Obsesión postal.

2013.11.22

TEXTO LITERAL REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

ESCRITO POR L.F.

El fotógrafo estadounidense Walker Evans amasó una de las mayores colecciones de postales del siglo XX.

Imagen de artista desconocido del archivo de Walker Evans de 1994. Future New York, The City of Skyscrapers de un archivo Walker Evans, (alrededor de 1910).

En 1994, el Metropolitan Museum de Nueva York compró la vastísima colección de fotografías y documentos del archivo del estadounidense Walker Evans (1903-1975), quizá el mejor retratista de la depresión capitalista y de la América rural desde la impresiones en gelatina de plata de sus más conocidas instantáneas. Casi seis décadas de actividad, desde una primitiva Laica hasta la Polaroid que usaba en 1974, que le convirtieron en un maestro de lo documental por su estilo frío, severo e imparcial, en total oposición al fuerte (y hegemónico en la época) simbolismo y esteticismo de Alfred Stieglitz y Edward Steichen. Su contundencia y sobriedad mostraron el camino a la fotografía contemporánea, ya fuera retratando a los granjeros arrendarios de Alabama o los seductores carteles publicitarios de la gran ciudad. En su archivo, además de 30.000 negativos de blanco y negro y 10.000 diapositivas de color, se reservaba una enorme variedad de objetos: diarios, relatos breves, recortes de la revista Fortune, medio siglo de correspondencia (las cartas recibidas y copias en carboncillo de las enviadas) y 9.000 postales. No resulta extraño que Evans se viera atraído por esta manifestación sencilla pero tremendamente expresiva de los tópicos de su país. Sus instantáneas supieron revelar la poesía oculta en los escenarios más prosaicos, desde las repetitivas calles de las ciudades provincianas del medio Oeste, hasta las minas de carbón o los vagones de metro. Y estas postales, fechadas entre 1.900 y 1.920, suponen su particular reconstrucción de toda una época iniciada en su misma infancia —entonces el formato era una novedad— y proseguida cuando aún no había tomado la cámara y tratada de sobrevivir como editor de la revista Fortune (1945-1964) o en los últimos años de su vida. Un imaginario atesorado lámina a lámina durante sesenta años, que Evans conservaba con extremo mimo, superior al que dedicaba a otras colecciones (como la de Ver más información del artículo

La fotógrafa Nan Goldin.

2013.07.21

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA VANIDAD: http://www.vanidad.es/

ESCRITO POR MARIO CANAL.

El tiempo pasa y como dice ella misma, “mi amistad es más tierna y cariñosa, menos conflictiva. La vida que llevo es más calmada porque yo me he calmado. Quizá por esto hay más esperanza en las fotos y una nueva luz”. Una iluminación más natural que huye de los espacios cerrados, donde se refugiaba con sus amigos —la amistad como motor indiscutible de su trabajo, que no es otra cosa que su vida—, en su primera época como fotógrafa, y de la que salió rompiendo el cristal que la alejaba de la naturaleza: rehabilitándose y disfrutando de los paisajes europeos. Pero en la entrevista que nos facilita Scalo —ella hace tiempo que se niega a explicar nada—, dice más cosas, por ejemplo qué es una artista para ella: “Yo  me convertí en artista a principios de los 70, no durante el boom de los 80. Por ello creo que una artista no debe preocuparse por el dinero, el dinero no tiene nada que ver con el arte. En EE UU hay más gente yendo a la escuela de arte que a la de negocios porque creen que van hacer dinero. Cuando yo llegué a la escuela de arte estábamos avisados de que deberíamos tomar todo tipos de trabajos a lo largo de nuestra vida para poder salir adelante. Mis fotos se han exhibidos desde 1973, cuando yo tenía 19, pero sólo desde 1992, empecé a ganar dinero con ellas. Nunca trabajé para el mercado”. Muy interesante es lo que la fotógrafa norteamericana comenta respecto a su valor: “Mi trabajo es subjetivo. Yo continué mi propio camino. Durante mi primera estancia en Japón, donde colaboré en una exposición con Nobuyoshi Araki, me llamaron misionera de la moral porque intentaba romper los tabúes que rodeaban el SIDA y la homosexualidad y porque intentaba que los jóvenes artistas contactaran entre sí. Con mis fotos… ¿Quiero salvar al mundo? Sé que esto suena prepotente, pero intento trabajar con una conciencia ética. Realmente creo que el arte puede disolver los límites entre los individuos. Quizá ser un artista es como ser un sacerdote. El arte es algo sagrado, debemos liberarnos a él totalmente”.

