El fotómetro. Prefacio.

2012.03.24

EXTRAÍDO EL TEXTO LITERAL DEL LIBRO “LA MEDICIÓN CON FOTÓMETRO DE MANO”

ESCRITO POR MARTIN S. SILVERMAN, JIM ZUCKERMAN Y BOB SNELL.

¿Utilizar un fotómetro de mano cuando se usa una cámara automática resulta casi como si llevamos cinturón y tirantes a la vez? En teoría la repuesta debería de ser que sí. En la práctica la respuesta debería ser que no.
Si alguna vez ha tomado una fotografía a contraluz y se ha encontrado con que sólo aparecía la silueta del sujeto, ha dado con una de las limitaciones de los fotómetros automáticos. En el otro extremo de la escala de brillo, si alguna vez ha intentado fotografiar a un artista bajo los focos y este ha aparecido convertido en un pálido fantasma, ha topado con otra de las limitaciones de un fotómetro automático.


No culpe a la cámara si su sistema de medición de estos problemas. Sencillamente, no ha sido diseñada para trabajar con contrastes extremos o iluminación intensamente direccional. Solamente un fotómetro de mano externo puede valorar con precisión situaciones excepcionales. Un fotómetro externo le permite leer áreas escogidas de su fotografía para ayudarle a determinar la correcta exposición para su tema, sea cual sea el contraste de la escena o el tipo de iluminación. Este es uno de los motivos por los que los profesionales, que no pueden permitirse errores confían en los fotómetros. Por eso sigue existiendo un buen mercado para los fotómetros aunque la medición de la exposición se haya automatizado y las cámaras dispongan de sistemas de medición de la exposición.
(Reproducido con autorización de Popular Photography Buying Guía ´98/´99, titulado: “Whewn Your Camera Cant’t Compute.”)

 

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Teoría de la luz.

2012.03.19

TEXTO LITERAL DEL LIBRO “TÉCNICAS DE ILUMINACIÓN PROFESIONAL”.

AUTOR JOST J. MARCHESI, EDITORIAL VERLAG PHOTOGRAPHIE.

Este artículo es de la época de lo analógico, en el año 1996. Lo digo porque nombra, la película, como material sensible. Actualmente esto sería aplicable al sensor de la cámara.

Para dar origen una imagen fotográfica, sea ésta de objeto o un proceso, son necesarios cuatro elementos fundamentales: la caja de la cámara, el sistema óptico, el material sensibilizado (ahora sería el sensor), la luz o la iluminación. Estos cuatro elementos influyen de diferentes modos sobre la manifestación de la imagen. Trataremos de analizar estos elementos según su influencia.

La caja de la cámara: Como dispositivo mecánico, la caja de la cámara  tiene la función de proteger la película (ahora sensor) de la incidencia de la luz indeseable. Prescindiendo de la capacidad de graduación de la cámara técnica, las cajas de las cámaras se distinguen exclusivamente por el formato de la fotografía y la comodidad de sus manejo en sus funciones elementales. Por este motivo, la caja de la cámara ejerce una influencia limitada sobre la manifestación de la imagen.

El sistema óptico: El objetivo proyecta la luz incidente sobre la película (hoy es el sensor). El objetivo determina la imagen de la realidad, sólo en su calidad. No obstante, sin considerar la regulación de la nitidez, el objetivo no tiene ninguna influencia sobre la configuración real de la imagen. Como se sabe, las diferentes distancias focales no transforman la perspectiva, sino sólo el encuadre. El objetivo no ejerce ninguna influencia fundamental sobre la manifestación de la imagen. Ver más información del artículo

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Aprender a mirar.

2012.03.12

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “HAGA, RETOQUE  Y COMPARTA EN INTERNET SUS FOTOS Y VÍDEOS” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

IMAGINAR LA IMPRESIÓN FINAL. Previsualizar significa “ver con los ojos de la mente” aquella que será la impresión final. Se trata en otras palabras de realizar un proyecto independientemente de aquellas que son las características circunstanciales del sujeto: lo que cuenta es tener el resultado final. Esta planificación será el  objetivo del trabajo fotográfico que implica no sólo la toma, sino también el revelado, la impresión y, cuando se trabaja con digital, la postproducción.

↑ Fotografía “Espacio 6” de Paula Juan Altemir.

