Introducción a la fotografía callejera.

2011.12.16

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 12 “LA FOTOGRAFÍA CALLEJERA Y LA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

UN POCO DE HISTORIA.

La fotografía callejera es un género ilustre. La mayoría de los fotográfos que se dedicaron a este género trabajaron entre el principio y la segunda mitad del siglo XX, como consecuencia de la aparición de las cámaras portátiles.

HENRI CARTIER-BRESSON Henri Cartier-Bresson es posiblemente el reportero gráfico más famoso, el padre de la teoría del momento decisivo: el instante exacto en el que un momento antes o después la fotografía perdería su significado. En sus comienzos fue pintor y más adelante asistente de dirección; Cartier-Bresson descubrió relativamente tarde su vocación por la fotografía, después de haber adquirido una Leica de telémetro que se convertiría en su compañera de fatigas durante muchos años. Después de militar en la resistencia francesa trabajó en el cine y fundó, junto a Robert Capa y David Seymour, la famosa agencia Magnum. Viajó mucho, siempre regalando al mundo sus imágenes frescas e inéditas. A finales de los sesenta comenzó a reducir su actividad de reportero para dedicarse a su primer amor: la pintura. Murió en el año 2004.

… Y LOS DEMÁS Junto a Cartier-Bresson, considerado el padre del periodismo gráfico por convención, podemos recordar —por citar sólo algunos nombres— a Robert Frank, Alfred Eisenstaedt, William Eugene Smith, William Eggleston, Brassaï, Willy Ronis, Robert Doisneau, Garry Winogrand y Weegee.

Alfred Eisenstaedt, El beso en Time Square entre el marine y la enfermera mientras se celebra la victoria de los Estados Unidos sobre Japón, Nueva York 1945.

Weegee, como otros reporteros americanos coetáneos suyos, utilizaba aparatos de gran formato que se accionaban con una sola mano: con su Graflex Graphic, equipada con un flash de bulbo gigantesco, inmortalizaba personajes famosos y criminales, sucesos de la calle y delitos, dibujando una imagen de la sociedad de la época desencantada y quizás cínica, pero todavía viva y actual.

Brassaï, húngaro asentado en París, inmortalizado la capital francesa en todos sus aspectos: también de noche o bajo la lluvia, merodeando por las villas, los jardines, los bulevares junto al Sena y las callejuelas de los barrios antiguos.

También Doisneau dedicó su obra a París: sus imágenes, sobre todo las de niños, retratan con ironía y a veces con verdadero humor a la sociedad sencilla y auténtica de la periferia de una gran ciudad.

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El desnudo en el arte.

2011.12.02

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 13 “EL RETRATO Y LA FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

Praxíteles. Apolo Sauroctono.

El desnudo es un tema que se viene tratando desde los orígenes de la Historia del Arte. Todo el arte y la escultura privimitiva representa el cuerpo humano es su desnudez. Los tabúes sociales y de comportamiento han llevado en ciertas épocas históricas a excluir y limitar este tipo de representación, es el caso de las pinturas con representaciones de desnudos que han sido, en algunos casos, cubiertos y retocados pudorosamente en siglos sucesivos. El arte africano y oriental presenta innumerables ejemplos de representación del desnudo. Para Occidente la referencia principal a través de los siglos ha sido el ideal griego de belleza y la proporción que se aplicaba a la representación de cuerpo humano en la escultura.

El renacimiento reinterpreta de forma a menudo alegórica la mitología y el imaginario antiguo con los cuerpos desnudos de la Venus y de las divinidades. Estos cánones de belleza, aún sufriendo adaptaciones al gusto de las diferentes épocas, ya atravesarán  los siglos siguientes, pasando a través del Clasicismo y el Romanticismo. De la alegoría a la representación del cuerpo desnudo como exaltación o análisis de los valores plásticos de las formas de la belleza, de la vida. Con el impresionismo la introducción del desnudo se cargará de un significado menos cortesano. Por ejemplo, pensemos en el escándalo suscitado por los cuadros Le déjeuner sur l’herbe (1863) y Olimpia (1865) de Manet.

Le déjeuner sur l’herbe (1863) y Olimpia (1865) de Manet.

