TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte III.

2012.11.19

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR FERNANDO DE MADARIAGA.

 Este artículo está escrito hace muchos años, por eso se habla desde un punto de vista analógico nombrando la película y revelado. Lo que se explica en esta entrada o post es perfectamente aplicable en la fotografía digital.

Antes puedes leer los artículos relacionados “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte I” y  TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte II”.

Dos Sistemas

La pura aplicación del sistema de zonas no puede plantearse la resolución del contraste lumínico de una escena puesto que no es ese el parámetro que tiene en cuenta. El numero de valores de luz reflejada de un motivo no permite averiguar por sí solo la diferencia entre la iluminación máxima y mínima; para ello hay que medir el mismo valor bajo la luz más alta y a la sombra. Ahora bien, ¿es posible interpretar un sujeto fotográfico con el único dato del contrate lumínico? Hay que reconocer que bajo todas estas reflexiones se esconde una pequeña clase de fotometría.
  Fotografía “Trastero 01” de Paula Juan Altemir.
Efectivamente, la escuela que evalúa el contraste de los motivos mediante la medición de la luz reflejada se inspira en el sistema de zonas, mientras que los fotógrafos que trabajan con la medición de la cantidad de iluminación se guían por lo que se llama sistema incidente. Los fotómetros de luz procedentes de los objetos; todo cuerpo absorbe y refleja luz, resultado más claro u oscuro en función de ello. Los aparatos de iluminación incidente determinan la cantidad total de intensidad luminosa sin ser influidos por las características de reflectancia de los objetos.
A grandes rasgos los fotógrafo de exteriores o de blanco y negro se guían por un sistema de luz reflejada, las zonas, porque entienden la iluminación como algo que conviene modificar lo menos posible: en este caso la gama tonal es algo que se construye. Mientras que los fotógrafos de estudio controlar la iluminación utilizando la fotometría incidente, ya que explica mejor la relación entre las intensidades luminosas: en este caso la gama tonal se adapta a unas condiciones de contraste e iluminación.
Cuando tiene experiencia puede solucionarse cualquier situación de contraste de una escena, siguiendo sólo una de estas estrategias con exclusión de la obra. Sin embargo, es más conveniente no caer en la tentación de convertirse en un ortodoxo de uno de los dos sistemas: lo mejor es interpretar la gama tonal con el conocimiento previo del contraste lumínico y no cometer el error de abrazar la causa contraria: evaluar una escena según su contraste lumínico es inútil cuando el sujeto no cuenta con un buen número de tonos distintos.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

 

Definición de fotografía, enciclopedia Larousse.

2012.10.23

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL EN LA ENCICLOPEDIA LAROUSSE.

Este texto fue escrito antes de que apareciera la fotografía digital en 1980.

Procedimiento que permite obtener, por medio de la luz y de las sustancias químicas, imágenes óbticas permanentes.

ENCICL. El principio de la fotografía está fundado en la transformación o alteración de compuestos inorgánicos u orgánicos por efecto de la luz o de radiaciones (rayos ultravioletas, infrarrojos, rayos X, gamma, etc.) la imagen así obtenida es inestable, por lo que, después de la acción de la luz, resulta indispensable tratar la capa sensible por medio de baños apropiados. Desde hace mucho tiempo es conocida la manera de formar una imagen utilizando el principio de la cámara oscura, construida por una caja en una de cuyas paredes existe un pequeño orificio destinado al paso de la luz. Cardan (1550) tuvo la idea de aumentar la luminosidad de la imagen colocando una lente delante de dicho orificio, convenientemente agrandado. Por otra parte, los alquimistas sabían que la luz transformaba el aspecto de la palta córnea (cloruro de plata fundido); pero ningún manuscrito menciona que se hubiera llevado a asociar o relacionar los dos fenómenos que constituyen la fotografía. En 1727, J.H. Schulze demostró que un papel impregnado en nitrato de plata y cal da una imagen cuando es expuesto al sol bajo un dibujo; demostraciones análogas fueron enunciadas por el físico francés Charles (1780), que utilizó estas observaciones para obtener siluetas-retratos. Fue Nicéphore Niepce el primero que logró, 1827, fotografiar objetos corporales en la cámara oscura. Utilizó para ello betún de Judea como capa sensible, y eran necesarios tiempos de exposición de hasta ocho horas para impresionar de un paisaje. Nuevas investigaciones llevadas acabo en colaboración con Daguerre dieron por resultado la invención con Daguerrotipo (1838). En Gran Bretraña, Talbot (1839) consiguió fabricar papeles sensibles impresionándolos en sal marina y nitrato de plata. Aparecieron más adelante las placas de cristal (Abel Niepce de Saint-Victor, 1841), recubiertas de una capa de albúmina que contenía sales de plata, y que daban un cliché trasparente. Nuevas investigaciones dieron lugar a la sustitución de la albúmina por el colodión (Legray, 1850). El empleo de la gelatina, propuesto por Guadin (1861), permitió a Madox, en 1871, preparar las primeras emulsiones al gelatinobromuro de palta (placas secas).