 

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1993 Año cero.

2013.03.17

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN SMODA: http://smoda.elpais.com/

Marc Jacobs se apuntó al grunge, Nirvana grabó su Unplygged y Michael Jackson habló con Oprah Winfrey. Se dice que sin aquello 235 días no seríamos como somos hoy.

Algunos gozan de mejor pedrigrí que otros: en 1977, por ejemplo, se fundó el punk, nació Apple Computers y se estrenó La guerra de las galaxias. En 1989 cayó el Muro de Berlín y la música se intoxicó al ritmo del Segundo Verano del Amor, con epicentro en los campos raveros del Reino Unido. Ahora una exposición quiere colocar a 1993 en ese pódium de los años que lo cambiaron todo. Se titula 1993: Experimental Jet Set, Trah and No Star, y experimentará en las salas de New Museum de Nueva York hasta finales de mayo. El cantante Moby fotografiado por Wolfgang Tillmans.
La muestra sirve como cápsula del tiempo de un momento decisivo para la cultura. «El año 1993 fue fascinante porque una generación de creadores jóvenes apreció en la escena del arte. Surgieron nombres como Matthew Barney y John Currin y artistas consagrados como Cindy Sherman hicieron sus obras más memorables», apunta a S Moda Hyatt Ver más información del artículo

Penn cambió nuestro sentido del contenido del mundo.

2013.02.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR  JOHN SZARKOWSKI

Penn se compró su primera Rolleiflex con el dinero que ganó dibujando zapatos, a cinco dólares por dibujo, para el “Harper’s Bazaar“. Cuando fue a México a pasar un año, ya tenía también una cámara con soporte de 4×5, y utilizaba ambas a menudo y bién. Sin embargo, no había pensado que la fotografía podría convertirse en el centro de sus ambiciones artísticas. Después de permanecer un año en México, Penn volvió a Nueva York, insatisfecho con sus pinturas, pero amaba las bellas telas de lino donde las pintaba. Por eso no quemó sus fracasos, sino que los arrinconó y luego los lavó hasta dejarlos limpios, a fin de poder seguir admirándolos como amantes para mesitas. De aquel periodo, aproximadamente, han sobrevivido algunos dibujos sin fecha, que hacen pensar que los modelos más importantes para Penn eran De Chirico y Matta.
Al volver, Alexander Liberman, que estaba en Vogue de director artístico, contrata a Penn como ayudante Ver más información del artículo

El hotel que nunca duerme.

2012.12.20

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA PROYECTO CONTRACT: http://www.proyectocontract.es/
FOTÓGRAFO NIKOLAS KOENIG: http://www.nikolaskoenig.com/
ESCRITO POR MOIRA CABALLÉ.

Siendo la estela de sus hoteles en los aeropuertos de Ámsterdam y Londres, Yotel desembarca en Manhattan. Un concepto de alojamiento que acerca el lujo y la tecnología a todos los bolsillos y que se dirige a una clientela tan cosmopolita como exigente.

 La zona de recepción reproduce el aspecto de los mostradores de facturación de los aeropuertos. Un gran robot almacena y organiza el equipaje de los huéspedes. En la cuarta planta se reúnen gran parte de las zonas comunes del hotel que, equipadas con la última tecnología, combinan todo lo necesario para los negocios y el ocio. Ver más información del artículo

David LaChapelle y el mito pop inmortal.

2012.12.03

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR CHRISTIAN GAUFFRE.

El rey del pop y la cámara más pop. Dos universos estéticos excesivos, únicos. La fusión de delirios estuvo a punto de consumarse en vida. Pero el mito murió. Y desde su granja de Hawaii, donde muta de fotógrafo de revista a artista de museo, LaChapelle se saca de la manga estos retratos post mórten,  realizados con modelos y recreación digital, del rey elevado a icono religioso. Obsesiones que impregnan su obra más reciente.