El análisis del cuerpo humano y de su anatomía es una de las enseñanzas que aún ahora se practica en las escuelas de arte y en las Academias donde hay cursos de dibujo con modelos desnudos. El desnudo, de hecho, exprime la visión del ser humano en su estado elemental, en su condición más natural sin las estratificaciones y las mediaciones culturales y sociales que caracterizan el vestido.

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La importancia de la técnica en la fotografía de arquitectura.

2011.11.05

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 06 “APLICACIONES PROFESIONALES DE LA FOTOGRAFÍA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

La fotografía de arquitectura precisa, sobre todo a nivel técnico, conocimientos fundamentales para conseguir resultados satisfactorios. Dada su esencial función descriptiva, será muy importante manejar y saber controlar todos los factores que participan en la formación de la imagen de un sujeto arquitectónico. De hecho, este tipo de representación tiene el objetivo de destacar y comunicar al destinatario una serie de características propias de un edificio en particular o de un espacio.

Fotografía Juanjo Fernandez.

Esta necesidad pone inmediatamente en evidencia una dificultad de base a superar en esta tipología de fotografía: dar la idea de la tridimensionalidad de importantes dimensiones a través de un soporte bidimensional mucho más pequeño en proporción.

Entra en juego de manera muy significativa el factor de la perspectiva que, teniendo en cuenta el punto de vista que en la mayoría de los casos asome la cámara fotográfica frente a un elemento arquitectónico, resulta realmente acentuado y determinante.

La fotografía como medio de documentación y representación puede resultar muy útil en diferentes a ámbitos profesionales. La arquitectura, el diseño, el arte y espectáculo son los sectores donde la aplicación de la fotografía se ha convertido en un verdadero lenguaje, con sus pautas y sus códigos. Hoy en día, con la confusión de Internet y de las nuevas tecnologías, el intercambio de imágenes para promover el propio trabajo -ya sea un producto de artesanía, un bar, un bed&breakfast o objeto en venta- es cada vez más frecuente e importante. He aquí por que es útil conocer los instrumentos necesarios para la interpretación de la imagen y su correcta reproducción para alcanzar con éxito el fin deseado.

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La fotografía y la visión perspectiva. Fotografía arquitectura.

2011.10.10

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 06 “APLICACIONES PROFESIONALES DE LA FOTOGRAFÍA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

La fotografía como medio de registro de la visión a través de un dispositivo óptico reduce la realidad con una visión subjetiva parecida a la del ojo humano, sin la facultad de adaptación y de interpretación realizada en cambio por el sistema cerebral.

De hecho se ha visto cómo las líneas de un edificio o de una calle aparecen convergentes hacia el punto de fuga producido por la por la posición del punto de vista respecto del objeto encuadrado.

Esta visión perspectiva que hace que las líneas de un edificio converjan hacia un único punto se debe, como se puede intuir, justamente al punto de vista, porque éste a su vez condiciona otro parámetro fundamental: el ángulo de inclinación del plano de la película o del sensor respecto al sujeto.

Este ángulo, que se acentúa acercándose a la base del edificio, es el responsable de la convergencia de las líneas paralelas convergentes. Para evitar esta deformación se debería encuadrar el edificio paralelamente al plano de la fachada, pero como se puede intuir fácilmente eso no es posible porque nos permitiría encuadar solamente la parte inferior de la fachada y una importante porción de terreno.

En la fotografía existe también otras variables, como la distancia focal del objetivo, que interviene en el nivel de distorsión de la perspectiva.

http://places2explore.wordpress.com/category/fisheye-lens/, interior de la Marktkirche, Wiesbaden, Alemania.

Los objetivos que limitan los efectos de la perspectiva y mantienen mejor las proporciones de un sujeto son los objetivos normales o medios. Pero este tipo de lentes tienen un ángulo de campo restringido que no permite encuadrar  una porción  suficiente de un espacio arquitectónico, salvo que se aleje mucho el punto de toma. Al revés, los objetivos gran angular pueden incluir en la imagen mucho más espacio, pero al mismo tiempo introducen en la fotografía una perspectiva muy acelerada, produciendo en algunos casos también deformaciones esferoides desagradables.

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fotografía de conciertos sin flash.

2011.09.28

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Fotografía “Electric Blue” de Paula Juan Altemir.

