Tierras de nadie. Paisajes-concepto. Joan Fontcuberta.

2012.09.18

TEXTO LITERAL REVISTA ARTE FOTOGRÁFICO: http://www.artefotografico.es/

JOAN FONTCUBERTA: http://www.fontcuberta.com/

Desde su aparición en el siglo XVI como género autónomo, el paisaje se consideraba la representación de la naturaleza, entendida ésta como todo cuanto quedaba fuera de las murallas de la ciudad. Con el tiempo las ciudades crecieron y entraron en conflicto con la naturaleza, pero desde la irrupción de Patinir gozamos de obras como las de Constable, Turner o Cézanne y todo parecía ir bien. Sin embargo, el capitalismo, la industrialización, el consumo y la facilidad en las comunicaciones llevaron a la naturaleza a una crisis irresoluble, mientras que el postmodernismo ponía en entredicho el concepto mismo de representación. Ante ese doble cuestionamiento, ¿qué sentido tenía hablar de paisaje?
El arte contemporáneo, implementado con la incorporación de la fotografía, no se ha rendido ante ese escollo. De un paisaje escenario de acontecimientos se ha pasado a un paisaje experiencia del lugar (como el land art) y de ahí, finalmente, a un paisaje concepto, es decir, aun paisaje entendido como pretexto para una reflexión sobre la realidad y sobre el lenguaje con que lo evocamos.

Serie Semiópolis (199-2001).
En esta dirección, la obra de Joan Fontcuberta ofrece múltiples ejemplos que rebosan de creatividad y rigor, en los que sintomáticamente la fotografía de naturaleza es un recurso para llegar a la naturaleza de la fotografía.
Palimpsectos (1988-1993): Fotogramas realizados emulsionando carteles de museos de arte y papel decorativo que incluyen, en ambos casos, figuras ornamentales  de la naturaleza, como flores o pájaros.
Terrain vague (1994-1998): Foto-quimigramas que solapan una fotografía convencional de paisajes industriales y urbanos con un fotograma realizado con objetos de desecho encontrados en los mismos paisajes fotografíados.
Semiópolis (1999-2001): Imagen de la primera página de grandes libros de filosofía, religión, ciencia, literatura o política en escritura braile, fotografíados a contraluz y en picado, como si fueran paisajes cibernéticos o virtuales.
Securitas (2001-2002): Fragmentados del dentado de llaves convertidos en imágenes de cadenas montañosas.
Orogénesis (2003-2006): Paisajes virtuales de apariencia fotorealista generados por un software topográfico que interpreta obras maestras de pintura y de la fotografía como si fuera mapas.
Su denominador común no escatima guiños a la historia del arte y a la semiología y es a la vez una crítica del espacio hecho cultura y del valor ilusoriamente documental de la imagen fotográfica. Se trata, en definitiva, de trabajos que a lo largo de dos décadas trazan un exploración iconoclasta que, aboliendo fronteras y prejuicios, nos traslada a unos paisajes paródicos: Las nuevas tierras de nadie en el ámbito de la representación y de la experiencia.

 

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Instante amarillo. Manuel Vilariño.

2012.08.21

TEXTO LITERAL REVISTA ARTE FOTOGRÁFICO: http://www.artefotografico.es/

MANUEL VILARIÑO: http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_Vilariño

En la década de los ochenta aparece en la palestra fotográfica el coruñés Valariño con una obra muy profesional que denotaba su autoría para más tarde combinar el monocromo con el color y dotar a su trabajo de una expresión más reflexiva e intimista presentado en la actualidad un trabajo abierto a diferentes líneas de actuación. En el 2007 se le concede el premio Nacional de Fotografía que otorga el Ministerio de Cultura ocupando el puesto catorce de los fotógrafos destacados.

“Fotografiar es un ejercicio de soledad, una aventura personal en el territorio de la imaginario que es el territorio de lo poético, poetizar imágenes. Entiendo la fotografía como cosa para sondear en lo oscuro, arte de las sombras, y también para andar en el mundo íntimo, una mirada hacia el interior, al adentro de la vida.” Manuel Vilarillo.

ESCRITO POR ANTONIO CABELLO.

Las fotos de Vilariño se fundamentan, según el propio fotógrafo, en un discurso basado en filosofías alimentadas entorno a transmigración del ser y en su dualidad mística que se dá en la existencia formando parte de la disertación previa o posterior que acompaña al trabajo fotográfico de Manuel y del que es necesario su estudio para poder encontrarse frente a frente con sus imágenes sin que su narración resulte chocante.

La combinación de estilos, técnicas y mensajes son la actualidad fotográfica del Premio Nacional de Fotografía, su trabajo al gusto de las nuevas tendencias cuenta con los parabienes de esa nueva receta de situar los mensajes fotográficos en las fundaciones y museos en los que tiene cabida las emergentes piezas de arte.

