La exposición “correcta”.

2012.07.16

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “HAGA, RETOQUE  Y COMPARTA EN INTERNET SUS FOTOS Y VÍDEOS” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Normalmente se define “correcta” aquella exposición que permite recoger todos los detalles de la imagen. El exposímetro mide la cantidad de luz presente en la escena y sugiere los valores que deben definirse para la combinación tiempo-diafragma. Esto es lo que podemos leer en los manuales de instrucciones de las cámaras fotográficas y en muchos manuales de fotografía, pero no es una definición muy detallada.

En realidad es necesario aprender a considerar la exposición desde un punto de vista más creativo, dejando a un lado el convencimiento de que se trate de un simple dato numérico, de que exista una sola exposición “correcta” y que todas las demás son erróneas.

Contrariamente a lo que los manuales destinados a los principiantes enseñan con prisas, la “exposición correcta”, entendida en un sentido absoluto, no existe. Esto se debe a que el mismo sujeto puede asumir significados distintos dependiendo de cómo lo ha leído, interpretado y por consiguiente expuesto. En otras palabras, para cada sujeto existe una cantidad virtualmente infinita de posibles exposiciones, cada una de las cuales es capaz de contar algo de peculiar y característico.

¿LUCES Y SOMBRAS? Tomemos como ejemplo un bosque, el lugar la luz solar que se filtra por entre las ramas crea en el terreno manchas de luz cegadoras alternadas con abismos de sombras profundas. Ninguna película o sensor es capaz de traducir correctamente este elevadísimo contraste de tonos, por lo que es necesario tomar una decisión: exponer para las luces dejando que las sombras se pierdan en el negro absoluto, o exponer para las sombras dejando que las luces altas se “quemen” en el blanco absoluto.

↑ Fotografía en Sodeto (Comarca de Los Monegros)  Paula Juan Altemir. Fuertes luces se alternan con luces muy definidas.

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SOMOS UNO. Un homenaje a los publos indígenas.

2012.07.11

TEXTO LITERAL REVISTA DIGITALFOTO: http://revistadigitalfoto.com

TÍTULO: “Somos Uno. Un homenaje alos pueblos indígenas“, de la editorial BLUME  en castellano.

AUTORA: La periodista Joanna Eede.

“Todos somos uno” es el argumento conductor de este libro que reúne fotografías y textos que muestran la diversidad de las culturas indígenas de nuestro planeta. Página a página vamos recorriendo los rituales, lenguas, creencias, festivales y el día a día de estos pueblos que en la actualidad son amenazados y oprimidos.

El volumen recoge declaraciones de los propios protagonistas, estudios de expertos, extractos literarios… pero sempre acompañados por un periodismo gráfico. Todo esto a sido publicado coincidiendo con el 40 aniversario de la ONG Survival defensora de los derechos de estas culturas.

Arundhati Roy, Levi-Strauss, Eduardo Galeano, Noam Chomsky, Richard Gere… son algunos de los escritores y artistas que podrán encontrar en este homenaje. Entre los reporteros gráficos destacan Sebastião Salgado, Kate Eshelby, Mike Goldwater, Steve McCurry, Mirella Ricciardi, y Carol Beckwith.

 

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La nitidez de la imágenes.

2012.06.12

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 03 “FOTOGRAFÍA Y ÁLBUM ONLINE” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

El proceso de la creación de una imagen, tanto con una película como con las técnicas digitales, siempre debe hacer frente al problema de la nitidez. Habitualmente se producen imágenes que sufren falta de contraste en los bordes, y los detalles resultan ligeramente desenfocados. El primer responsable de este problema es el sistema óptico utilizado para reducir luz hacia el sensor de una cámara fotográfica o de un escáner, o sobre la película. Este elemento, como cada paso sucesivo que lleva a la creación de la imagen, conlleva una pérdida de calidad. Las ópticas más económicas, y, en consecuencia, de inferior calidad, son las que muestran en mayor medida este problema, especialmente las ópticas zoom y las de las máquinas compactas.

Cuando la luz alcanza el sensor, la estructura y la cantidad de fotositos, así como la calidad de los circuitos electrónicos, producen una pérdida de detalles. Ni siquiera las películas fotográficas están exentas de este problema: la cantidad de disposición del material sensible sobre la emulsión provocarán una degradación de la calidad de la imagen.

