Siete citas de fotógrafos históricos. Parte 1.

2011.06.06

CITAS EXTRAÍDAS DE LA REVISTA FOTO: http://www.1arte.com/revistas.php?revista=19

¿De qué sirve tener mucha profundidad de campo si no hay una correcta profundidad emocional? W. EUGENE SMITH

Las ventajas de la mirada solo llegan si nos paramos un momento, nos desenredamos de la enloquecedora multitud de emociones rápidas que bombardean nuestras vidas sin cesar y miramos atentamente a una imagen tranquila. El observador también debe estar dispuesto  a pararse, a volver a mirar, a meditar. DOROTHEA LANGE. →

Si sólo fuera curiosa, me resultaría muy difícil decirle a alguien: “Quiero ir a tu casa y que me cuentes la historia de tu vida”. La gente pensaría que estoy loca. Y además montarían guardia. Pero la cámara es una clase de permiso. Mucha gente quiere que le prestes toda esa atención y es un tipo de atención muy razonable que prestar. DIANE ARBUS.

Para fotografiar a un prisionero de guerra tienes que estar en el momento en que le capturan. Luego, aquella expresión se pierde para siempre. El mecanismo humano es asombrosamente recuperativo. Media hora después, las expresiones se han ido, las caras han cambiado. La madre con el bebé muerto en los brazos ya no parece desolada, aunque lo siga sintiendo. HORST FAAS. →

El otro día leí que Minor White dice que se tardan 20 años en llegar a ser fotógrafo. Creo que es un poco exagerado. Yo diría, pariendo de mi experiencia, que se tarda al menos ocho o nueve años. Pero no se tarda más que en aprender a tocar el piano o el violín. Si hay que esperar veinte años, ¡más vale olvidarse! PAUL STRAND.

¿Que es el fotoperiodismo? A veces, una foto insólita, en la que la forma es precisa y rica y, el contenido posee suficiente resonancia, se basa en sí mismo. Pero raro es el caso. Los elementos de un motivo que nos hablan suelen estar esparcidos y no pueden capturarse en una sola foto. No tenemos derecho a juntarlos a la fuerza; organizarlos sería mentir… lo que nos lleva a la necesidad del fotoperiodismo. HENRI CARTIER-BRESSON. →

Lo mejor de nosotros no es lo que vemos, es lo que sentimos. Somos lo sentimos. No somos lo que miramos. No somos ojos, somos cerebro. La gente cree en sus ojos y se equivoca completamente. Por eso considero que la mayoría de las fotos son extraordinariamente aburridas: inofensivas, amables, otra cansada, otro atardecer. A veces se añaden colores para proteger la inocencia. Es aburrido. Y todo el abanico de la experiencia propia… el dolor, la soledad… ¿Cómo se fotografía la lujuria? Quiero decir, ¿Como se enfrenta uno a estas cosas? Esto es lo que somos, no lo que vemos. Todo está sentado aquí. Podría hacer todo el trabajo sentado en mi habitación; no tengo que ir a ningún sitio. DUANE MICHALS.

Post o artículo relacionado “Siete citas de fotógrafos históricos. Parte 2″

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Retiro de moda. Luis Delgado.

2011.04.03

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA VANIDAD: http://www.vanidad.es/

TEXTO Y FOTOGRAFÍA LUIS DELGADO.

Me gustaría saber la web personal de Luis Delgado, la que creo que es (http://www.luis-delgado.com/) ya no está operativa.

ESTILISTA MARISA REY MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA FRAMN DE REZENDE.

FLASHES DE LA SESIÓN DE MODA EN EL PHOTOMARATÓN: 11´30 de la mañana: nos improvisamos un pequeño set para que se cambie Nicole -la modelo- con una sombrilla, un fondo de tela, unas pinzas y una cuerda que nos permite atar a la valla del Retiro el “tinglado” que se nos ha volado ya en dos ocasiones. No dejan de pasar corredores que, con un irritante sentimiento de propiedad sobre el parque, nos recriminan la ubicación elegida y la gente, al ver el montaje de cámaras y luces, nos preguntan para qué televisión trabajamos. La dirección de Photoespaña nos pide hacer las fotos cerca de la entrada donde ellos convocaron el fotomaratón el año pasado, creo que hicieron un récord Guinness con el número de fotos expuestas -un par o dos miles de imágenes- me pregunto si este año habrá avalancha de aficionados. La primera foto es en la escalera y en los primeros momentos la gente se acumula detrás de mí, pero rápidamente, como si hasta ese instante hubieran estado escondidos entre los arbustos aparecen las prometidas hordas de fotógrafos que acuden a su anual cita con el arte de la instantánea. Juan “se deja pisar” sin rechistar en la imagen salvo cuando Nicole, concentrada en posar según mis indicaciones, olvida que lo que pisa no es un escalón. Ser asistente de fotógrafo es un trabajo, como se demuestra aquí, bien sufridito.

