La estética Man Ray.

2012.11.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR ALBERTO MARTÍN.

Fue un artista total. Pintó y creo con la cámara imágenes insólitas. Surrealista, vanguardista, revolucionó la moda, la publicidad y el retrato. Man Ray liberó a la fotografía de sus funciones documentales. La elevó a la categoría de arte.

“Yo creé a dadá cuando era niño y mi madre me zurraba. Yo podría proclamar que soy el autor de dáda en Nueva York”. Así se expresaba Man Ray (Filadelfia, 1890; París 1976) en un texto para el catálogo de la gran retrospectiva de dadá en Düsseldorf que aparece reproducido en su autobiografía, titulada Autorretrato. Y de hecho, en lo fundamental, y a pesar de su progresiva asimilación con el surrealismo, puede decirse que Man Ray mantuvo su espíritu dadaísta hasta el final de sus días. El carácter combativo y provocador del movimiento dadá se ajustó perfectamente a la personalidad inquieta, individualista y un tanto contradictoria de Man Ray. Quien llegaría a ser uno de los principales responsables de la toma en consideración de la fotografía como arte, publicó un famoso opúsculo (obra científica o literaria de poca extensión) con el rotundo título de La fotografía no es un arte. Preguntado años después si seguía manteniendo esa opinión, respondió que había revisado un poco su actitud, llegando a la conclusión de que “el arte no es fotografía”. Probablemente sea esa la actitud irónica y aparentemente distanciada, plagada de afirmaciones provocadoras, la que mejor defina no sólo su personalidad, sino también su trayectoria artística y la posición que ocupó en la vanguardia artística de la Europa de entreguerras.

 RETRATOS CON CÁMARA. Y retrato de la bailarina Ady Fidelin 81937), su musa.

SURREALISTA Y DADÁ. ‘Las Tres Gracias’ (1930). Fotografía de una aerografía de 1919 destruida por el propio Man Ray.

Su afán de experimentación y búsqueda había dado comienzo ya en Nueva York, sobre todo a raíz del descubrimiento de arte de vanguardia europeo en el Armory Show en 1913, y de su encuentro con Marcel Duchamp en 1915, con quien iniciaría una amistad y una colaboración que duraría el resto de sus vidas. En esa época inició una intensa militancia dadaísta y comenzó a aplicar nuevas técnicas en su trabajo, como sus pinturas aerógrafas, en las que colocaba objetos y plantillas sobre el lienzo que luego rociaba con pintura, o el método cliché-verré para hacer impresiones de dibujos hechos directamente sobre el negativo. Y sobre todo empezó a utilizar la cámara para fotografiar  objetos construidos, o descontextualizados y separados de su unción originaria gracias al pie de foto (como la famosa imagen de la batidora de huevos titulada Mujer); objetos que después surgió realizando a lo largo de casi toda una vida, y a los que llamó “objetos de mi afecto”. Toda esta evolución iniciada por Man Ray en Ver más información del artículo

El curioso vídeo de la cantante Clare Maguire.

2012.05.01

El otro día viendo la televisión, me apareció una rareza, el vídeo musical “Ain’t Nobody” de Clare Maguire. No había oído nunca hablar de esta cantante y pené: esto lo tengo que poner en el blog.

Este vídeo es un pequeña obra de arte. Se juega durante los 3 minutos y 53 segundos con el elemento del viento, mostrado el plano cerrado de Clare con el pelo en movimiento, las cintas negras que salen de su vestido y dedos, y esa tela roja que aparece en el vídeo. El color de esta tela no es casual, ya que cita “encuéntrame en el cielo rojo y baila conmigo”. Si nos fijamos hay un momento en que hay otra silla, que explota, detrás de Clare Maguire, apareciendo la tela roja citada anteriormente. Esta; a lo largo del vídeo se Ver más información del artículo

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Human.

2012.04.17

Un libro antológico sobre la obra de Jorge Rueda.