 Punto de vista desde la ventana de Gras (1826), por Joseph Nicéphore Niépce.


Las investigaciones proseguidas a partir de entonces han dado como resultado las fabricaciones actuales, susceptibles todavía de perfeccionarse. Aumentar la sensibilidad general y cromática, la figura del grano y la amplitud de exposición constituyen las principales preocupaciones de los especialistas.

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte II.

2012.09.08

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR FERNANDO DE MADARIAGA.

Este artículo está escrito hace muchos años, por eso se habla desde un punto de vista analógico nombrando la película y revelado. Lo que se explica en esta entrada o post es perfectamente aplicable en la fotografía digital.

Antes puedes leer el artículos relacionados “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte I” y “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte III”.

Dos contrastes

Hay dos clases distintas de contrastes en fotografía en blanco y negro. Uno esta ligado a la luz y otro al tono. El primero es conocido como contraste lumínico, el segundo como contraste local. El contraste lumínico es un viejo conocido de los fotógrafos de estudio, consiste en la diferencia en puntos de diafragma entre la luz principal y la de relleno o cuando existe una fuente de iluminación única, en esa misma diferencia entre las partes iluminadas y las que se encuentran en sombra, lo normal en exteriores. El contraste local se define como el número de valores tonales o de grises distintos y claramente separados en una copia blanco y negro. Lógicamente no hay ningún problema en denominar a cada valor o gris, zona. Así que a más zonas, mayor contraste local y a menos zonas, contraste local más bajo.
  Fotografía “Maniquí 01” de Paula Juan Altemir.
Sin embargo, un contraste local alto no significa que también sea elevado el contraste lumínico: una escena puede tener muchos tonos y su iluminación ser suave, difusa y sin apenas diferncia en el contraste entre luces; o también, poseer muy pocos tonos y una iluminación excepcionalmente dura con una fuerte diferencia entre la luz y la sombra.
Contraste local y lumínico son entidades independientes; cuando se determina el contraste de la escena contando los brillos o niveles de la luz reflejada del sujeto, aunque normalmente se acierta, se están mezclando y uniendo dos elementos distintos: la gama tonal y la diferencia en el nivel de la iluminación. Esta distinción va más allá de su importancia teórica porque el contraste lumínico alto tiene un claro efecto sobre la gama tonal al llevar a las películas a su límite de reproducción; a partir de 2 puntos de contraste lumínico, la escala de grises empieza empieza a notar los efectos de las medidas correctoras necesarias (más exposición y menos relevado) para una gama de valores de brillo tan amplia quepa en una escala de 7 pasos entre el blanco y negro, al meter más valores de luz reflejada en el mismo “espacio” de reproducción el nivel de separación entre tonos adyacentes se hace más estrecho, más pobre y deprimido. Lo que se interpreta son distintas gamas tonales con independencia de la separación que haya entre la luces y sombras.

 
Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Eadweard Muybrigge. Retratos de una Obsesión.

2011.11.17

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL DE LA PUBLICACIÓN VANITY FAIR: http://www.revistavanityfair.es/

ESCRITO POR IANKO LÓPEZ.

¡ACCIÓN! El fotógrafo británico, nacido en 1830, pasó gran parte de su vida en E.E.U.U., donde desarrollo los innovadores procesos técnicos que lo convertirían en una autentica leyenda. Obsesionado por captar el movimiento, su carrera dio un vuelco al aceptar el encargo del magnate Leland Stanford. Éste pretendía probar fotográficamente que durante el galope de los caballos había unos segundos en los que ninguna pata tocaba el suelo. En 1978 no sólo consiguió captar esa secuencia del equino “volando”, sino que sus series en blanco y negro sembraron el origen se otra industria, la del cine. Sus cronofotografías de niños, bailarinas y atletas en movimiento lo consagraron. Pero a pesar de disfrutar de su éxito, se vio envuelto en la polémica, ya que fue juzgado y absuelto por el asesinato del amante de su mujer. Pero eso es otra historia…

Cronofografía de una bailarina por Eadweard Muybrigge.

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte I.

2011.11.07

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA SUPER FOTO: http://www.grupov.es/

ESCRITO POR FERNANDO DE MADARIAGA.

 Este artículo está escrito hace muchos años, por eso se habla desde un punto de vista analógico nombrando la película y revelado. Lo que se explica en esta entrada o post es perfectamente aplicable en la fotografía digital.

En el blanco y negro no hay color sino; quiere decirse que una imagen en color resulta llamativa visualmente aunque sólo exista un tono. Sin embargo, en blanco y negro, el mismo tono es el gris por lo que resulta imprescindible un buen número de tonos o diferencias lumínicas entre ellos para que la imagen tenga atractivo. Ahora bien, no es lo mismo que el contraste se deba sólo a la “luz” que a los “tonos”.