Disuelta la cohorte de curiosos preparamos la siguiente toma en la misma entrada principal del Retiro. Consiste en colocar la cámara y ¡zas! 30 aficionados tras de mí. No exagero al decir que noto una gran excitación mientras Nicole va moviendo el espejo, al grupo se une un aficionado oriental y la gente entiende y disfruta el juego propuesto. Al día siguiente cuando aún no había visto los contactos de la sesión, vi mis fotos en el escaparate de una tienda de revelado en una hora. Extrañado, miré al interior de la tienda y entendí todo al ver al dueño: era mi oriental.

Tina Modotti. Fotografía y vida.

2011.03.17

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA RETOQUE DIGITAL (GRUPO ARES INFORMÁTICA, S.L)

ESCRITO POR MONTSE MORCATE: http://www.queridoepitafio.com/

SI PRETENDEMOS HABLAR AQUÍ DE TINA MODOTTI, DEBEREMOS ESTABLECER UN BALANCE  JUSTO ENTRE LO QUE FUE Y SIGNIFICÓ ESTRICTAMENTE SU OBRA Y LO QUE  REPRESENTÓ SU VIDA COMO PERSONAJE, POR LO QUE HA PERDURADO SU TRABAJO Y SU MITO, ES INDUDABLEMENTE POR ESE DEBATE CONTINUO POR ESTABLECER UN EQUILIBRIO ENTRE LO SOCIOPOLÍTICO Y EL ARTE.

Retrato a Tina Modotti de Edward Weston  en 1923.

Tina Modotti vivió y produjo su obra durante los movimientos políticos y artísticos más relevantes de lo primera mitad del siglo XX. Acontecimientos que paulatinamente condicionaron tanto sus fotografías como su modo de entender el mundo. Tina, como persona comprometida socialmente, fue incapaz de limitarse o crear un arte puro y carente de contenido político, dirigiendo progresivamente su obra hacia un trabajo que reflejaba una sociedad gravemente afectada por la injusticia social. En palabras de Tina Modotti; “La fotografía, por el hecho mismo de que sólo puede ser producida en el presente y basándose en lo que existe objetivamente frente a la cámara, se impone como el medio más satisfactorio de registrar la vida objetiva en todas sus manifestaciones; de allí su valor documental, y si a todo esto se añade sensibilidad y comprensión de asunto y, sobre todo, una clara orientación del lugar que debe tomar en el campo del desarrollo histórico, creo que el resultado es algo digno de ocupar un puesto en la producción social, a la cual todos debemos contribuir “.

Ver más información del artículo

Reportaje musical. The Police.

2011.02.14

He realizado el escaneo con los textos del reportaje, así podemos ver su parte editorial y el como se deberían de colocar las imágenes.

PUBLICACIÓN EL PAÍS SEMANAL: http://www.elpais.com/suple/eps/

Uno de los músicos del grupo fue el fotógrafo de estas imágenes. ANDY SUMMERS: http://www.andysummers.com/photography.php
Fotografías extraídas del libro I´LL BE WATCHING YOU (Taschen).

Ver más información del artículo

Russell Lee. No sólo F.S.A.

2011.01.23

Russell Lee era un ingeniero químico, que acabó siendo reportero para la Farm Security Administration (F.S.A.), el proyecto patrocinado por los E.E.U.U. bajo el mando de Roy Stryker en 1939. Aunque hizo un paréntesis durante la Segunda Guerra Mundial, retomó después su actividad otra vez con Stryker. Esta vez con otros encargos como fotografiar una de las petroleras más grandes del mundo “Standard Oil de New Jersey”. En 1965 fue el primer profesor de fotografía en la Universidad de Texas, donde está una importante colección de su obra.

Fotografía de Diciembre de 1936 realizada en 35 mm. Título: Shantytown Baby. “Mrs. Charles Benning y el bebé en su cabaña en Shantytown. Spencer, Iowa”. Durante la depresión.

Fotografía de Octubre de 1937 realizada en formato medio. Título: Last Chance Texaco. “Garaje abandonado en la carretera No. 2. occidental de Dakota del Norte”. Copia de la F.S.A.

Ver más información del artículo

Los orígenes del digital.

2011.01.13

Haciendo limpieza en una habitación encontré una fotocopia sobre los comienzos del digital.

Sus orígenes se pueden situar en los años 20 con la implantación del sistema Bartlane de transmisión de imágenes por cable telegráfico. Este procedimiento se basa en codificar cualquier tipo de información y traducirlo a una secuencia de estados binarios.

Se pueden diferenciar dos etapas: Hasta los 70, cuando los avances en el tratamiento están promovidos por Instituciones militares y Universitarias. Desde los años 80 hasta nuestros días toma el relevo la industria comercial.