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: Human, de la editorial Lugwerg en castellano.

AUTOR: Jorge Rueda.

La obra de Jorge Rueda nunca ha pasado desapercibida, y menos desde el primer momento en que vio la luz en la revista de fotografía de vanguardia ‘Nueva lente’. Dicha revista, fundada en 1950 y dirigida por el propio Rueda durante los años 75 y 79, sirvió de escaparate para difundir la creación fotográfica española de los años setenta. Siendo Jorge Rueda uno de las fotógrafos más controvertidos y provocadores de la transición española, Lunwerg ha decidido editar un libro de más de doscientas páginas en las que repasa la trayectoria artística del inclasificable Rueda. Claramente influenciado por el surrealismo, Rueda empezó trabajando en blanco y negro y pronto incluyó el fotomontaje en en su proceso creativo, en un momento en el que el Photoshop ni siquiera se había ideado. De ahí lo sorprendente de sus imágenes, quizás demasiado modernas y transgresoras para su época. Sus fotografías en color llevaron al extremo su pasión por el mal gusto estético rompieron con todo lo hecho hasta el momento en nuestro país. Si hay alguna palabra que defina con exactitud la obra de este fotógrafo que se avanzó a su tiempo esa es ‘Kitsch’, un término que hoy en día esta ya algo gastado pero que en los años 70 a penas había penetrado en el vocabulario de nuestra lengua castiza. Fiel a sus principio estéticos, Jorge Rueda nuca se ha separado se su pasado, y lo demuestran las fotografías más actuales de ‘Human’, absolutamente continuistas respecto a las producidas en los primeros años de su carrera artísticas.

 

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Moda & surrealismo.

2012.01.21

TEXTO LITERAL REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

ESCRITO POR LAURENT DOMBROWICZ Y FOTOS, D.R.

La moda escapa de la rutina y se adentra en el subconsciente siguiendo la estela de Bretón, Dalí y Elsa Schiaparelli. Una tendencia que desafía la lógica.

Si la magia opera de forma cíclica, la moda se muestra más brillante cuando escapa a las reglas de la elegancia y, a veces, del buen gusto. De esta forma, en el momento en que la creación textil se asoció al surrealismo, la varita de las tendencias dio a la luz a una pareja de gran longevidad y creatividad. El movimiento surrealista, nacido en los años 20 de la mano de André Bréton y de un círculo de espíritus iluminados, identificó claramente este vínculo. Los intercambios entre moda y surrealismo fueron en ambos sentidos. La palabra clave: escapar a lo cotidiano, a la rutina, al modelo burgués. ¿Las formas de llegar allí? La insurrección perpetua, la puesta en duda de la razón y el cuerpo y la celebración de azar y de la ilusión.

A la izquierda, paisaje de un cuadro de Salvador Dalí y abrigo de ocho cajones de Elsa Schiaparelli, fotografiado por Cecil Beaton en 1936. A la derecha, todo el espíritu del subrrealismo de Schiaparelli en este sombrero Mystère con un broche de diamantes de Van Cleef & Arpels a modo de ceja (1949)

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Stefan Heilemann.

2011.11.01

WEB DE STEFAN HEILEMANN: http://www.heilemania.de/

Stefan nació en 1974 en Bietigheim-Bissingen (Alemania). Fue durante muchos años director de arte, en distintas actividades de agencias publicitarias. Desde 2001 es independiente y trabaja como diseñador gráfico. Durante cinco años se emplea intensamente con la fotografía, creando su propio estilo que cada vez es más perfeccionado.

“Are you strong enough to be mine” de Stefan Heilemann.

Las fotografías del artista alemán forman una relación simbólica entre la fantasía, la realidad y la locura. Con gran ingenuidad conduce al espectador con sus imágenes, lo hasta ahora nuca visto, lo extraño, que recuerda a los cuentos de hadas y a las pesadillas. Stefan va en un contante equilibrio entre la ironía y la morbilidad, a través de su estilo emergente donde las obras de belleza inquietante, son por lo general en medio de los intestinos.