La explicación más sencilla del contraste es la de oposición entre dos puntos, por ejemplo, los puntos máximos en una escala fotográfica monocroma serían luz/sombra y blanco/negro. Buena parte de las dificultades para interpretar el contraste de una escena en blanco y negro se originan por la confusión de estos dos conceptos, que aunque relacionados no son lo mismo: luz no es igual a blanco; ni sombra, a negro. En una pared pintada con una gama de tonos completa desde el blanco hasta el negro y uniformemente iluminada la diferencia entre los distintos valores se debe a su tono: gris claro, medio y oscuro; en tal caso sí pueden intercambiase los conceptos luz, blanco, sombra y negro. Pero si se proyectara una sombra sobre ese mural de forma que una parte esté más iluminada que la otra; entonces la diferencia de iluminación determina el contraste porque hay tonos que van a ser desplazados de su valor normal: según se interpretara la escena, las zonas blancas en sombra podrían representarse con valor de gris medio muy similar en la copia al de las zonas oscuras del área de las luces.
 Fotografía “Makareta Pearls” de Paula Juan Altemir.
Con un sólo tono se entiende mejor lo que queremos decir: imaginaros que el motivo fotográfico es el cartón gris del 18% de reflectancia, la mitad al sol y la otra en sombra; es imposible reproducir esas dos partes en un mismo valor de gris en un fotograma: si la parte iluminada se produce como gris medio, la de la sombra será más oscura; si se representa como gris medio el lado sombreado, el que se encuentra al sol será más claro. El contraste lumínico desplaza irremediablemente los tonos de la escala de grises de su valor “tonal” de representación.
Sin embargo, nuestro ojo sigue sus propias reglas y corrige muy bien las diferencias de contraste lumínico; para él casi tan blanca resulta una pared escalada al sol como en la sombra, son en ambos casos sencillamente “blancas”, y menos separadas tonalmente que lo que aparece en una foto normal: a simple vista no se aprecian tan oscuros los blancos en sobra como resultan en una interpretación fotográfica estándar.

Artículo relacionado “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte II” y “TONO Y LUZ. Como controlar el contraste. Parte III”.

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Apuntes de historia de la moda. Paula Juan.

2011.10.31

Clases impartidas por Manuel Santos en la escuela de Madrid, TAI.

INICIO DE LA FOTOGRAFÍA.

La cámara oscura es fabricada en China y había que tener conocimientos de física y química. Crear sustancias que pudieran oscurecer el cuerpo humano con la luz.

¿Cual era el problema?: mantener la imagen, conexión de los elementos físico y químicos, su permanencia y que no le siguiera afectando la luz.

El sistema que hiciera que la realidad (imagen) pudiera fijarse: Los sistemas que más exitosos, fueron los de Niepce y Daguerre en Francia.

Punto de vista desde la ventana de Gras (1826), por Joseph Nicéphore Niépce.

  • Niepce → Investigaba e hizo una placa litográfica. Era una vista realista del mundo. Procedimiento en el que se podía fijar sobre esa placa la pura realidad. Realizó la primera foto de la historia desde su casa. Realizada con “betún de judea”, con una exposición muy larga.
  • Daguerre → Patentó el diorama. Era una lámina pintada y según por donde la iluminadas (delante y detrás), salían distintas imágenes tridimensionales.

Daguerre le propuso a Niepce investigar juntos. Niepce le habló sobre sus investigaciones con las sales de plata. Daguerre le propuso que se aplicaran estas sales sobre una placa de cobre, que se llamaría un futuro daguerrotipo. Ver más información del artículo

Gregory Colbert’s. La relación entre la naturaleza y las personas.

2010.08.15

GREGORY COLBERT´S: http://www.ashesandsnow.org/
http://es.wikipedia.org/wiki/Gregory_Colbert
SU LIBRO: http://www.amazon.com

El fotógrafo y cineasta Gregory Colbert’s nació en Toronto (Canadá) en 1960. Comenzó su carrera en París en 1983, con la realización de documentales sobre temas sociales. Su primera exposición llamada Timeswaves, fue un gran éxito de crítica en 1992 en el museo de Elyseé de Suiza. En los próximos diez años, Gregory no compartió su arte y se dedicó a viajar por el mundo para fotografiar y filmar las maravillosas interacciones entre animales y seres humanos.
Después de esos diez años en el 2002, Colbert’s volvió a presentar una nueva exposición llamada Ashes and Snow en el Arsenale de Venecia (Italia). Con su debut la crítica declaró: “Un nuevo maestro ha nacido”. En un artículo de Alan Riding para el periódico The New York Times declaró: “El poder de las imágenes se produce menos por su belleza formal que por la forma en que envuelven al espectador en su estado de ánimo… Son simplemente ventanas a un mundo en el que el silencio y la apariencia gobiernan el tiempo”.
Ashes and Snow es una experiencia inmersa de naturaleza que combina obras de arte fotográficas, películas y paisajes sonoros. Es un Museo Nómada especialmente diseñado con una estructura para poder viajar. La exposición ha atraído a más de 10 millones de visitantes, por lo que es la muestra fotográfica más visitada por cualquier artista que vive en la historia.

Ver más información del artículo