Moholy-Nagy. El artista pluridisciplinar.

2012.02.04

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

László Moholy-Nager nació en Bácsborsód (Hungría) en el año 1895. Cursa estudios de Derecho en la universidad de Budapest y durante esos mismos años escribe en diversas revista de vanguardia, varios poemas titulados Licht-Visión. Es herido en el frente ruso y durante su convalecencia en Odessa en 1919, decide consagrarse definitivamente a la actividad artística. Se adhiere al grupo húngaro de vanguardia MA. Deja su país y se instala en Viena en 1921 y allí conoce a Hannan Höch. Esta le regala un fotomontaje hecho por ella, lo que le llevará a interesarse por esta técnica innovadora. Más tarde abandona Viena y se instala en Berlín donde se muestra fascinado por la tecnología, por el constructivismo y el dadá. Sus primeros collages y pinturas geométricas datan de esta época berlinesa.
Contrae matrimonio con la fotógrafa Lucía Schultz que es quien le inicia en la fotografía y comienza a realizar sus primeros fotomontajes.
Cuando se crea la República de Wéimar, Walter Gropius, el cual dirige la célebre escuela de Bauhaus, le llama como profesor y es allí, en 1925, donde se publica el mítico Pintura, fotografía y film que marcará un hito en estas disciplinas artísticas. A partir de ese momento determinado abandona la Bauhaus para dedicarse al collage y a la decoración teatral en Berlín, en el célebre teatro Piscator.
Es el inventor del término cinetismo y en ese momento realizar alrededor de ocho filmes. Cuando se traslada a vivir ala ciudad de Amsterdam comienza a probar el uso del color tanto en cine como en fotografía. Su sed de aprendizaje y causas de diversa índole hacen de Moholy-Nagy el eterno exiliado, las residencias en diferentes ciudades sesuceden y recala en Londres, ciudad en la que trabaja como grafista en películas y hace ilustración para algunos reportajes. En 1946 emigra a los Estados Unidos donde volverá a la enseñanza en la nueva Bauhaus que se crea en Chicago y cuando ésta se cierra, crea su propia escuela, School of Design of Chicago, con la ayuda de su segunda esposa, Sibyl. Es en estos años en los que se consagra a escirbir su gran obra teórica: Vision in Motion, que aparecerá después de morir de leucemia en esa ciudad norteamericana.
Para Moholy-Nagy, “no existe imagen más sorprendente ni más simple que la secuencia fotográfica natural y orgánica. (…) Por el sentido de sus partes, separadas pero inseparables, una secuencia fotográfica adquiere al mismo tiempo la fuerza de un arma y el lirismo de la ternura”.
Moholy-Nagy es el proptotipo de artista de los años 20, años del regreso del Orden, de las búsquedas y alianzas entre el arte y la industria.

Richard Billingham. Retratos de una Obsesión.

2011.11.23

PARTE DE UN TEXTO COPIADO DE FORMA LITERAL DE LA PUBLICACIÓN VANITY FAIR: http://www.revistavanityfair.es/

ESCRTO POR IANKO LÓPEZ.

SALVAJE CONTINUIDAD Hace unos 15 años, Richard Billingham (1970), un jovencísimo fotógrafo británico llamaba la atención de los aficionados con una serie llamada Ray’s A Laugh, retrato descarnado, terrible y, sin embargo, extrañamente tierno de una familia de clase obrera (la del propio artista), marcada por el alcoholismo y la inestabilidad psicológica. Sus imágenes no ahorraban un sólo detalle del horror cotidiano, pero evitaban el tremendismo gracias a una ironía sutil. Después de este éxito, que lo catapultó al primer plano de la escena artística, reincidió con Zoo, donde sus padres eran sustituidos por animales enjaulados, en un nuevo fresco de la decadencia y la desesperanza.

Sin título, 2007, Richard Billinham.

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Warhol en 26 letras.

2011.10.27

TEXTO LITERAL REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

ESCRITO POR CÉCILE GUILBERT.

20 años después, el arte de Andy Warhol es tan difícil de describir como su propia personalidad. Este abecedario es un intento de clarificarlo.

A — ARTE: Coleccionista frenético que, a través de su arte liquidó a la pintura, no le tenía miedo a las paradojas: “Creo que poseer la tierra y no maltratarla es el arte más bello que podamos desear tener”.

B — BUSINESS: Pasión derivada de este hombre de origen humilde convertido en ilustrador, pintor, fotógrafo, cineasta, productor, grafista, escritor, periodista, editor, director artístico, actor, modelo, presentador de televisión. Él sí que transformaba en oro todo lo que tocaba.