PREVISUALIZACIÓN Y CONOCIMIENTO DEL MEDIO. El problema para los principiantes (aunque para algunos aficionados más “curtidos”) no reside en imaginarse el resultado final, sino en obtenerlo. A menudo observando sus propias fotos, el fotógrafo aficionado las encuentra banales, insignificantes y seguramente muy distintas de como se las esperaba, pero es precisamente en este punto donde entra en juego el conocimiento del medio, la experiencia y las capacidades adquiridas. Es a través de estos elementos que el fotógrafo experto consigue obtener exactamente la imagen que había previsualizado. El conocimiento en profundidad de los procedimientos que llevan a la formación de la imagen no es un ejercicio farragaso de tecnicismo puro, sino la herramienta esencial a través de la cual el fotógrafo doblega la luz a favor de sus exigencias propias.

Pensemos en el ejemplo del pintor, que conociendo las características y las prestaciones de cada uno de los pinceles y usándolos con la debida habilidad consigue obtener exactamente ese matiz, ese efecto de luz, ese movimiento que había imaginado en su mente aún antes de tratar a carboncillo el esbozo de la obra. De la misma manera sólo el fotógrafo que conoce a fondo las herramientas de trabajo propias y las sabe usar hasta los límites de sus posibilidades técnicas consigue transmitir al espectador la imagen que había previsualizado.

 

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Técnica y acercamiento. Neil Snape.

2012.01.31

ENTREVISTA REALIZADA POR REVISTA DIGITALFOTO.

FOTÓGRAFO NEIL SNAPE: http://www.neilsnape.com/

DF: Usted captura tanto imágenes de belleza como naturalezas muertas y productos, ¿en que se diferencia  su acercamiento a la iluminación en cada caso? NS: En belleza, la iluminación tiene que mantener unas sombras definidas, mientras que en las naturalezas muertas hay que trabajar más con los reflejos y las superficies de las texturas desiguales.

DF: ¿Cuales son sus principales preocupaciones al captura una imagen de belleza? NS: La solución más fácil es colocar una luz amplia en relación al modelo, pero eso es también lo menos interesante porque de ese tipo de iluminación no surge nada mágico. Yo intento siempre intento usar primero fuentes circulares, incluso ortogonales. Después de colocar la fuente circular principal pueden añadir luces desnudas. Para mantener la sombras espectaculares se coloca un disco embellecedor lo suficientemente alto como para ajustar las sombras, pero siempre al borde de los ojos.

DF: ¿En qué se diferencia esta iluminación de la de sus naturalezas muerta y productos? NS: Las naturalezas muertas suelen centrarse en los reflejos de las luces, así que hay que pensar mucho en el modificador. Para conseguir colores puros hay que usar un foco duro, pero que no cambie la apariencia de la sombras, ni de los reflejos.

DF: ¿Que consejos le daría a alguien que quiera mejorar sus fotografías? NS: ¡Saque siempre la tapa del objetivo para capturar! Es broma. Para iluminar imágenes de belleza en el estudio, empiece con un foco bastante grande, y juegue con una iluminación corta con el clásico claro sobre oscuro y oscuro sobre claro. Eso es lo que debía hacer al empezar, la mayoría de las fotografías sencillas pero impactantes son las capturadas con esa técnica de iluminación simple y transparente.

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Harold Davis. Iluminación creativa.

2012.01.23

Aprenda a sacarle el máximo provecho a la luz natural.

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: Iluminación creativa, de la editorial Anaya Multimedia en castellano.

AUTOR: Harold Davis

El fotógrafo manipula o crea, hasta cierto punto, la luz de una escena. Por lo tanto, una de sus habilidades más importantes pasa por interpretar la luz de un modo preciso y creativo. Si no estimula y entrena esta cualidad no llegará a dominar la técnica de la iluminación. En fotografía es importante, tanto la exposición como la iluminación. Su rango de participación oscila entre ninguna o completa.

Este libro analiza el impacto de la iluminación, tanto si utiliza luz natural para fotografiar un paisaje, como si emplea unidades de flash y cajas de luz en el estudio. En cada fotografía del libro se detalla la longitud focal de la lente utilizada, la temperatura, la velocidad de obturación, el ISO y la historia que hay detrás de la imagen. Con este libro aprenderá a utilizar los parámetros de la exposición que tienen mayor impacto en la iluminación y los métodos más acertados para aprovechar la luz del ambiente. Conocerá cómo planificar sus sesiones fotográficas según el tipo de día y estación del año. Descubrirá cuáles son las mejores técnicas para captar la luz de objetos en movimientos.