Su trabajo queda reflejado en esta publicación sobre las fotos que han sido expuestas en la cincuenta y dos Bienal de Venecia y difieren bastante de la obra inicial por la que fue conocido este fotógrafo, sin abandonar la combinación de objetos en composiciones geométricas con animales.

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Yokai Zyukkei “paisaje con monstruos” Mimi kato

2012.08.10

TEXTO LITERAL REVISTA ARTE FOTOGRÁFICO: http://www.artefotografico.es/

MIMI KATO: http://www.mimikato.com/

La japonesa Mimi Kato trae en este porfolio una propuesta basada en el diseño al igual que ocurre con otros autores que presentan sus trabajos en este número de Arte Fotográfico (nº 613 de la revista), solo que en esta ocasión la imagen vectorial sirve de decorado a la escenografía que recrea unos paisajes encarnados por la propia fotógrafo, y que relata su obra de esta peculiar manera:

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La asfixia reveladora.

2012.07.29

TEXTO LITERAL DE PUBLICACIÓN TDLUX: http://www.dtlux.com

ESCRITO POR PEDRO ESTRADA.

WEB DE TOMOHIDE IKEYA: http://tomohide-ikeya.com/

El japonés Tomohide Ikeya sumerge a sus modelos en una catarsis subacuática que libera la mente, a través de la lucha por la vida, para reflexionar sobre el control.

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El crepúsculo americano. By Gregory Crewdson.

2012.06.04

TEXTO LITERAL DE PUBLICACIÓN TDLUX: http://www.dtlux.com

Frustraciones y deseos convertidos en imágenes. El sueño americano no es tan dulce tras el objetivo del fotógrafo Gregory Crewdson. Horas de trabajo para crear escenarios de cine dan como resultado lo que ves.

TEXTO JUAN MAYORAL

Dylan on the Floor.

Concibe sus fotografías como una superproducción de cine. De hecho hay quien ve en él un director de fotografía más que un simple fotógrafo. Horas de minuciosa preparación a cargo de un complejo equipo, durante las que el mínimo detalle requiere de un infinito cuidado, precede al disparo que, en ocasiones, ni siquiera realiza él. Da igual. Lo que atrapa el estaunidense Gregory Crewdson (Nueva York, 1962) no es su exquisita ejecución, ni siquiera su depurada técnica o su concepción única del escenario. Todas esas características adornan sus fotografías, pero son las sensaciones que transmiten lo que cautiva de ellas; más allá de la estadística, el sentimiento que de ellas emana. Ver más información del artículo

Manuale d’amore

2012.06.01

TEXTO LITERAL PUBLICACIÓN VOGUE (ESPAÑA): http://www.vogue.es

Con la complicidad de la firma Mulberry, el fotógrafo CHRIS CRAYMER Rretrata el sentimiento amoroso en su libro Romance.

Tratar de capturar el espíritu de esa cosa llamada amor en una fotografía no debe ser tarea sencilla. Pero el fotógrafo londinense Chris Craymer parece haberlo logrado con el libro Romance (Bene Factum Publishing Ltd.). En él, 130 imágenes en blanco y negro o en color que retratan modelos, profesionales o no, pero siempre parejas en la vida real. La firma Mulberry, atraída por la belleza de estas instantáneas, no sólo patrocina el libro, sino que lo presentó en distintos actos en N.Y., Londres, Hong Kong y París, y exhibió las fotos en sus escaparates.

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Estilo indirecto: En el Bòlit, Centre d’Art Contemporani de Girona.

2012.05.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA REVISTART: http://www.revistart.com/

Aunque ya ha pasado la fecha de la exposición, este artículo es muy interesantes para conocer trabajos de varios fotógrafos.

Bajo la proposición de que el presente impone ciertas limitaciones al futuro, el comisario Martí Peran representa en el Bònit “Estilo indirecto”, una muestra que reúne la obra de ocho artistas contemporáneos: Jordi Colomer, Adrià Julià, David Maljkovic, Chris Mottalini, Javier Peñafiel, Peter Piller, Thomas Steinert y Eve Sussman/ Rufus Corporation.

Adrià Julià. Indicios para otro lugar, trabajo de 2008.

LA MODERNIDAD FUE una época de grandes y numerosas promesas. Sin embargo, las posmodernidad después y la modernidad líquida ahora, han confirmado que el futuro es un concepto “no-pensable” en términos proféticos. Ello no significa que no sea necesario considerar los instantes más próximos que continúan en nuestro presente a través de una mirada optimista, si cabe, del pasado. Para ello, para proyectar al futuro distintos episodios del pasado, cargados todavía de esperanza y posibilidades, se han servido los artistas del medio fotográfico expresado a través de un “estilo indirecto”, una modalidad narrativa en la que el narrador se apropia de la voz de los personajes, para editarla de manera subordinada a su propia posición. El estilo indirecto implica siempre la existencia de la selección de la información por parte del narrador mientras hace de nosotros, los espectadores, un narratorio (el lector implícito creado por el narrador) que no tiene ningún rastro textual. Sin embargo, podríamos precisar que, aunque no “estemos”, compartimos con el narrador la no implicación en la historia, lo que nos convierte en espectadores (lectores) extra-heterodiegéticos. Un todo, eficaz instrumento, que experimenta esta “impaciente (re)construcción política de nuevos horizontes”. Cada uno de los ocho trabajos fotográficos dan cuenta de la tensión entre la memoria y la predicción desde dos puntos de vista diferentes pero convergentes: la revisión del pasado por un lado y la historia revisitada por otro.