C — CASTIDAD: Régimen autoimpuesto después de una primera y última experiencia sexual a los 25 años. Warhol no conoció más que el amor platónico. A los 53 años aseguraba que seguía siendo virgen al tiempo que confesaba su gusto por la pornografía.

D — DANDISMO: “Después del Maquillaje, es la ropa lo que hace al hombre”, decía una persona que jamás separaba su vida de su arte y que hizo de su peluca seña de identidad.

E — EGO: Estaba desprovisto de él a pesar de su legendario deseo de fama: Explica su tendencia a delegar en asistentes, socias, robots o marionetas, y su gusto por el anonimato (se quería llamar Juan Nadie o Señor X. Incluso llegó a registrarse en un hospital como Bob Roberts).

F — FRIALDAD: Cualidad central de su arte y de su personalidad, lo mismo que superficialidad, anestesia, neutralidad, impersonalidad, tautología, banalidad, pasteurización, artificialidad y otras.

G — GLAMOUR: Parecía fascinarle aún más que la belleza, la riqueza o la fama. Tal vez porque, en definitiva, las reúne a todas. De ahí el subtítulo de su revista Interview: The Monthly Glamour Gazette.

H — HUMOR: “Las personas raras son las únicas que verdaderamente me interesan. Cuando dejan de ser raras, las personas me aburren”.

I — INTERVIEW: Revista de cine underground que creó en 1969, fue la precursora en un futuro en el que las celebridades se entrevistaban unas a otras. Además fue una empresa estratégica que se convirtió en un vivero constantemente renovado de retratos de famosos.

J — JET SET: Constelación de ricos y famosos transatlánticos inclasablemente frecuentados (AW´s Party´s Book), fotografiados (Interview) y criticados (Journal). ¿(Falsos) amigos?

K — KARL (LAGERFEELD): Compañero durante muchos años de la jet set y su mejor discípulo. Este mercenario multimarca es a las tendencias lo que Warhol fue al arte: lo toca todo, se multiplica, está en todas partes creando una moda de la que luego recoge dividendos planetarios.

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El libro de las marabillas.

2011.10.02

Una cuidada recopilación de Joan Fontcuberta

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: El libro de las mil marabillas, de la editorial Actar D en castellano.

AUTOR: Joan Fontcuberta

Si hay algún fotógrafo que haya puesto en duda constantemente la capacidad de la fotografía de reflejar la realidad, este ha sido y sigue siendo Joan Foncuberta. Teórico, docente, crítico y fotógrafo, Foncuberta ha sido todo dentro del mundo de la imagen. “El libro de las maravillas” es el catálogo que se ha editado la exposición que tuvo lugar recientemente en La Virreina, Centre de la Imatge de Barcelona. La exposición antológica mostró las obras más destacables de la impresionante trayectoria profesional de este fotógrafo catalán. Para los que no pudieron acudir a la cita, siempre les quedará este cuidado libro, editado por Actar, en el que se acogen sus veinte trabajos más significativos. A lo largo de su vida Foncuberta ha flirteado con la política poniéndose en la piel de conocidos dirigentes, ha  experimentado con la ciencia hasta el punto de pisar la luna y ha exprimido a la naturaleza para crear realidades ficticias, con el objetivo de hacernos dudar hasta de nuestra sombra. En definitiva, este libro es una buena herramienta para tratar de comprender su obra, cuyos proyectos llevan por nombre palabras como “Hemogramas”, “Polimpsestos”, “Caligramas de luz”, “Frottogramas” o “Orogénesis”, por citar algunos.

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Santiago Sierra.

2011.09.28

PARTE DE UNA DE UN ARTÍCULO DE LA REVISTA NEO2.

ESCRITO POR ISABEL YÁÑEZ.

Este madrileño afincado en Méjico desde el 95 es uno de “nuestros” artistas con más proyección internacional. ¿Podemos presumir de su nacionalidad? (En internet aparece como artista mejicano e incluso como cubano). Su obra radical y polémica no admite medias tintas, paga a los personajes de sus acciones para que demuestren el sufrimiento propio y ajeno.

Linea de 160 cm tatuada sobre cuatro personas.