El mismo proceso de impresión, en el cual se hace necesario transformar los píxeles en gotas de tinta, produce una nueva pérdida de nitidez.

 Fotografía (autorretrato) de Paula Juan Altemir.

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La imagen de la costumbre fútil de pactar la realidad.

2012.06.10

PARTE DE UN TEXTO DE LA REVISTA REVISTART: http://www.revistart.com/

MIKI KRATSMAN COMENZÓ como fotógrafo de prensa, todavía se considera un fotógrafo de prensa, pero mientras llevaba a cabo su trabajo, se dio cuenta de la rutina difícil de que la vida cotidiana era el problema, aunque fuese visualmente menos impactante, de ahí que este secundario dramatismo visual se convirtiese para él en algo aún más importante de fotografiar. Fruto de ello son las series “Territory” (2005) y “Targeted Killing” (2010). Fotógrafo especializado en los territorios ocupados de Cisjordania. Así, las imágenes de Kratsman que han sido publicadas en diversas ocasiones se repiten también otras tantas en su archivo.

↑ Territory 3001-1 2005. Fotografía B/N, 90 x 90 cm, cortesía del artista y Chelouche Gallery, Tel Aviv.

El trabajo de Kratsman está pensado para ser visto en Israel, para él, si bien es importante, no es algo crucial ofrecerlo más allá de sus fronteras, sino que su verdadero objetivo es mostrar a su gente lo que está haciendo. Lo que convierte  esto en un hecho ciertamente transcendental ya que él, como israelí, al tomar esas fotografías impele a la sociedad israelí a decir que tienen que hacer algo al respeto. No en vano, Kartsman es un fotógrafo que considera cuidadosamente la posición desde la que aprieta el disparador de la cámara en su búsqueda de replicar la relación de poder desigual entre los palestinos e israelíes. La posición del fotógrafo es más importante a considerar, según él, porque crea un punto de vista, lo que consigue que sus obras sean ejemplos de ética más que la estética.

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El curioso vídeo de la cantante Clare Maguire.

2012.05.01

El otro día viendo la televisión, me apareció una rareza, el vídeo musical “Ain’t Nobody” de Clare Maguire. No había oído nunca hablar de esta cantante y pené: esto lo tengo que poner en el blog.

Este vídeo es un pequeña obra de arte. Se juega durante los 3 minutos y 53 segundos con el elemento del viento, mostrado el plano cerrado de Clare con el pelo en movimiento, las cintas negras que salen de su vestido y dedos, y esa tela roja que aparece en el vídeo. El color de esta tela no es casual, ya que cita “encuéntrame en el cielo rojo y baila conmigo”. Si nos fijamos hay un momento en que hay otra silla, que explota, detrás de Clare Maguire, apareciendo la tela roja citada anteriormente. Esta; a lo largo del vídeo se Ver más información del artículo

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Fotógrafos de desnudos: Algunos ejemplos.

2012.04.08

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 13 “EL RETRATO Y LA FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Desde 1847 el desnudo también ha sido objetivo de la representación fotográfica. Los primeros fotógrafos de desnudo fueron Philippe Debussy, Eugène Delacroix (el pintor usaba estas fotografías como estudio para sus cuadros), Eugène Durieu y Bruno Braquehais. Los mismos Alfred Stieglitz y Edward Weston se aplicaron en la fotografía de desnudo, llevándola claramente a altísimos niveles de perfección técnica.

VON GLOEDEN: (1856-19319 Wilhelm von Gloeden fue uno de los primeros fotógrafos de desnudo que se interesó por la representación de la desnudez masculina.

Retrato de Patti Smith realizado por Robert Mapplethorpe.