ARCÁNGEL MICHAEL. David LaChapelle convierte aquí a Michael Jackson en “un arcángel que reza por el diablo después de vencerlo y tirar su espada”.

Una eterna cita fallida… ¿o no? Durante años, el fotógrafo David LaChapelle (Connecticut, EE UU, 1963) persiguió a Miachael Jackson. Sesiones concertadas, aplazadas, anuladas… El encuentro parecía prohibido y maldito para siempre. Y entonces ocurrió. LaChapelle se saca de la manga unos misteriosos retratos de un Jackson elevado a icono religioso. El fotógrafo otorga así a este Jackson post mórten la categoría que solo él le podía dar, la de imortal. Finalmente, más allá de la vida y de la muerte, se consigue una cita con la eternidad. Ver más información del artículo

La Fiesta Pop de Fabio Chizzola.

2012.11.26

FOTOGRAFÍAS DE LA REVISTA GLAMOUR (ESPAÑA): http://www.glamour.es/

FOTÓGRAFO FABIO CHIZZOLA: http://fabiochizzola.com/
ETILISTA VICTORIA ADCOCK, MAQUILLAJE DE FREDERIK STAMBRO, PELUQUERÍA DE ROBERTO DI CUIA, MODELO KRISTY KAUROVA.

Fabio Chizzola nació y se crió en Roma, pero actualmente vive en Nueva York. Estudió fotografía en el Instituto Italiano de Fotografía. Después de graduarse, vivió en Londres y Milán. Él trabajo como asistente de un fotógrafo en Londres durante unos años, hasta que se mudó a Nueva York y comenzó a trabajar como fotógrafo profesional. Desde 1995 está fotografiando moda y editoriales de belleza.

Déjate llevar por tu imaginación con más arte del año. Lugares, prints gráficos, color y cultura pop no faltarán a la fiesta.

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Expresión Urbana. Markus Hartel.

2012.11.26

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com
FOTÓGRAFO MARKUS HARTEL: http://www.markushartel.com/

La propensión de la humanidad a esconder la tierra entre el hormigón puede animar a muchos fotógrafos a escaparse a zonas vírgenes, pero eso no significa que todo lo que hemos creado sea una monstruosidad. Es cierto que la mayoría de entornos urbanos no pueden competir con un paisaje natural impresionante, pero algunos tienen mucho que ofrecer, tanto elementos antiguos como modernos, así que es probable que encuentre algo que valga la pena capturar. Además de los propios edificios está la gente que los habita. Esas personas, de todas las clases sociales, es lo que fascina al diseñador gráfico y fotógrafo callejero de Nueva York Markus Hartel. Cuando se prepara para pasar un día en la calle. Markus reduce su equipo a lo esencial y se fija en qué tiempo hace. Nos explica: “Normalmente capturo sólo con un cuerpo y un objetivo fijo, preferiblemente un 28mm. Intento evitar la luz directa del sol, así que salgo tarde o llevo un flash para usar una luz de relleno ligera. Si llueve, tengo una bolsa con cremallera para proteger la cámara. Cuando salgo a pasar todo el día fuera, llevo dos o tres cámara diferentes, objetivos, varias tarjetas de memoria y un flash. Es fundamental llevar unos zapatos cómodos, y es buena idea utilizar varias tarjetas de memoria pequeñas, ¡en lugar de jugárselo todo a una carta!”. Ver más información del artículo

ROBERT MAPPLETHORPE. Con él llegó el escándalo.