Inconformista, radical, cínico, incomodo, polémico, perverso, escandaloso, ¿no es un poco duro vivir con esos apelativos? Yo no me los he colocado ni me identifico con ellos, así que no hay convivencia de ningún tipo entre ellos y yo. ¿Qué le dirías a quien asegura que tu obra no es arte? Hasta ahora no me ha sucedido, pero supondría que se trata de un teórico de la filosofía de la estética y me gustaría conocer sus planteamientos. Tu trabajo cuestiona la explotación de la producción capitalista pero se ha convertido en un instrumento de intercambio y posee un valor de mercado ¿paradoja? No hay ninguna paradoja, yo no cuestiono la explotación capitalista. ¿Que significado tiene la palabra ética para Santiago Sierra? Algo que se enseña al obrero para que desempeñe mejor su labor. Influencias: La manera directa y contundente de planear las cosas en la escultura norteamericana de la antiforma y del arte pobre italiano o el radicalismo de los autores alemanes de los sesenta siempre está en mi mente. Por otra parte el minimalismo es la mejor escuela de sintaxis por lo que uso de base formal. También me aportó mucho el trato directo con artistas de enorme integridad como Stanley Brown e Isidoro Valcárcel Medina. En México Teresa Margalles me inpactó fuertemente por sus estrategias radicales, para hablar de temas duros no puedes andarte con sofisticaciones. Proyectos: no me gusta contar piezas públicamente antes de hacerlas, me pillo los dedos y me quedo sin capacidad de maniobra. Nivel de Inglés: De autodefensa. Lo mejor y lo peor de la cultura anglosajona: No existe una cultura anglosajona, su carácter universal la hace múltiple y mestiza. Podría referirme a su supuesta esencia inglesa pero esa cultura es importante gracias a EEUU no a Inglaterra y de ahí por ser nuestra lengua franca. Aunque yo creo que para esta entrevista lo que quieres son frases cortas y chocantes así que me someto y diré que lo que menos el desayuno y lo que más es el punk. Lo mejor y peor de la cultura hispana: Lo mejor Camilo Sexto, lo peor los Pecos. ¿Por qué te fuiste a vivir a Méjico?: Para comer tacos. ¿El futuro es Spanglish?: No, será autrohúngaro con un toque rasta. Hamburguesa o tortilla de patatas: Ufff.

133 personas remuneradas para ser teñidas de rubio.

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La fotografía de José Morraja.

2011.08.03

Este artículo es de hace muchos años. Me imagino que José Morraja ya no tendrá 22 años y no estará estudiando Bellas Artes.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/

FOTÓGRAFO JOSÉ MORRAJA: http://josemorraja.com.mialias.net/web/home.html

Soy fotógrafo, tengo 22 años, nací en Castellón y vivo en Valencia. Última exposición: A primeros de abril en un pueblo cerca de Castellón. Una serie de fotografías y unas proyecciones nocturnas hacia el exterior. Próxima exposición: Por el momento quiero descansar para acabar las nuevas series. Además estoy preparando las fotos de moda y un artículo para el siguiente número de la revista d(x)i. Lo vamos a presentar en Barcelona en junio. Obra: Actualmente mi trabajo pretende investigar y definir a una generación que yo denomino la “STAR GENERATION”. Fotografías y textos que muestran la levedad y superficialidad de infinitud de personas en busca de su identdad. Ser lo más de la discoteca. Llevar el mejor peinado, la mejor ropa, los mejores complementos… Un juego a doble cara donde la máscara es la protagonista. En ningún momento pretendo estar en contra de esta situación. La adoro. Simplemente juego a una autocrítica para que el espectador sea Ver más información del artículo

Eikoh Hosoe. Elogio de lo esencial.

2011.08.01

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Eikoh Hosoe forma parte fundamental de la fotografía japonesa moderna. Sus comienzos como documentalista del Japón de la posguerra devienen con rapidez en un estilo más personal, marcado por la influencia del teatro y la mitología. Sus personajes metafóricos, en los que la realidad y la ficción se mezclan, son símbolos de un mundo posnuclear y tradicional, fruto de sus colaboraciones con el escritor Mishima y el creador del “bhuto“, Tastsumi Hijikata. Esta especie de ballet da lugar, en el trabajo de Hosoe, a fotografías híbridas en las que mezcla la “performance”, la biografía y el instante fugaz. Hosoe es una figura innovadora, mezcla de artista, divulgador y embajador de una cultura artística lejana, rica y plena de hallazgos poéticos.

EIKOH HOSOE, Kazuo Ohno, 1994.

Evacuado durante los bombardeos de Tokio a la edad de doce años, en septiembre de 1945, tardará dos años en volver a su ciudad. Sus primeros trabajos, en 1947, tratan de recordar y retratar una tragedia que resolverá con un lenguaje teatral y mítico, alejado de los que fotógrafos japoneses como Ken Domon o Somei Tomatsu habían realizado hasta ese momento sobre Hirosima y Nagasaki. En una cultura en la que lo esencial forma parte del arte, el barroquismo de Hosoe sorprende. Sus posteriores trabajos consisten en documentar los bares más canallas y las prostitutas de Tokio, para dar cuenta de los cambios en una sociedad en plena evolución.

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Magia instantánea. Polaroid.