ROBERT MALPPLETHORE: Es uno de los fotógrafos más conocidos en lo que respecta la fotografía de desnudo. Su visión del cuerpo desnudo tiene un tono provocador y explícito. Sus imágenes están realizadas principalmente es estudio, con luces que tieden a esculpir los cuerpos y subrayar el aspecto material y físico del desnudo. Realizó retratos de personajes que sucesivamente se volvieron famosos (como Andy Warhol, Deborah Harry, Patti Smith), homosexuales en actitudes sadomaso. Malpplethore representa la cultura homosexual de Nueva York, realiza numerosos estudios de desnudo de género homoerótico ty una serie de imágenes que retratan la desnudez andrógina de la fisicoculturista Lisa Lyon. De este modo Mapplethorpe rompe con la tradición que veía al desnudo como representación idealizada del cuerpo humano en línea con la tradición clásica. La intención de sus fotos fue la de liberar la estética de una serie de tabúes que obstaculizaban el camino de la fotografía.

BETTINA RHEIMS: Es famosa por sus desnudos ambientados en su trabajo Chambre Close logró un éxito mundial.

HELMUT NEWTON: Un de los fotógrafos más conocidos cuando se habla de la fotografía de desnudo es Helmut Newton. Sus imágenes se caracterizan por su estilo menos provocador y más tendente a una estética endulzada y elegante. Apoyado por una gran habilidad técnica realiza desnudos perfectos y casi idealizados, donde se encuentran componentes ligeramente fetichistas, invadidos de un erotismo difuso y nunca agresivo. Su notoriedad llega con la serie Big Nudes de 1980.

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El bodegón.

2012.03.30

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 06 “APLICACIONES PROFESIONALES DE LA FOTOGRAFÍA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

↓ Fotografía “Cítricos 1” de Paula Juan Altemir.

La fotografía de bodegones se ocupa de la presentación de objetos inanimados; los bodegones, o naturalezas muertas, son temáticas afrontadas ya ampliamente por los pintores del pasado. Los cuadros de composiciones de objetos, flores, herramientas y frutas, efectivamente atraviesan toda la Historia del arte. Con la llegada de la fotografía, este género se empezó a practicar tanto como ejercicio estilístico, así como también como representación de objetos con fines promocionales. El bodegón sigue siendo muy practicado por los profesionales con fines publicitarios, científicos, documentales y artísticos, y al mismo tiempo puede ser útil a toda persona que quiera promover con buenas imágenes los productos que ofrece, o también simplemente objetos que quiere poner en venta en internet.

Recordamos que para conseguir un resultado realmente profesional es aconsejable acudir siempre a la ayuda de un experto. Sin embargo, no está de más hacer unas tomas de prueba con las que aprender a gestionar la iluminación en general.

 

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Aprender a mirar.

2012.03.12

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “HAGA, RETOQUE  Y COMPARTA EN INTERNET SUS FOTOS Y VÍDEOS” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

IMAGINAR LA IMPRESIÓN FINAL. Previsualizar significa “ver con los ojos de la mente” aquella que será la impresión final. Se trata en otras palabras de realizar un proyecto independientemente de aquellas que son las características circunstanciales del sujeto: lo que cuenta es tener el resultado final. Esta planificación será el  objetivo del trabajo fotográfico que implica no sólo la toma, sino también el revelado, la impresión y, cuando se trabaja con digital, la postproducción.

↑ Fotografía “Espacio 6” de Paula Juan Altemir.

PREVISUALIZACIÓN Y CONOCIMIENTO DEL MEDIO. El problema para los principiantes (aunque para algunos aficionados más “curtidos”) no reside en imaginarse el resultado final, sino en obtenerlo. A menudo observando sus propias fotos, el fotógrafo aficionado las encuentra banales, insignificantes y seguramente muy distintas de como se las esperaba, pero es precisamente en este punto donde entra en juego el conocimiento del medio, la experiencia y las capacidades adquiridas. Es a través de estos elementos que el fotógrafo experto consigue obtener exactamente la imagen que había previsualizado. El conocimiento en profundidad de los procedimientos que llevan a la formación de la imagen no es un ejercicio farragaso de tecnicismo puro, sino la herramienta esencial a través de la cual el fotógrafo doblega la luz a favor de sus exigencias propias.

Pensemos en el ejemplo del pintor, que conociendo las características y las prestaciones de cada uno de los pinceles y usándolos con la debida habilidad consigue obtener exactamente ese matiz, ese efecto de luz, ese movimiento que había imaginado en su mente aún antes de tratar a carboncillo el esbozo de la obra. De la misma manera sólo el fotógrafo que conoce a fondo las herramientas de trabajo propias y las sabe usar hasta los límites de sus posibilidades técnicas consigue transmitir al espectador la imagen que había previsualizado.