2012.11.22
TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19
ESCRITO POR LOLA GARRIDO.
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Si hay algún fotógrafo que consiguió escandalizar a una manada de puritanos ése fue, sin duda, Robert Mapplethorpe. La censura de sus fotografías en una exposición celebrada en 1989 en Washington en la Corcoran Callery, titulada “The perfect Moment”, y que fue anulada, hizo más por su obra que su talento.
Nacido en Nueva York en el año 1946, sé formó en el célebre Pratt lnstitute de Brooklyn. Durante los sesenta comienza a publicar en “lnterview” (la revista editada por el “papa” del pop: Andy Warhol) una serie de retratos de personajes célebres de esa época en la que por las calles de Nueva York era posible ver al mismísimo pintor vender los números de su revista.
Involucrado en los ambientes musicales y artísticos de su ciudad, su vida es un compendio de enciclopedia de actitudes de esos medios. Asiduo de los ambientes gays del bajo Manhattan, son sus retratos homo-eróticos los que le llevan a ser conocido por el gran público.
Mapplethorpe en la época del sexo-duro, antes de la conmoción del Sida, frecuentará todos los templos del sadomasoquismo, las estrellas de los lugares más cutres, y de ellos retratará sus prácticas, sus símbolos, así como todas las figuras emblemáticas de esos lugares.
Lo que más molesta, sin duda, de ese trabajo es que retratando lo más caliente lo haga de una manera distanciada, muy localizada, sin ningún atisbo de emoción. Un hombre obsesionado con la belleza, un hombre obsesionado con el sexo. Posiblemente, un hombre obsesionado con la fama que encuentra por su calidad artística, con el éxito. Ver más información del artículo

La estética Man Ray.

2012.11.10

TEXTO LITERAL DE LA PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/
ESCRITO POR ALBERTO MARTÍN.

Fue un artista total. Pintó y creo con la cámara imágenes insólitas. Surrealista, vanguardista, revolucionó la moda, la publicidad y el retrato. Man Ray liberó a la fotografía de sus funciones documentales. La elevó a la categoría de arte.

“Yo creé a dadá cuando era niño y mi madre me zurraba. Yo podría proclamar que soy el autor de dáda en Nueva York”. Así se expresaba Man Ray (Filadelfia, 1890; París 1976) en un texto para el catálogo de la gran retrospectiva de dadá en Düsseldorf que aparece reproducido en su autobiografía, titulada Autorretrato. Y de hecho, en lo fundamental, y a pesar de su progresiva asimilación con el surrealismo, puede decirse que Man Ray mantuvo su espíritu dadaísta hasta el final de sus días. El carácter combativo y provocador del movimiento dadá se ajustó perfectamente a la personalidad inquieta, individualista y un tanto contradictoria de Man Ray. Quien llegaría a ser uno de los principales responsables de la toma en consideración de la fotografía como arte, publicó un famoso opúsculo (obra científica o literaria de poca extensión) con el rotundo título de La fotografía no es un arte. Preguntado años después si seguía manteniendo esa opinión, respondió que había revisado un poco su actitud, llegando a la conclusión de que “el arte no es fotografía”. Probablemente sea esa la actitud irónica y aparentemente distanciada, plagada de afirmaciones provocadoras, la que mejor defina no sólo su personalidad, sino también su trayectoria artística y la posición que ocupó en la vanguardia artística de la Europa de entreguerras.

 RETRATOS CON CÁMARA. Y retrato de la bailarina Ady Fidelin 81937), su musa.

SURREALISTA Y DADÁ. ‘Las Tres Gracias’ (1930). Fotografía de una aerografía de 1919 destruida por el propio Man Ray.

Su afán de experimentación y búsqueda había dado comienzo ya en Nueva York, sobre todo a raíz del descubrimiento de arte de vanguardia europeo en el Armory Show en 1913, y de su encuentro con Marcel Duchamp en 1915, con quien iniciaría una amistad y una colaboración que duraría el resto de sus vidas. En esa época inició una intensa militancia dadaísta y comenzó a aplicar nuevas técnicas en su trabajo, como sus pinturas aerógrafas, en las que colocaba objetos y plantillas sobre el lienzo que luego rociaba con pintura, o el método cliché-verré para hacer impresiones de dibujos hechos directamente sobre el negativo. Y sobre todo empezó a utilizar la cámara para fotografiar  objetos construidos, o descontextualizados y separados de su unción originaria gracias al pie de foto (como la famosa imagen de la batidora de huevos titulada Mujer); objetos que después surgió realizando a lo largo de casi toda una vida, y a los que llamó “objetos de mi afecto”. Toda esta evolución iniciada por Man Ray en Ver más información del artículo