Desde la entrada en uso de los sistemas Bartlane hasta los 70 no hay grandes avances prácticos en imagen digital, pero si muchos teóricos respecto a su tratamiento como un conjunto de datos en el dominio del espacio y el color. El motivo de este lento avance es que no había una tecnología informática que permitiese tratar las imágenes como secuencias de bits.

Primera cámara digital encargada por Kodak a Steve Sasson en 1975 de 0,01 megapíxeles, con una imagen en blanco y negro que tardaba 23 segundos en realizarse.

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Y lo digital nació.

2011.01.07

Tratamiento digital de la fotografía: antes un insulto, ahora otra vía de creación. Cita de la revista VANIDAD.

A principio de los 90´s la manipulación digital de las fotografías se generalizó. La mayoría de las personas entendidas en fotografía analógica mantuvo una reacción negativa y escéptica. Creían que anulaban el sentido de la fotografía como una prueba de realidad al convertirla en algo fácilmente alterable. Decían que se utilizaría para engañar, olvidando que también iba a suponer una revolución para la creación artística, difuminado la frontera entre pictorialismo y realismo. Ahora hay una generación de fotógrafos como Daniel Lee, Jacqueline Hayden, Oleg Kulik, Alessandro Bavari o Tom Chambers. La propuesta de la mezcla de realidad y dibujo animado manga, de Joshio Itagaki, o el realismo pop de Pablo Genovés.

Fotografía “Agua” de Paula Juan Altemir.

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

Merry Christmas! Nostalgia de fotos antiguas.

2011.01.03

La curiosidad de la fotografía antigua ha sido una constante para nosotros por ver las constumbres, decoración, ropa que no son habituales en nuestro tiempo actual. Esto se potencia cuando las imágenes son, como en este caso, de la cultura anglosajona de E.E.U.U. con su frecuente barroquismo.

Fotografía de Diciembre de 1900. Título: Christmas With Wilbur and Orville. Árbol de Navidad en la casa de Wilbur y Orville Wright en Dayton, Ohio. Placa de cristal negativa seca de 4×5 pulgadas realizada por los hermanos Wright.

Fotografía de Enero de 1901. Título: Just What I Always Wanted. “Bertha Wright es sobrina de los hermanos Wright de cinco años, ella está con algunos de sus regalos de Navidad en otra habitación de la casa en Dayton, Ohio”. Placa de cristal negativa seca de 4×5 pulgadas realizada por los hermanos Wright.

Ver más información del artículo

Gilbert & George. Revista Citizen K (España).

2010.12.16

TEXTO LITERAL DE LA REVISTA CITIZEN K (ESPAÑA): http://www.citizen-k.com/

El St. Martins School de Londres fue el escenario de su flechazo. Allí, en 1968, se conocieron el italiano Gilbert Prousch y el británico George Passmore. Por aquella época también fue cuando se autoproclamaron esculturas vivientes. 30 años después, queda claro que no hablaban en vano: es imposible percibir dónde termina la obra y empieza el artista, dónde acaban la pose y comienza la persona. Autodefinidos como un sólo creador, siempre vestidos con impecables trajes de indecente pulcritud y pose hierática, esta pareja se ha retratado hasta la saciedad en sus piezas de soporte fotográfico y vivos colores: desnudos, vestidos, acompañados de otros hombres, con afán de incomodar y jugar libremente. Pero no sólo cuentan el escándalo y la excentricidad. Sus composiciones de grandes formatos se quedan en la retina. “Cuando hablamos con gente del barrio, nos hablan de desempleo, drogas, sexo. Si están interesados en ir a una exposición de arte no les podemos mandar a ver cuadros que no tienen ninguna conexión con la realidad”, dicen. Por eso, sexo, raza, dinero, y religión son sus temáticas predilectas. Paradójicamente, aunque ellos no se prodiguen entre las personalidades del mundo del arte, éstas les admiran. En 1986 ganaron el premio Turner y el año pasado representaron a Reino Unido en la Vienale de Venecia. Ahora, la Tate Modern les va ha dedicar  la mayor restrospectiva que ha consagrado nunca a un sólo autor: 200 de sus obras de los últimos 35 años. Gilbert & George. Tate Modern (Londres). 15 de febrero al 7 de mayo.

* En referencia a las últimas fechas citadas de las exposiciones Gilbert & George, este artículo fue escrito el 2007.

The Wall (1968) es una de las 200 piezas que forman la retrospectiva.

 

 

Si quieres comentar esta entrada. ¡Anímate aquí!

William S. Soule, colección colonial.

2010.12.13

Fotógrafo William S. Soule. (William Stinson), 1836-1908.

Vistas fotográficas y retratos realizados entre 1867-1874 en las cercanías de Fort Dodge, Kansas, el campamento de suministro, Oklahoma, y Fort Sill, Oklahoma.

Ver más información del artículo