 

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El pictorialismo.

2012.02.19

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “HAGA, RETOQUE  Y COMPARTA EN INTERNET SUS FOTOS Y VÍDEOS” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Las primeras fotografías de paisaje se limitaban a retratar vistas de las ciudades o lugares cercanos al estudio debido al peso de los aparatos. La técnica del colodión humedo le imponía al fotógrafo tener que llevar consigo la cámara oscura completa, y aunque también había valientes que se movían con carros equipados (durante la guerra de Secesión americana los fotógrafos se adentraban hasta el campo de batalla), la mayoría trabajaban en estudio.

El fotógrafo Inglés Henrry Peach Robinson. 183-19001. Su obra teórica “Efecto Pictorial en Fotografía” supone un referente básico de pictorialismo fotográfico.

El romanticismo ayudó a la fotografía de paisaje a imponerse como género autónomo. Aunque hay que decir que los fotógrafos padecían de un cierto complejo de inferioridad frente a los pintores, por lo que a finales del siglo XIX se comenzó a desarrollar el pictorialismo, un movimiento nacido para elevar la dignidad del lenguaje fotográfico a la altura de las artes consideradas más nobles. El objetivo de los pictorialistas era el de crear fotografías en las que la complejidad de la elaboración fuese comparable a la exigida por la pintura. Nacieron así técnicas que hacían la fotografía similar a la pintura: la goma bicromada o el bromóleo, la utilización de objetivos de enfoque suave o la impresión combinada de varios negativos en un único positivo.

Por estos motivos el proceso preferido por la mayoría de los primeros pictorialistas fue el de la calotipia, en el que la superficie irregular del soporte del papel volvía los detalles confusos.

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La exposición y la creatividad.

2012.01.25

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “HAGA, RETOQUE  Y COMPARTA EN INTERNET SUS FOTOS Y VÍDEOS” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/ Y PEQUEÑO APUNTE  EXPLICATIVO MIO.

↓ Fotografía de Paula Juan Altemir.

La fotografía de paisaje es quizás el género más practicado por los fotógrafos aficionados. No hay viaje, no hay excursión que no cuente con una toma del ambiente. Aunque no se trata de un género precisamente fácil: la banalidad siempre está acechando y riesgo de llevarse a casa una insignificante postal (quizás técnicamente correcta pero incapaz de transmitir la emoción experimentada frente a la grandeza de la naturaleza) siempre está pendiente. En este manual las emociones técnicas básicas estarán acompañadas por sugerencias útiles y consejos para transformar un simple toma de un paisaje en en una fotografía digna de admirar.

Algunos fotógrafos afirman que fotografiar el paisaje es como ir a pescar. Hay que quedarse tranquilos, esperar la luz adecuada, considerar con calma el encuadre, enfocar con precisión, usar focales fijas que garanticen una calidad mejor respecto a los zoom. Empleando un trípode se puede utilizar una sensibilidad baja (ya sea con película o en digital) garantizando la máxima nitidez.

A pesar de eso, a menudo ocurre que gran parte de las fotografías de paisaje tomadas por principiantes resultan banales, bastante alejadas escena. El problema es al mismo tiempo técnico y de composición.

Reconozco que esta foto es mía y hago autocrítica. Aunque no soy fotógrafa aficionada, no voy ha dar muchos paseos para retratar paisajes porque no es un género que me fascine, notándose mi desentreno. Cuando cita este artículo “la banalidad”, reconozco que una ría con su barca puede ser muy recurrente, pero por lo menos no he realizado un atardecer. Pero en lo que falla es que esta foto, la toma, se realizada muy lejos de la escena sin transmitir nada de emoción. También dicho en el anterior párrafo. Fotografía de Paula Juan en Cantabría.

La gestión de la luz en el paisaje no es sencilla: cuando están presentes contrastes elevados es fácil quemar las luces altas o “tapar” las sombras, y a menudo esto ocurre porque el principiante no conoce a fondo el principio de la exposición.

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