tono medio y en el Sistema de Zona desarrollado por Ansel Adams, también denominado zona V. Este particular tono es muy importante porque los fotómetros se basan en el.

Por gris medio nos referimos al valor tonal a medio camino entre el banco y el negro. Está representado por la sombra específica del gris en una tarjeta gris Kodak. Sin embargo, en fotografía en color, este tono medio puede ser cualquier color del espectro siempre que refleje la misma cantidad de luz que una tarjeta gris medio Kodak.

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Steve Mayes sobre la fotografía de arquitectura.

2012.09.12

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

CONSEJOS PROFESIONALES

Steve Mayes: http://www.stevemayesphotography.co.uk/

La pasión del fotógrafo profesional Steve Mayes es la fotografía arquitectónica. Tiene clientes prestigiosos que le han encargado mostrar sus edificios en toda su gloria, y el entusiasmo de Steve por este tema se nota en sus imágenes. Su porfolio impresionante prueba que estas estructuras creadas por el hombre pueden ser tan bonitas como un paisaje natural. Steve ha publicado muchos libros, incluyendo: Newcastle Gateshead in black and white (2004) y Curved Space (2008), y está trabajando en más proyectos.

1 TRABAJO CON LA LUZ. Trabaje al salir el sol, al anochecer o al final de la tarde si es posible.
2 EL EQUIPO APROPIADO PARA EL TRABAJO. Compre y entienda cómo funciona los objetivos descentrables.
3 CAMBIE DE ESTILO. Cambie imágenes con angulares y detalladas. Vale la pena recordar que ‘menos es más’.
4 OLVÍDESE DE USAR AJUSTES AUTOMÁTICOS. Olvide los ajustes automáticos: para capturar el cielo de noche hay que usar todos los modos manuales de la cámara. Aprenda a utilizarlos, así se convertirá en un fotógrafo mejor.
5 DISFRUTE. ¡No deje que se convierta sólo en un trabajo!

Las imágenes de alto rango dinámico, como esta, son magníficas para añadir un toque surrealista a sus fotografías urbanas. Realizada por Steve Mayes en Manchester.

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TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte II.

2012.09.08

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR FERNANDO DE MADARIAGA.

Este artículo está escrito hace muchos años, por eso se habla desde un punto de vista analógico nombrando la película y revelado. Lo que se explica en esta entrada o post es perfectamente aplicable en la fotografía digital.

Antes puedes leer el artículos relacionados “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte I” y “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte III”.

Dos contrastes

Hay dos clases distintas de contrastes en fotografía en blanco y negro. Uno esta ligado a la luz y otro al tono. El primero es conocido como contraste lumínico, el segundo como contraste local. El contraste lumínico es un viejo conocido de los fotógrafos de estudio, consiste en la diferencia en puntos de diafragma entre la luz principal y la de relleno o cuando existe una fuente de iluminación única, en esa misma diferencia entre las partes iluminadas y las que se encuentran en sombra, lo normal en exteriores. El contraste local se define como el número de valores tonales o de grises distintos y claramente separados en una copia blanco y negro. Lógicamente no hay ningún problema en denominar a cada valor o gris, zona. Así que a más zonas, mayor contraste local y a menos zonas, contraste local más bajo.
  Fotografía “Maniquí 01” de Paula Juan Altemir.
Sin embargo, un contraste local alto no significa que también sea elevado el contraste lumínico: una escena puede tener muchos tonos y su iluminación ser suave, difusa y sin apenas diferncia en el contraste entre luces; o también, poseer muy pocos tonos y una iluminación excepcionalmente dura con una fuerte diferencia entre la luz y la sombra.
Contraste local y lumínico son entidades independientes; cuando se determina el contraste de la escena contando los brillos o niveles de la luz reflejada del sujeto, aunque normalmente se acierta, se están mezclando y uniendo dos elementos distintos: la gama tonal y la diferencia en el nivel de la iluminación. Esta distinción va más allá de su importancia teórica porque el contraste lumínico alto tiene un claro efecto sobre la gama tonal al llevar a las películas a su límite de reproducción; a partir de 2 puntos de contraste lumínico, la escala de grises empieza empieza a notar los efectos de las medidas correctoras necesarias (más exposición y menos relevado) para una gama de valores de brillo tan amplia quepa en una escala de 7 pasos entre el blanco y negro, al meter más valores de luz reflejada en el mismo “espacio” de reproducción el nivel de separación entre tonos adyacentes se hace más estrecho, más pobre y deprimido. Lo que se interpreta son distintas gamas tonales con independencia de la separación que haya entre la luces y sombras.

 
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La moda rara del fotógrafo Benjamin Lennox.

2012.09.04

He encontrado por casualidad en un “ME GUSTA” de facebook a Benjamin Lennox. Es tan bueno que no le hace falta ni tener su web en condiciones. Me imagino que cuando lo llaman la grandes marcas e importantes publicaciones lo tienen de los primeros en su lista de contactos. ¿Que destacar de este fotógrafo? El dominio de la luz. ¡Claro! que siendo de la profesión es evidente. Utiliza luces duras que provocan grandes contrastes colocándolas desde cualquier punto. Todo vale y no parece importarle que el modelo salga poco favorecido. También juega mucho con el movimiento combinándolo con el flash y de esta forma provoca espectros hasta tal punto que algunas imágenes no se ve ni la prenda. Pero… ¿a quién le importa? ni a las marcas de esas prendas parece importarles porque es una fotografía realizada por Benjamin Lennox.

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Temperatura de color.

2012.08.30

¿Que color sale en tus fotografías con un fluorescente o de una bombilla común de casa?

Originalmente, era un término empleado para describir la “blancura” de la luz en las lámparas incandescentes. La temperatura de color está directamente relacionado con la temperatura física del filamento dentro de las lámparas incandescentes, por eso se utiliza la escala de temperatura de Kelvin (absoluta) para describir la temperatura de color. En el caso de las lámparas de descarga, donde no hay filamentos involucrados, se utiliza el término “temperatura de color correlacionada” para indicar que la luz aparece “como si” la lámpara de descarga estuviera operando con una temperatura de color determinada. Más recientemente, se han estado utilizando el término “cromaticidad” en lugar de la temperatura de color. La cromaticidad se expresa tanto en grados Kelvin (°K) como en coordenadas “x” y “y” en el diagrama de cromaticidad Estándar CIE. Aunque tal vez no parezca sensible, la temperatura de color más alta (°K) describe una fuente de color visualmente más fría y más azul. Las temperaturas de color comunes son 2800 °K (incandescentes), 3000 °K (halógenas), 4100 °K (blanco frío o fluorescentes SPX41), y 5000 °K (colores fluorescentes simuladores de la luz del día, como el Chroma 50, SP50 y SPX50).

Imagen extraída del blog de Gelmert Finol.

Faltaba en la tabla anterior las lámparas fluorescentes. Quiero recordar que son valores aproximados.

Tabla extraída de la web de Carlos Laszlo.

 

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