Peter Piller. Dauerhaftigkeit (Durabilidad), 2005 Gelatina de plata, 24 x30 cm © Peter Piller/VEGAP, cortesía Galería ProjecteSD, Barcelona

La revisión del pasado no es un ejercito de nostalgia, como en principio podría parecernos, sino que, en palabras de Martí Peran, “(la mirada) toma un atajo por la que se podría acelerar la llegada del futuro soñado”. Dentro de este planteamiento encontramos “Indicios para otro lugar” (2008) de Adrià Julià. En este trabajo, Julià estudia un proyecto arquitectónico de mediados del siglo XIX realizado en los Estados Unidos a partir de la aplicación en un contexto “impropio” de las ideas utópicas del francés Charles Frourier, analizando precisamente la historia y consecuencia del falansterio a través del Ver más información del artículo

Joel-Peter Witkin.

2012.04.18

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA MAN: http://www.revistaman.es/

ESCRITO POR JAVIER CASADO.

Texto extraído en Abril de 2012. Es por contextualizar la entrevista.

Crea imágenes muy inquietantes con modelos poco habituales: gente con deformidades físicas, enanos, transexuales, aficionados al sadomaso y, lo que más jaleo provoca, cadáveres o partes de ellos.

>Nació en Nueva York en 1939>Fue fotógrafo militar entre 1961 y 1964>Solo utiliza métodos de la fotografía tradicional>Se declara católico.

Joel-Peter Witkin tiene seis años sale de casa con su madre y su hermano gemelo Joreome para ir a misa. Brutalmente, tres coches cargados con otras tantas familias chocan enfrente de ellos y una niña resulta decapitada. Su cabeza rueda por la calle hasta los pies de Joel-Peter, que en vez de salir corriendo se agacha para tocarla e intenta hablarle, pero alguien le agarra y se lo lleva de allí. Estamos en Brooklyn y Estados Unidos acaba de despachar la II guerra mundial soltando dos bombas atómicas sobre Japón.

Ese niño se ha convertido en un autor clásico de la fotografía del siglo XX, que sigue sorprendiendo en el XXI con el romanticismo macabro y fascinante de sus obras. Su obra puede verse ahora en París, en una muestra que recoge la Biblioteca Nacional de Francia hasta el 1 de julio. Hablamos con el autor cuando está en su casa en Nuevo México, positivando día y noche las imágenes para la exposición. Soy uno de los pocos fotógrafos que hace sus propias impresiones”, dice.

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Chema Madoz. La belleza de la confusión.

2012.04.05

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

CHEMA MADOZ: http://www.chemamadoz.com/

BORRAR LAS FRONTERAS, establecer nuevos códigos, romper con lo útil, hacer visibles los sueños y romper las reglas establecidas es una de las posibilidades del arte. Seguros de nosotros, nombramos y reconocemos las cosas porque anteriormente otros les dieron nombres.
Chema Madoz reconvierte los objetos para ofrecérnoslos nuevos a nuestros ojos. Si tienen algo en común es su inutilidad después de que hayan sido reciclados. Puede que Chema Madoz sea un fotógrafo puro, un neosurrealista o un artista conceptual, pero de lo que no cabe duda es que es un artista fronterizo, un irónico sin cinismo que recoge varios estilos para mezclarlos con su fantasía y convocar a la gente entre las orillas. Realidad e irrealidad son su juego; ambigüedad y belleza su resultado.
Existen objetos que por su excesiva presencia ya no los vemos, se nos presentan demasiado obvios, demasiado cotidianos. Este fotógrafo, con cosas comúnes crea esculturas, demostrando que la verdad entera siempre genera un exceso, una situación que con violencia resume todo, acerca de cualquier cosa Las cosas no son como son, sino como nosotros las vemos o como nos las hacen ver. Lo auténtico raramente es verdad y raramente existe. lnventamos y soñamos para vivir. El inventar, el repensar objetos son actos que devienen gestos para desmentir lo que simplemente existe.

Beatriz Sancho. New York 2001.

2012.02.28

FOTOGRAFÍAS DEL Nº 13 DE LA REVISTA EASY_50

FOTOGRAFÍAS DE BEATRIZ SANCHO: http://www.beasancho.com/

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