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La Bicicleta perdida de Marcel Duchamp.

2011.08.21

TEXTO LITERAL DEL Nº 13 DE LA REVISTA EASY_50

ARTISTA MARCEL DUCHAMP: http://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp

ESCRITO POR RICARDO BADUELL: http://refinerialiteraria.wordpress.com/

En Nueva York, en un rincón del MoMA, se encuentra detenida fa rueda de bicicleta que Marcel Duchamp, entre las dos Guerras Mundiales, plantó invertida sobre un banquito para sorpresa, deleite o desconcierto de sus contemporáneos. Poco antes de la Caída de las Torres, yo mismo me encontraba en Nueva York y en el MoMA, ante esa rueda que otros turistas, a su vez, rodeaban. Bueno, no esa rueda exactamente, sino otra, igual de redonda, explicó la guía, aunque casi seguro no la otra, pensé yo, de la misma bicicleta, sino otra, otra cualquiera, con la que el mismo Duchamp, artesano, rehizo su invención una vez que el original, perdido, hubo rodado fuera de su alcance. Existen fotografías que muestran a una de las dos piezas en la desordenada habitación de Duchamp, compartiendo el azaroso momento con otros adornos, herramientas y objetos de uso diario. Pregunté a la guía del grupo sí la rueda giraba y ella, con la sonrisa de las maestras que han logrado abrir el pico de uno de sus polluelos, giró hacia mí y nos informó a todos que efectivamente ésa era la intención: cuando la rueda se expuso por primera vez se esperaba, contrariamente a lo habitual en este tipo de eventos, que los visitantes se acercaran a la obra y “participasen” poniéndola en acción; algo común en fos tiempos que corren,  ya aturdidos por el concepto de “interactividad”, pero no entonces, cuando empezaba a comprenderse que a los impresionistas había que mirarlos de lejos; de todos modos, en la actuafidad toda participación estaba prohibida, debido al deterioro que el contacto,

Retrato de Marcel Duchamp realizado por Irving Penn.

inevitablemente excesivo, terminaría acarreando al ready-made. Pensé que Duchamp no había reparado el Gran Vidrio, que cualquier obrero manual al menos tan calificado como él (aunque no tan renombrado) podría reconstruir o reponer lo que ya había sido repuesto y, halagado por el anterior reconocimiento de mí perspicacia, observé que aquí la conservación del objeto iba en contra del sentido de la obra. Sin una palabra, con una sonrisa china que la convirtió inmediatamente para mí en la curadora ideal de cualquier muestra, la guia dejó en suspenso ese sentido y en perfecto equilibrio el trabajo def artista y el del museo: crear y animar signos, proteger el legado cultural. Todo había sido dicho entre nosotros: en su estado latente, la rueda giraba; pero era demasiado tarde para que los visitantes, de hecho, la hiciésemos girar. El museo, ya cerrado en este sentido, protegía su propiedad, cuyo valor de reventa jamás podría restituir el hipotético obrero que la actitud de Duchamp autorizaba. Obra sin firma, fa firma le era adjudicada por el establishment cultural y la arrebataba así a las masas, no sólo una vez sino a lo largo de todo el tiempo. Ante esta forma sutil de la censura, sólo cabe la ironia para ponerse a un lado e interpretar a la autoridad. Pues aquí, como en las religiones, la obra, por inalcanzable, pierde su cuerpo para dejar el sitio a una imagen, la del objeto que no puede tocarse, y a un mito, su creador insustituible, que cierran el paso a lo anunciado. ¿Qué oculta y a la vez muestra el movimiento detenido, en la quietud consagrada del orden previsto, sino el paso del tiempo y con él, en su seno, el ascenso de lo pequeño que crece y la caída de Aquello que ya no se sostiene?