Harold Davis es un reconocido fotógrafo profesional, autor de más de 30 libros de fotografía y con varios premios a sus espaldas, así como autor del blog www.photoblog2.com.

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Las piezas clave que debe escoger cuando salga por ahí.

2011.10.25

PARTE DE UN TEXTO DE LA REVISTA DIGITALFOTO PORQUE EVITO LA MARCAR QUE TE RECOMIENDAN CON CADA OBJETO.

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Monoblocks: Flashes de estudio integrados que se suelen usar conectados a la red eléctrica.

Cabezales: Estos cabezales son mucho más pequeños y potentes. Son distintos porque no tienen la alimentación integrada, como los monoblocks, y están diseñados para conectarse a un alimentador más potente.

Battery Pak/Turbo Pak: Fuentes de electricidad portátiles para monoblocks de estudio.

Generadores de batería portátiles: Normalmente ofrecen más potencia y se usan con cabezales de flash alimentados por generadores de estudio.

Baterías de ampliación: Baterías adicionales que se pueden conectar a alimentadores portátiles o a un generador para aumentar su duración.

Paraguas reflectante: Barato y muy portátil e ilumina un área amplia. Los paraguas son perfectos para conseguir una cobertura ligera y están disponibles en colores reflectantes. Se colocan y se guardan increíblemente rápido, pero ¡debe tener cuidado si hace viento!

Cajas de luz: Rentables y portátiles, con una luz más direccional que los paraguas. Las hay de muchas formas y tamaños, prácticamente para cualquier tipo de aplicación o lugar.

Reflectores: ¡El Tamaño importa! Los reflectores pequeños son muy fáciles de transportar y llevar de un sitio a otro. Se pueden conjugar con accesorios opcionales, como rejillas de panal, las gelatinas y viseras.

Disco reflector: Pequeño, barato, muy compacto y flexible, especialmente para usarlo con luz natural. Es ideal para rellenar las sombras y reflejar la luz.

Disparadores por radio: se conectan a la zapata caliente de la cámara y al monoblock/generador y evitan tener que usar un cabezal de sincronización, ofreciendo más flexibilidad a la hora de capturar. Cuando se presiona el obturador, se envía una señal de radio entre los disparadores, activando el flash instantáneamente.

• Aportación de la bloguera: He encontrado por internet que los flashes “monoblocks” también se llaman “monolights”, que los citados “cabezales” son “Pack and head” y cuando yo estudiaba las “cajas de luz” las llamábamos “ventanas”.

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fotografía de conciertos sin flash.

2011.09.28

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 06 “APLICACIONES PROFESIONALES DE LA FOTOGRAFÍA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Fotografía “Electric Blue” de Paula Juan Altemir.

Una constante en las tomas, trátese de un concierto de música clásica o de una noche  de jazz, sin no se es posible utilizar el flash, será la necesidad  de enfrentarse a sensibilidades ISO altas. El concepto básico es el de aprovechar la luz de escena.

Las iluninaciones perfiladas sobre los músicos o eventuales focos que entran en el encuadre pueden provocar una difícil valoración de la exposición necesaria. En estos casos se aconseja utilizar un ajuste manual y considerar  bien la elección de la combinación tiempo-diafragma correcta basándose en las zonas de luz y sombra. Es necesario en primer lugar cuidar de no quemar las luces altas, porque el exposímetro detecta la escasez general de iluminación. Esto también depende del tipo de exposímetro de la cámara fotográfica o de ajuste. Las reflex recientes tienen la posibilidad de ajustar el tipo de lectura que el exposímetro realiza en la escena que se está encuadrando. En casos como éstos, donde es posible tener un sujeto muy iluminado respecto a la escena general, en lugar de utilizar la medición equilibrada de todo el fotograma, sería mejor ajustar la lectura en la zona de enfoque, o aquella sólo en el centro del fotograma, de madera que aunque el resto esté muy o oscuras, esto no provoque demasiadas descompensaciones para la lectura de exposímetro.

En otros casos, cuando se ha individuado el tiempo de exposición mínimo que nos garantice que la foto no saldrá movida (dependiendo del objetivo que se utiliza y de la rapidez de los movimientos de los músicos), también se podrá ajustar la cámara con prioridad de tiempo y calcular en consecuencia la abertura del diafragma o la sensibilidad.

