Richard avedon.

2012.02.06

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA NEO2: http://www.neo2.es/

ESCRITO POR MIREIA CIRERA.

No hay sonrisas, ni emociones. Personas creíbles despojadas de todo aire de heroísmo. Las fotografías de Richard Avedon (1923, Nueva York) van más allá de la superficie visible y penetran en los niveles más profundos de la personalidad del ser humano.

En los últimos 26 años durante el mes de marzo en Sweetwater, Texas, se celebra el Rodeo de la Serpiente de Cascabel. El rodeo es un intento de limpiar las praderas de serpientes para que sean más seguras para las crías de ganado. Avedon asintió a este acontecimiento que duraba tres días en la primavera de 1979. Junto con dos ayudantes montaron un estudio al aire libre, utilizando una gran lámina de papel blanco como fondo y se dispuso a reflejar con su enorme cámara Deardorf la dureza extrema de supervivencia en el oeste americano. Avedon encontró a un jovencito que ayudaba a su padre a quitarle la piel y las entrañas a las serpiente, lo fotografíó a lo largo de dos días, era Boyd Fortin, despellejador de serpiertes. El retrato de Boyd Fortin inauguró la serie de retratos que formaron el proyecto In the American West. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Wort (Texas) y especialmente de su director Mitchell A.Wilder, entre 1979 y 1984 Richard Avedom fotografíó 752 personas a lo largo de su recorrido por 17 estados y 189 poblaciones del oeste americano. El resultado es una serie de retratos en blanco y negro de personas degradadas físicamente, que muestran la dureza de sus vidas cotidianas. Individuos que narran su propia historia en una sociedad inalterada.

Sin ánimo de ennoblecer a los personajes, su cámara es dura, rozando la brutalidad. La mínima expresión, la austeridad que caracteriza sus retratos, hacen florecer a la superficie, los sueños truncados de los habitantes. Ya no hay pioneros ni conquistadores. Es una desmitificación de la tierra prometida. Una realidad desoladora, diminutos rastros de lo que queda del sueño americano. La primera presentación de las fotografías se hizo en Texas en 1985 y fueron recibidas con fuertes críticas, quizás porque evidentemente no reflejan la cara más amable de Ver más información del artículo

El ferrotipo.

2012.01.27

El ferrotipo era un sistema de positivado directo que se comenzó a desarrollar en un principio en Francia sobre 1853, por el fotógrafo y profesor Adolph Alexandre Martin (1924-1825), a partir del proceso del colodión. En Estados Unidos, el profesor L. Hamilton Smith (1819-1903), recogió la idea de Martin y experimentó con la toma de fotografías positivas de colodión, que resultaría posteriormente el llamado ferrotipo patentándolo en 1956.

Este proceso antiguo estuvo comercialmente en uso hasta 1920, aunque desde 1915 entró en declive.

Las llamadas Hidden Mothers (Madres ocultas) crearon todo un género en los albores de la fotografía con los ferrotipos.

El ferrotipo es una variante del proceso del colodión húmedo y al igual que el daguerrotipo, la imagen se fijaba en una placa de metal expuesta en la cámara, pero el metal era acero (hojalata) o hierro en lugar de cobre. Esta placa se lacada por ambas caras con barniz japonés negro o café en lugar de plata. Luego se sensibilizaba con colodión y nitrato de plata justo antes de la exposición en la cámara oscura. El ferrotipo era un negativo en su formación química y aparecía como positivo debido a la placa negra.

Dos empresas estadounidenses empezaron la producción de placas de metal lacada. Peter Neff obtuvo la patente del profesor Smith, llamando a su producto “melainotype” (del término griego melanio que significa oscuro o negro) y su rival, Victor Griswold, lo llamó ferrotipo (del término latín ferro que significa hierro).

Las imágenes obtenidas eran bastante planas predominando los tonos grisáceos y pocos contrastados. En ocasiones se barnizaban para aumenta el grado de protección y darle cierto brillo.