Una constante en las tomas, trátese de un concierto de música clásica o de una noche  de jazz, sin no se es posible utilizar el flash, será la necesidad  de enfrentarse a sensibilidades ISO altas. El concepto básico es el de aprovechar la luz de escena.

Las iluninaciones perfiladas sobre los músicos o eventuales focos que entran en el encuadre pueden provocar una difícil valoración de la exposición necesaria. En estos casos se aconseja utilizar un ajuste manual y considerar  bien la elección de la combinación tiempo-diafragma correcta basándose en las zonas de luz y sombra. Es necesario en primer lugar cuidar de no quemar las luces altas, porque el exposímetro detecta la escasez general de iluminación. Esto también depende del tipo de exposímetro de la cámara fotográfica o de ajuste. Las reflex recientes tienen la posibilidad de ajustar el tipo de lectura que el exposímetro realiza en la escena que se está encuadrando. En casos como éstos, donde es posible tener un sujeto muy iluminado respecto a la escena general, en lugar de utilizar la medición equilibrada de todo el fotograma, sería mejor ajustar la lectura en la zona de enfoque, o aquella sólo en el centro del fotograma, de madera que aunque el resto esté muy o oscuras, esto no provoque demasiadas descompensaciones para la lectura de exposímetro.

En otros casos, cuando se ha individuado el tiempo de exposición mínimo que nos garantice que la foto no saldrá movida (dependiendo del objetivo que se utiliza y de la rapidez de los movimientos de los músicos), también se podrá ajustar la cámara con prioridad de tiempo y calcular en consecuencia la abertura del diafragma o la sensibilidad.

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La foto de autor a través de los géneros.

2011.09.11

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 13 “EL RETRATO Y LA FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

El límite entre arte y fotografía de género es en algunos casos muy difuso. La fotografía de género puede volverse una obra de arte cuando el autor logra, a través del medio fotografiado, infundir un sentido y un valor estético y expresivo a la imagen. Además, se ha visto lo dificil que es en el arte moderno y contemporáneo dar una definición de arte y de valor estético.

Pero es indudable que algunos fotógrafos de género ha realizado verdaderas obras de arte con sus imágenes, acogidas actualmente en los más grandes museos del mundo y en las colecciones privadas.

LA FOTOGRAFÍA DE RETRATO. Está ligada a nombres de grandes maestros como Yosuf  Karsh, August Sanders, Elsa Dorfman, Diane Arbus, Robert Mapplethorpe.

LA FOTOGRAFÍA DE MODA. Encuentra un ejemplo significativo en Richard Avedon, que nos muestra como una fotografía de género pueda ser considerada obra de arte. Su trabajo no consiste sólo en fotografías de moda, por las que es precisamente famoso, sino que representa un instrumento sensible para entender cambios políticos, repercusiones sicológicas y filosóficas. Una de sus fotos más famosas, Divima, por ejemplo, que retrata una modelo que lleva un vestido de noche de Dior  en una pose extremadamente antinatural en medio de los elefantes, fue tomada en París en 1955 y representa lo máximo del artificio.

Foto de Richard Avedon,, con la modedo Dovima.

EL REPORTAJE SOCIAL. Hay fotógrafos que ha saltado de un género al otro, basta pensar en Henri Cartier- Bresson, que además de haberse ocupado de retratos, inmortalizando los rostros más famosos de sus contemporáneos, se dedicó sobre todo al reportaje social, en el cual también son muy famosos los fotógrafos como Lewis W. Hine, Walker Evans, Dorothea Lange , Margaret Bourke-White, Sebastião Salgado.

EL FOTOPERIODISMO O REPORTAJE DE GUERRA. En este género de fotografía los autores más conocidos son, sin duda, Robert Capa y David Seymour.

LA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE. Otra fotografía de género que comunica con la fotografía artística es la fotografía de paisaje, basta pensar en Ansel Adamas para los paisajes naturales, o en Luigi Ghirri y otros grandes fotógrafos que junto con él han renovado la fotografía artística italiana justo con el tema del paisaje.

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El negativo.