Greg Simkins y los animales.

2011.08.09

GREG SIMKINS: http://www.imscared.com/

Greg es un ilustrador que nació en el estado de California en el sur de Los Ángeles en 1975. Creció con una colección de animales donde había un gran número de conejos. Estos aparecen en muchos de sus cuadros.

Greg Simkins comenzó a dibujar a los tres años y su inspiración venía de los dibujos animados y de ciertos libros. Estos eran Watership Down de Richard Adams, Las Crónicas de Narnia de C.S. Lewis y The Phantom Tollbooth  por Norton Juster. El arte de Simkins continuó avanzando a la edad de 18 años, cuando comenzó hacer gaffitis con el seudónimo de “Craola“. El graffiti se convirtió en un impulso creativo y le dio la confianza necesaria para pintar obras de gran tamaño. Además le enseñó la perspectiva, la teoría del color y desarrolló habilidades artísticas, que más tarde se traduce en su trabajo con el acrílico. Después de recibir su Licenciatura de Arte en la Universidad Estatal de California de Long Beach en 1999, trabajó como ilustrador para empresas de vestir. Más tarde se dedicó al mundo de los videojuegos. En 2005, Simking realizó su deseo de pintar a tiempo completo. Desde entonces a presentado numerosas exposiciones colectivas e individuales con gran éxito. Sus dibujos aparecen actualmente en zapatillas Converse y Vans, como en juguetes para Mattel y Disney. En sus ilustraciones aparece la cultura pop, los viejos maestros, la naturaleza, el carnaval kitsch y su imaginación retorcida. Creg es un pintor surrealista muy buscado que aparece en galerías por todo el mundo.

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Erwin Olaf.

2011.07.24

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/

ESCRITO POR JUAN DARÍO GÓMEZ

Hay una parte del texto que he suprimido, donde se dan las fechas de una exposición que se realizó en la Galería Espacio Mínimo hace unos años.

DESDE COMIENZOS DE SU CARRERA, EL TRABAJO DE ERWIN OLAF, DESTACÓ EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO POR SU INUSUAL Y SOFISTICADA CONCEPCIÓN DE LA BELLEZA QUE NADA TIENE QUE VER CON EL EXPLOTADÍSIMO IDEAL AL QUE EL FASHION SYSTEM NOS TIENE ACOSTUMBRADO.

Fiel aliado del humor, del erotismo y de sus propios fantasmas, este holandés sabe bien como dar vida a su universo, y evocar en él, diferentes facetas del ser humano. A través de su obra Olaf explora la sociedad contemporánea y para ello elige siempre, como protagonistas, a personajes estetizantes que dan vida de manera satírica y provocadora las diferentes obsesiones del artista, entre los cuales fomenta la sensualidad, violencia y el exceso de consumo.

En muchas de tus fotos se respira una atmósfera de fantasía, pero el tipo de fantasía que se vuelve perversa, como en aquellas películas clásicas de terror que me gustaba mirar cuando era niño… Observando tu trabajo podría casi asegurar que eras un tímido chaval al que todo le daba miedo. ¡Pues sí! Has acertado. ¡He sido un niño muy miedoso y con dientes enormes! Pero a pesar de eso puedes creerme, ¡era un niño muy guapo! (Risas)

Ludwing + 1886, 2000.

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Natalie Shau. La imaginación gótica.

2011.05.04

NATALIE SHAU: http://natalieshau.carbonmade.com/

Natalie Shau es una artista lituana que realiza un 80% de fotografías e ilustraciones góticas.

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El pop terrorífico de Isabel Samaras.

2011.01.17

Las pinturas de Isabel Samaras están realizadas con la técnica clásica del óleo, con iconografía pop, referencias al terror y mitología antigua.

ISABEL SAMARAS: http://astrocat.com/samaras/

Título “Song of Birth: The 3 Magi”. Óleo sobre madera.

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