Con frecuencia reproduce el sistema “paquete daguerriano” (una especie de estuche) hasta el año 1865, llegándose a confundir con los ambrotipos que se mostraban de esta forma. Después era habitual su presentación en una especie de ventana recortada de papel, con formato de carta de visita y en ocasiones insertos en álbumes de estilo modernista.

La poca fragilidad del metal que soporta la imagen, la facilidad para la toma, así como su precio asequible, le dieron popularidad a este proceso fotográfico e hicieron posible que a diferencia de otros “positivos directos de cámara”, su uso comercial se prolongase hasta las primeras décadas del S. XX. Durante la guerra civil norteamericana fue la forma de reproducción más demandada. Era un soporte muy ligero por ser una lámina muy fina y aguantaba los golpes y maltratos del correo. Por eso miles de soldados se hacen un retrato para sus familiares.

El ferrotipo nunca alcanzó la calidad de la imagen que se obtenía con el daguerrotipo.

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George Eastman (1854-1932).

2012.01.14

TEXTO LITERAL DE LOS APUNTES DE “HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA” DE PRIMERO DE FOTOGRAFÍA EN MI ÉPOCA DE ESTUDIANTE.

George Eastman es un inventor autodidacta estadounidense, que consiguió que la fotografía dejara de ser un caro capricho de unos pocos aficionados, para convertirse en una afición relativamente barata y muy popular.

Nació en Waterville (Nueva York) y en 1884 patentó la primera película en forma de carrete o rollo que resultó ser práctica. Por lo tanto también fue una gran aportación para la invención del cine. En 1888 perfeccionó la cámara Kodak, la primera cámara diseñada especialmente para una película en forma de carrete. En 1892 fundó la Eastman Kodak Company en Rochester (Nueva York), una de las primeras empresas en producir material fotográfico en serie.

Estatman estuvo en Kodak desempeñado un cargo administrativo y ejecutivo hasta su propio suicidio. Él contribuyó enormemente al desarrollo de otros medios de investigación.

Era uno de los filántropos más destacados de su época, pues entregó más de 75 millones de dólares a diversos proyectos. Entre sus aportaciones destaca una donación al Instituto de Tecnología de Massachusetts.

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U2 en directo.

2011.12.05

He realizado el escaneo con los textos del reportaje, así podemos ver su parte editorial y el como se deberían de colocar las imágenes.

PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/

Fotografía: Adrian Boot y Hugo Mcguinness.

Fotografía de Adrian Boot.

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La perdida de la inocencia.

2011.09.19

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

Un capítulo no muy conocido de la historia de la fotografía es el que protagonizaron los fotógrafos Mayer y Pierson. Fue gracias a ellos que la fotografía fue reconocida por primera vez de modo oficial como obra de arte. Corría el año 1863. La fotografía era un medio tan joven e “intruso”como comercialmente exitoso. Los fotógrafos más conscientes de las posibilidades expresivas del medio fotográfico se mostraban unánimes en sostener que la fotografía se relacionaba con el arte y no con la industria. Pero casi todos los artistas le negaban al nuevo medio “mecánico” la dignidad de la asimilación a la obra de arte.

Julia Margaret Cameron. Paul y Virginia, 1865.

La discusión sobre la condición “artística” o “artesanal “, incluso “mecánica” de la fotografía, que enfrentaba violentamente a artistas, artesanos y literatos contra los profesionales que no dudaban en anteponer su condición de “artistas” al oficio de fotógrafos, acabó en los tribunales. En uno de los procesos que, después de pasar por varias instancias llegó a ser célebre, el de los fotógrafos Mayer y Pierson contra Betheder y Shwabe, la justicia francesa decidió finalmente que había que reconocer la fotografía como obra de arte.

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La foto de autor a través de los géneros.

2011.09.11

TEXTO LITERAL DE LA COLECCIÓN “TODO SOBRE LA FOTOGRAFÍA & VIDEO DIGITAL”, VOLUMEN 13 “EL RETRATO Y LA FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/

El límite entre arte y fotografía de género es en algunos casos muy difuso. La fotografía de género puede volverse una obra de arte cuando el autor logra, a través del medio fotografiado, infundir un sentido y un valor estético y expresivo a la imagen. Además, se ha visto lo dificil que es en el arte moderno y contemporáneo dar una definición de arte y de valor estético.