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El negativo.

2011.08.28

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 1 “APRENDER A OBSERVA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

EL NEGATIVO. Antes del descubrimiento del proceso positivo-negativo, era necesario exponer el soporte fotosensible durante el tiempo necesario para convertir unos halogenuros en plata metálica: esto necesitaba de mucho tiempo necesario y hacía difíciles las tomas; gracias al descubrimiento de Talbot, los tiempos de toma se redujeron considerablemente, dejando la fase siguiente a la cámara oscura. Este procedimiento es el que ha hecho posible la fotografía moderna, con películas negativas de las que se pueden reproducir impresiones limitadas. Una vez expuesta, es necesario que la película ya no reciba más luz: se guardará en un lugar oscuro hasta que sea revelada e impresa. El revelado se realiza con unos reveladores químicos que provocan que las partículas sensibilizadas se transformen en plata metálica de color negro de forma proporcional a la cantidad de luz recibida.

El concepto básico consiste en que, cuanto más clara es una parte del encuadre durante la toma porque refleja o emana luz, más oscura será la película revelada correspondiente a esta zona; esto se debe al hecho de que cuánta más luz impacta en la película, mayor será la cantidad de sales de plata modificadas y por lo tanto negras. Una vez revelada la película, es necesario fijarla, o sea, eliminar todas las sales no sensibilizadas (que se modificarían en una nueva exposición a la luz). Después de estos procesos, la película pueden recibir luz de nuevo.

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Compensaciones especiales. Todos los secretos de la exposición.

2011.06.24

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO: http://www.grupov.es/

Todos los fotómetros, incluidos los integrados en la máquina fotográfica están calibrados para un valor normalizado de la capacidad reflectora del objeto (18 %). Los sistemas de cálculo “asumen” que el objeto se comporta como un patrón y que requiere más o menos exposición según la iluminación disponible. No distingue entre un patrón poco iluminado y un objeto oscuro, iluminado normalmente, por lo que tratará las dos situaciones de la misma forma, y esto puede inducir a graves errores de exposición. Ocurre lo mismo cuando, en vez un patrón fuertemente iluminado, nos encontramos con un objeto claro con iluminación normal. Por ejemplo, las fotografías de objetos en un fondo de nieve o de arena muy clara requieren ajustes de los valores calculados de aberturas (o de velocidad) de + 1.5 a + 2.5 EV para que esos fondos sean reproducidos correctamente. Se aplica un tratamiento semejante para la situaciones de contraluz.

Otra situación típica que implica la necesidad de compensar los valores dados por el fotómetro es aquella en la que se fotografía un objeto dominado por tonos negros o muy oscuros, en este caso la compensación se sitúa en —1 y -2 EV como referencia.

El primer paso.

La exposición como hemos visto es el punto de partida para el control de calidad final de las imágenes. Las exigencias de rapidez de acción, en situaciones fotográficas no siempre nos dejan margen para calcular tranquilamente los valores de aberturas y velocidad necesarios para la correcta exposición de la imagen. Por eso, es tan importante aprender, dominar y mecanizar estos conceptos. Ya que una vez aprendidos podemos concentrarnos en los aspectos de la composición y elección del momento decisivo, dejando de lado las preocupaciones de la exposición. Entones, sólo entonces, podemos liberar toda nuestra creatividad fotográfica y captar todo el placer de ese momento único extraordinario.

La subexposición de 1EV, hace que se pierdan los detalles de las partes en sombra de la zona superior de la imagen. Una exposición correcta permite una buena reproducción de los tonos del objeto, tanto de las sombras como de las zonas muy luminosas. La sobreexposición de 1EV relativamente ha originado un tono claro generalizado y la pérdida de detalles de las zonas muy iluminadas.

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Fotografía de lencería femenina. Propuestas muy diferentes.

2011.05.16

La fotografía de lencería tiene un gran mérito. Mostrar simplemente un producto con fotografía objetiva para ver la calidad del género, o crear una sensación atractiva para que su compra sea apetecible sin parecer una imagen ordinaria. Esto se consigue con la luz y la postura de las modelos. Aquí muestro ocho ejemplos muy diferentes.

http://www.triumph.com/es/es/index.html


http://www.pompea.com/

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