2011.07.18

TEXTO LITERAL DEL SUPLEMENTO “YO DONA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/yodona/
ESCRITO POR CRISTINA DÍAZ: http://www.cristinadiaz.net/

Pese a la firme intención de Polaroid de dejar de fabricar su legendaria película, sus admiradores han puesto en marcha una autentica revolución, certificada por la revista `C-Photo´, que da nuevos bríos al más pop de los formatos fotográficos.

Con el aséptico brillo y perfección de los formatos digitales plenamente instalados en nuestras vidas, son muchos los inventos que han desaparecido, más que con discreción, directamente cabizbajos y por la puerta de atrás. Cacharros de nuestra infancia, como el disquete (que almacenaba la friolera de… ¡1,4 megas!) o la cinta VHS (que hizo temer el fin del cine y, lejos de eso, consiguió popularizar el porno), dejaron de fabricarse el pasado año. Estos ingenios, llamados a cambiarmos la vida, se esfumaron sin que soltáramos una lágrima. Nada que ver con los ríos de tinta (y bits) que hizo correr el anuncio en febrero del fin de la mítica Polaroid. Paradojas de la vida moderna, la noticia provocó que los aficionados se lanzaran ávidos a aprovisionarse de la conocida película instantánea (fans del mundo, respirad tranquilos: se rumorea que otra empresa tomará el relevo en la producción de los cartuchos).

Iman (1987), de Peter Beard.

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Andrés Serrano. Hablando de lo único.

2011.07.07

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

ESCRITO POR LOLA GARRIDO.

Andrés Serrano se dio a conocer masivamente por aquello que se encuentra más alejado del arte: la censura. El escándalo propiciado por una fotografía considerada obscena le catapultó por todo el panorama internacional. Serrano demostró que no sólo era un provocador, sino que la categoría de sus imágenes iba más allá del mero escándalo. Sus posteriores trabajos le han posicionado en uno de los lugares de privilegio del arte actual y su obra ha ido adquiriendo una consistencia y profundidad que hacen de ella un clásico de la fotografía contemporánea, lo cual no es una contradicción aunque suene como tal.

La obra artística de Serrano cabalga siempre entre la dualidad y ello es resultado de la mezcla de sangres y culturas. Nacido en el neoyorkino barrio de Brooklyn, creció en la zona italiana de Williamsburg, hijo de afrocubana y hondureño, su difícil niñez, —ya que rara vez vio a su padre, embarcado continuamente en un barco mercante—  a lo que hay que unir las dificultades de su madre, que jamás llegó a hablar inglés, están presentes a lo largo de todo su trabajo artístico. Su cultura visual, eminentemente latina, y su desarraigo pueden ser la causa de su iconografia religiosa y transgresora.

“Pieta” Andrés Serrano 1985.

Su estilo es una suerte de violencia y de imágenes que recurrentemente tratan sobre la muerte, el cuerpo y sus fluidos en una trama desasosegante que tritura nuestras miradas buscando herir la sensibilidad. Serrano es un artista de color que evita el blanqueamiento de las imágenes. La violencia está ahí y él nos la presenta sin un ápice de obviedad. Las escenas de morgue, de suicidados, su trabajo sobre Budapest son escenas llenas de inmovilidad que se transforman, una vez captadas por su cámara, en parte de representación de pequeñas obras teatrales brúscamente paralizadas como en los planos de Andrei Rublev.

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Margot Quan Knight. Mecenazgo del arte.

2011.06.10

Esta publicación es de hace unos años, ahora la página web citada <www.fabrica.it> ya no es existe. Para qué promover la cultura en estos tiempos.

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/
ARTISTA MARGOT QUAN KNIGHT: http://margotknight.com/

Margot Quan Knight (Seattle,77) fotografo, ha sido una de las artistas privilegiadas que ha pasado por La Fábrica. Esta institución pertenece al grupo Benetton, y actualmente es una de las canteras de jóvenes artistas más importante. Desde 1994, La Fábrica selecciona artistas de todo el mundo, para que, durante un periodo aproximado de 18 meses, desarrollen allí sus proyectos. <www.fabrica. it>

Explica cómo te las arreglaste para entrar en Fábrica. ¿qué tendría que hacer otro joven creador para ingresar en ella? Primero envié un dossier. Luego esperé durante un largo tiempo hasta que Fábrica me invitó para una prueba de dos semanas. ¡Llegué a ltalia para la prueba y trabajé como una loca! Al final de la prueba me ofrecieron una beca de un año en la Fábrica (aunque primero debía volver a casa a coger mi visa). Mi consejo es: haz tus tareas asegurándote de que la Fábrica es la experiencia adecuada para ti y en el momento adecuado de tu vida. Incluso si un vestido es muy bonito, te gusta asegurarte de que te vale antes de comprarlo.

1.Button / 2.Eggrock / 3.Meatfeet / 4.Blackdress / 5.Muscletree /

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