Pero es indudable que algunos fotógrafos de género ha realizado verdaderas obras de arte con sus imágenes, acogidas actualmente en los más grandes museos del mundo y en las colecciones privadas.

LA FOTOGRAFÍA DE RETRATO. Está ligada a nombres de grandes maestros como Yosuf  Karsh, August Sanders, Elsa Dorfman, Diane Arbus, Robert Mapplethorpe.

LA FOTOGRAFÍA DE MODA. Encuentra un ejemplo significativo en Richard Avedon, que nos muestra como una fotografía de género pueda ser considerada obra de arte. Su trabajo no consiste sólo en fotografías de moda, por las que es precisamente famoso, sino que representa un instrumento sensible para entender cambios políticos, repercusiones sicológicas y filosóficas. Una de sus fotos más famosas, Divima, por ejemplo, que retrata una modelo que lleva un vestido de noche de Dior  en una pose extremadamente antinatural en medio de los elefantes, fue tomada en París en 1955 y representa lo máximo del artificio.

Foto de Richard Avedon,, con la modedo Dovima.

EL REPORTAJE SOCIAL. Hay fotógrafos que ha saltado de un género al otro, basta pensar en Henri Cartier- Bresson, que además de haberse ocupado de retratos, inmortalizando los rostros más famosos de sus contemporáneos, se dedicó sobre todo al reportaje social, en el cual también son muy famosos los fotógrafos como Lewis W. Hine, Walker Evans, Dorothea Lange , Margaret Bourke-White, Sebastião Salgado.

EL FOTOPERIODISMO O REPORTAJE DE GUERRA. En este género de fotografía los autores más conocidos son, sin duda, Robert Capa y David Seymour.

LA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE. Otra fotografía de género que comunica con la fotografía artística es la fotografía de paisaje, basta pensar en Ansel Adamas para los paisajes naturales, o en Luigi Ghirri y otros grandes fotógrafos que junto con él han renovado la fotografía artística italiana justo con el tema del paisaje.

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La silla “Lounge Chair Wood” de Charles y Ray Eames.

2011.07.20

Los arquitectos pueden sentirse más libres y creativos con el diseño industrial que con su disciplina propia. Con el tiempo estos muebles son auténticos clásicos y eternamente contemporáneos.

Silla de pequeña escala llamada LCW (Lounge Chair Wood), de madera de 1946 del matrimonio Charles y Ray Eames. El era arquitecto y ella era pintora en los años 30. Se casan en 1941 año y formaron un gran equipo creativo experimentando con la madera. Presentando sus inventos en Museo de Arte Moderno de Nueva York. Más tarde se dedicarán a la fabricación de muebles, a la fotografía y la producción de cortometrajes.

Fotografías de Jan BitterMiro Zagnoli en Hotel Julien (Amberes).

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Magia instantánea. Polaroid.

2011.07.18

TEXTO LITERAL DEL SUPLEMENTO “YO DONA” DEL PERIÓDICO EL MUNDO: http://www.elmundo.es/yodona/
ESCRITO POR CRISTINA DÍAZ: http://www.cristinadiaz.net/

Pese a la firme intención de Polaroid de dejar de fabricar su legendaria película, sus admiradores han puesto en marcha una autentica revolución, certificada por la revista `C-Photo´, que da nuevos bríos al más pop de los formatos fotográficos.

Con el aséptico brillo y perfección de los formatos digitales plenamente instalados en nuestras vidas, son muchos los inventos que han desaparecido, más que con discreción, directamente cabizbajos y por la puerta de atrás. Cacharros de nuestra infancia, como el disquete (que almacenaba la friolera de… ¡1,4 megas!) o la cinta VHS (que hizo temer el fin del cine y, lejos de eso, consiguió popularizar el porno), dejaron de fabricarse el pasado año. Estos ingenios, llamados a cambiarmos la vida, se esfumaron sin que soltáramos una lágrima. Nada que ver con los ríos de tinta (y bits) que hizo correr el anuncio en febrero del fin de la mítica Polaroid. Paradojas de la vida moderna, la noticia provocó que los aficionados se lanzaran ávidos a aprovisionarse de la conocida película instantánea (fans del mundo, respirad tranquilos: se rumorea que otra empresa tomará el relevo en la producción de los cartuchos).