2011.08.28

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 1 “APRENDER A OBSERVA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

EL NEGATIVO. Antes del descubrimiento del proceso positivo-negativo, era necesario exponer el soporte fotosensible durante el tiempo necesario para convertir unos halogenuros en plata metálica: esto necesitaba de mucho tiempo necesario y hacía difíciles las tomas; gracias al descubrimiento de Talbot, los tiempos de toma se redujeron considerablemente, dejando la fase siguiente a la cámara oscura. Este procedimiento es el que ha hecho posible la fotografía moderna, con películas negativas de las que se pueden reproducir impresiones limitadas. Una vez expuesta, es necesario que la película ya no reciba más luz: se guardará en un lugar oscuro hasta que sea revelada e impresa. El revelado se realiza con unos reveladores químicos que provocan que las partículas sensibilizadas se transformen en plata metálica de color negro de forma proporcional a la cantidad de luz recibida.

El concepto básico consiste en que, cuanto más clara es una parte del encuadre durante la toma porque refleja o emana luz, más oscura será la película revelada correspondiente a esta zona; esto se debe al hecho de que cuánta más luz impacta en la película, mayor será la cantidad de sales de plata modificadas y por lo tanto negras. Una vez revelada la película, es necesario fijarla, o sea, eliminar todas las sales no sensibilizadas (que se modificarían en una nueva exposición a la luz). Después de estos procesos, la película pueden recibir luz de nuevo.

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Un par de fotógrafos. Richard Ramos y Leandre Escorsell.

2011.07.21

REVISTA WOMAN: http://www.woman.es/
FOTÓGRAFO RICHARD RAMOS: http://www.fast-management.com/ Y LEANDRE ESCORSELL: http://leandrefoto.com/
ESTILISTA MARTA LASIERRA PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE PILAR LUCAS PARA HELENA RUBINSTEIN.
MODELO  VALERIYA MELNYK.

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Santiago Esteban pin-up.

2011.06.26

REVISTA WOMAN: http://www.woman.es/
FOTÓGRAFO SANTIAGO ESTEBAN: http://santiagoesteban.com/
ESTILISMO MARTA LASIERRA, PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE DE JUNIOR PARA DIOR.

Actriz Sara Casanovas: http://www.saracasasnovas.com/

Sillón de  http://www.amapoladecoracion.com/

Actriz Ana Fernández:  http://es.wikipedia.org/

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Un mundo feliz. Raúl Docasar.

2011.06.17

SERIE DE FOTOS DE PUBLICACIÓN TDLUX: http://www.dtlux.com

FOTOGRAFO RAÚL DOCASAR: http://www.rauldocasar.com/

He encontrado una entrevista on-line en Mosaic (tecnologías y comunicación multimedia) de Raúl Docasar y quiero destacar esta respuesta.

Mosaic: ¿Por qué es importante diferenciarse y especializarse en el campo de la fotografía de moda? R.D: La especialización es algo que cada vez se tiende más a hacer aquí en España. Cuesta mucho, pero si te vas a países como Estados Unidos o ciudades como Nueva York, gente que lleva un poco más de años trabajando lo que es la publicidad, el marketing, otro nivel – no me gusta decirlo, pero sí que llevan más tiempo- la gente está más especializada, porque todos mejorarán si saben hacer una cosa. Hay que tratar de ser el mejor en lo que tú haces. Esa es la intención. Si eres el mejor haciendo una cosa, trabajarás. Hay tantos fotógrafos que pueden hacer de todo. Sobran fotógrafos en todo el mundo, sobran fotógrafos muy buenos en todo el mundo. No es como antes que había uno o dos. Ahora hay un montón de fotógrafos muy buenos. Porque el mercado es muy abierto, yo creo que la forma de sobrevivir y de realmente destacar es especializándote en algo y destacando en eso. Si no, lo veo complicado. Tocar de todo, bueno lo puedes hacer y lo harás, todo el mundo lo ha hecho, yo lo hecho, pero la tendencia es ésa. Marcar un estilo es fundamental para que te identifiquen. Lo que más valoran hoy en día de un fotógrafo es que alguien vea una foto y sin saber que la has hecho tú, sepa decir de quién es. Alguien que esté un poco metido en el ambiente de la moda o la publicidad que sepa ‘ésta la ha hecho tal fotógrafo’ sólo con verla. Eso es lo fundamental. Ahora conseguir eso lleva años, mucho trabajo… y estoy en ello.

ESTILISTA ABRAHAM GUITIERREZ, PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE JOSÉ ZARCO, MODELO JOHN MICHAEL KING.

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