Iman (1987), de Peter Beard.

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Siete citas de fotógrafos históricos. Parte 2.

2011.07.12

CITAS EXTRAÍDAS DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

En el fondo, el éxito o fracaso en la fotografía de personas depende de la capacidad del fotógrafo para entender a su prójimo. EDWARD WESTON.

A menudo me han acusado de deformar la naturaleza deliberadamente para adaptarla a mi propio punto de vista. Por encima de todo, sé que el fotógrafo no puede imaginarse la vida desde otros ojos. Cualquier opinión entraña elementos de crítica, pero la crítica puede estar inspirada por el amor. Es importante lo que está oculto a los demás, ya sea un rayo de esperanza o de tristeza. La fotografía seguirá siendo una reacción instintiva del operador hacia sí mismo. ROBERT FRANK. →

No hay tipo concreto de foto que piense que es mejor que otra. Siempre busco imágenes con espíritu. No me importa una mierda cómo se han hecho. MINOR WHITE.

Prefiero trabajar en el estudio, porque aísla a las personas de su entorno. En cierto modo, se convierten en símbolos de ellos mismos. A menudo pienso que la gente viene a que le fotografíe por lo mismo que van al médico o a un astrólogo: para saber quienes son. RICHARD AVEDON. →

Calidad no significa negros profundos y cualquier gama tonal. Eso no es calidad, eso es una clase de calidad. Las imágenes de Robert Frank pueden sorprender a algunos por su desnudez (la gama tonal no es correcta y cosas así), y sin embargo son muy superiores a las de Ansel Adams en cuanto a calidad. Porque la calidad de Ansel Adams, si puede decirse, es en esencia la calidad de una postal. Pero la calidad de Robert Frank  es una calidad que tiene algo que ver con lo que está haciendo, con cómo es su mente. No consiste en equilibrar el cielo y la arena, etcétera. tiene que ver con la intención. ELLIOT ERWITT.

Ser un buen fotógrafo requiere mucha imaginación. Se necesita menos imaginación para ser pintor, porque puedes inventar cosas. En fotografía todo es tan corriente, que hay que mirar mucho antes de aprender a mirar. DAVID BAILEY.

Evidentemente, siempre habrá quién sólo vea la técnica, que se pregunte “como”; otros, de naturaleza más curiosa, se preguntan el porqué. Personalmente, prefiero la inspiración a la información. MAN RAY.

Post o artículo relacionado “Siete citas de fotógrafos históricos. Parte 1″

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Los encantos de la fotografía. Santiago Ramón y Cajal.

2011.06.21

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

(Prólogo del libro “La fotografía de los colores”)

La fotografía común y, sobre todo, la fotografía en color constituyen distracción incomparable para el trabajador intelectual. En los prosaísmos y miserías de la lucha profesional o de la vida oficinesca, pone un poco de poesía y algo de emoción imprevista. Sus placeres, eminentemente higiénicos y educadores, carecende la tediosa monotonía del billar o de la ruda y peligrosa fatiga de la caza.

Solitario como el ciclista, el aficionado a la fotografía se basta a sí mismo. Sólo el objetivo puede saciar la sed de belleza de quienes, habiendo nacido artistas, no gozaron del vagar necesario para ejercitar metódicamente y dominar el pincel y la paleta.

Yo debo a la fotografía satisfacciones y consuelos inefables. Por agradecimiento al divino arte escribo este librito. Deseo celebrar lo que tanto amé, lo tan digno de cautivar a todo espíritu sensible y curioso de las bellezas naturales.

Excusado es decir que, cercano a la vejez, pertenezco a la grey de los antiguos aficionados. Jamás sentí desfallecimiento en mi devoción por la cámara obscura, cuyas imágenes, siempre variadas, ennoblecieron mis fiestas y alegraron mis vacaciones.

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